Penulis naskah drama membacakan teater. Sikap terhadap tradisi. Mencari topik Anda. Ciri-ciri posisi penulis.
Nikolai Kolyada menulis drama pertamanya pada tahun 1986, dan pada tahun 1990-an ia menjadi salah satu penulis drama dengan repertoar terbanyak. Drama terbaiknya dipentaskan tidak hanya di tanah kelahirannya, tetapi juga di teater-teater di Inggris, Hongaria, Bulgaria, Swedia, Jerman, Amerika Serikat, Italia, Prancis, Finlandia, Kanada, Australia, Yugoslavia, Latvia, dan negara-negara lain. Mengingat aktivitas kreatifnya yang luar biasa (pada akhir tahun 2006, lebih dari 80 karya drama telah ditulis, 5 buku drama telah diterbitkan), kita dapat dengan aman berbicara tentang Teater Kolyada. Dramaturginya - dunia seni holistik, dengan ciri, pola, batasan yang dapat dikenali - diminati oleh teater modern.
Ketenaran dan kesuksesan dramawan Kolyada memerlukan pemahaman, membangkitkan minat dan kontroversi. Kritikus teater banyak menulis tentang Kolyada sehubungan dengan pementasan salah satu dramanya. Tentu saja, penekanan dalam artikel-artikel semacam itu bersifat teatrikal, dan dramaturgi Kolyada tetap berada dalam bayang-bayang. Ulasan sering kali melakukan penyederhanaan. Benar, dalam buku kritikus sastra terkenal N.L. Leiderman “Dramaturgi Nikolai Kolyada. Critical Essay" (1997) memberikan analisis menyeluruh tentang konsep artistik penulis naskah. Namun aktivitas kreatif Kolyada, intensitas pencarian artistiknya (dalam waktu yang telah berlalu sejak penerbitan buku Leiderman, ia menulis hampir empat puluh drama, yang, karena alasan yang jelas, tetap berada di luar bidang penelitian) mendorong refleksi lebih lanjut atas karyanya. . Selain itu, beberapa sikap utama peneliti, khususnya definisi genre drama awal penulis naskah sebagai menippea, tampak kontroversial.
Nikolai Kolyada memulai pada paruh kedua tahun 1980-an dengan drama yang menampilkan kehidupan provinsi, pinggiran kota: tradisi Vampilov ternyata masih diminati dan memberikan dorongan kreatif bagi generasi baru penulis drama. Kehidupan provinsial dalam dramanya muncul dalam manifestasinya yang paling tidak sedap dipandang.
Drama tersebut langsung diklasifikasikan oleh para kritikus sebagai apa yang disebut "chernukha". Rekan berpengalaman Leonid Zorin, dalam kata pengantar penerbitan drama Kolyada “Barak” di jurnal “Modern Drama,” dengan tegas menolak label ini: “Sangat mudah untuk mendaftarkan Kolyada di departemen, yang sekarang disebut “chernukha.” Ketika istilah ini lahir, terlihat jelas bahwa tren telah menjadi sebuah fashion. Namun ketika banyak orang yang memiliki trik, kunci utama, permainan modernitas, setumpuk kengerian, Kolyada memiliki gairah sekaligus siksaan.” Para penulis Chernukha melukiskan gambaran kehidupan yang mengerikan, yang mereka lihat dari luar. Kolyada tidak memisahkan dirinya dari dunia yang diciptakan kembali. Dia, bersama dengan para pahlawan dramanya, mengalami perubahan nasib mereka. Awal liris yang diungkapkan secara aktif menghilangkan sentuhan “kegelapan”.
Seiring berjalannya waktu, para sarjana sastra mulai mengklasifikasikan karya-karya tersebut sebagai neo-naturalisme, yang sekilas tampak cukup meyakinkan: karya-karya tersebut mereproduksi realitas dan karakter zaman senyata mungkin. Pada saat ini, apa yang disebut "prosa kejam" karya S. Kaledin, L. Gabyshev dan lain-lain mulai dikenal dalam literatur kita.Menurut beberapa peneliti, "aliran alam baru" sedang terbentuk dalam proses sastra modern.
Prosa ini benar-benar menunjukkan titik-titik menyakitkan dalam hidup dan menemukan jenis pahlawan baru. Bukan hanya seorang “pria kecil”, tetapi seorang pria dari ruang yang sebelumnya tertutup bagi literatur kita (penjara, kuburan, batalion konstruksi), marginal dalam arti penuh, digambarkan tanpa ampun secara naturalistik, dalam segala kekejamannya yang membara sehari-hari. Pahlawan baru bukanlah pahlawan dalam arti biasa dalam literatur periode sebelumnya. Namun dialah – orang buangan, korban – yang menjadi eksponen, penanda lingkungan dan keadaan sosial, termasuk sejarah dan politik, yang membentuk dirinya.
Itu adalah prosa yang meneriakkan sosialitas, posisi penulis yang keras, estetika baru, dan kesedihan kritis yang menuduh. Kolyada dekat dengan perwakilan "prosa kejam" dalam proses sastra, ia dekat dengannya secara tematis, tetapi ia mengajukan dan memecahkan masalah-masalah kreatif lainnya dan hampir tidak dapat dihitung di antara arah ini. Menampilkan kehidupan masyarakat yang tidak menentu, pengabaian masalah dan hubungan sosial, penulis naskah memusatkan perhatian terutama pada individu, menunjukkan drama kemanusiaan yang terjadi di sini dan saat ini dalam setiap karakter, bahkan mereka yang kehilangan dirinya sendiri. Ini penting bagi penulis intern- drama kepribadian, bukan luar- masalah sosial yang memunculkannya. Pengarang drama tidak menyalahkan individu, masyarakat, atau negara, namun merefleksikan eksistensi manusia. Inilah perbedaan mendasar antara Kolyada dan penulis “prosa yang kejam”. Dalam dramanya - "Laut Kita Tidak Ramah... Atau Kapal Orang Bodoh", "Murlin Murlo", "Kisah Putri Mati", "Katapel", "Buket" - dari karya awalnya, "Amigo" - dari karya-karya terbarunya (yang menunjukkan ketertarikan penulis yang terus-menerus terhadap realitas kehidupan kita) - tidak ada moralisasi, tidak ada pencarian seseorang untuk disalahkan. “Dipermalukan dan dihina” di dalam diri mereka tidak dipermalukan dan dihina dalam pengertian klasik ungkapan ini, meskipun kekurangan dan marginalitas mereka terlihat jelas.
Karakternya membangkitkan kasih sayang; konflik dalam drama tidak memiliki penyelesaian yang membahagiakan. Nasib para pahlawan, keadaan hidup mereka mendorong pembaca untuk secara aktif memikirkan makna hidup manusia, tentang kesepian, cinta dan kebahagiaan. Posisi penulis membantu mengatasi kehidupan sehari-hari yang tanpa harapan dan menimbulkan kebutuhan akan pertanyaan. Dan mungkin justru karena reaksi pembaca-penonton inilah drama itu disusun.
Paradoksnya, secara tipologis Kolyada lebih dekat bukan dengan penulis kontemporer, termasuk penulis naskah drama gelombang pasca-Vampilian, tetapi dengan seniman dari era lain - Maxim Gorky, yang menyukai akhir abad ke-19 - awal abad ke-20. tema tramping. Kolyada, seperti Gorky, menunjukkan “bawah” sosial, hilangnya pedoman hidup, keberadaan lumpen di ambang hidup dan mati. Mereka disatukan oleh ekspresi jelas dari posisi penulis - kasih sayang, keinginan untuk menjangkau pembaca yang “makmur”, menunjukkan gambaran sedih tentang kehidupan lain, tanpa harapan, mengerikan (ingat drama Gorky “At the Depths”). Melalui kejutan moral, mereka ingin membuat orang-orang sezamannya tidak terlalu memikirkan tentang koreksi moral, tetapi tentang tujuan manusia, tentang hidup dan mati.
Oposisi "hidup - mati" diatur di Kolyada dalam satu atau lain cara dalam banyak dramanya (dalam drama "The Seagull Sang" seluruh aksi berkisar pada kematian dan pemakaman Valerka yang malang, yang dipukuli sampai mati di penjara). Peti mati dengan jenazahnya di atas panggung merupakan detail artistik simbolis, dan bukan mise-en-scène demi keserupaan dengan kehidupan. Di Gorky, penentangan ini juga ditegaskan dengan jelas. Di awal lakon “At the Bottom” ada pertanda kematian (Anna sakit parah), di klimaks dan final ada kematian sebagai fakta yang sudah tercapai. Dan ketegangan dalam perkembangan aksi ini terkait dengan pertanyaan “bagaimana cara hidup?” dan “apa yang dibutuhkan seseorang?” Kedua penulis drama ini lebih mementingkan isu-isu filosofis dibandingkan isu-isu sosial, namun parahnya kerugian sosial tidak dihilangkan sama sekali oleh para penulisnya. Di belakang teks, muncul superteks yang secara aktif mengungkapkan posisi penulis.
Masalah manusia dan harga diri batinnya ternyata menjadi masalah utama bagi kedua penulis naskah drama tersebut. Benar, tidak seperti Gorky, pada pergantian abad XX-XXI. mendiktekan kesedihan yang berbeda kepada penulis modern. Konsepnya tentang manusia pesimis. Refleksi filosofis tentang sifat manusia dan tujuannya dalam drama Kolyada mengarah pada pengakuan akan kesepian eksistensial dan nasib tragis individu sebagai takdir manusia di dunia.
Dramaturgi N. Kolyada cukup representatif menunjukkan ciri-ciri kebudayaan suatu titik balik, masa pencarian nilai, bentuk dan gaya baru.
Bahkan melihat panorama drama Kolyada memungkinkan kita melihat hubungannya yang tidak diragukan lagi dengan tradisi dramatis Chekhov. Kolyada menulis drama "percakapan", yang pertama-tama, pidato para karakternya penting - pidato para karakternya penting, dan bukan tindakan mereka, yang mengandung prinsip efektif. Tindakan dan perbuatan digantikan oleh kata, yang berfungsi tidak seperti dalam drama klasik, namun dengan cara baru, seperti cara Chekhov. Unsur Chekhovian dalam dramaturgi Kolyada sangatlah penting. Ketidakstabilan dan ambiguitas manusia, yang terungkap dalam drama Chekhov, keseimbangan yang konstan antara eksentrisitas dan keseriusan, komik dan tragis, anekdot dan drama - ciri-ciri puisi drama Chekhov ini ternyata benar-benar organik untuk menggambarkan keadaan manusia modern. di Kolyada. Dramanya, di luar wacana postmodernis, juga mengandung sindiran langsung terhadap teks dan motif Chekhov. “Oginsky’s Polonaise” adalah parafrase dari “The Cherry Orchard”; motif dari drama Chekhov juga ditemukan dalam “Murlin Murlo”. Sindiran terhadap “The Three Sisters” dapat dibaca dalam “Persian Lilac” dan “The Viennese Chair”. Motif “The Seagull” terdapat dalam lakon “Chicken”, “Boater”, “Night Blindness”, “Theater”. Monolog drama “Sherochka with Masherochka” membangkitkan kenangan akan cerita Chekhov “Tosca”.
Kompleksitas interaksi antara dramaturgi Kolyada dan tradisi Chekhovian tentunya memerlukan pertimbangan khusus. Saat memikirkan hubungan Kolyada dengan tradisi, asumsi yang sama sekali tidak terduga mungkin muncul. Misalnya saja tentang kedekatan Kolyada dengan dramaturgi Arbuzov. Memang, terlepas dari perbedaan mutlak dalam jenis dan materi kehidupan - penghuni gang Arbat yang manis dalam drama Arbuzov dan penduduk khrushchev provinsi Kolyada yang terdegradasi dan miskin - dunia artistik kedua penulis drama itu sebanding. Dan dalam hal ini, kita seharusnya tidak berbicara tentang kelanjutan tradisi Arbuzov oleh Kolyada, tetapi tentang kekerabatan tipe-tipe kepribadian kreatif dan konvergensi tipologis paradigma artistik. Kolyada, seperti Arbuzov, adalah seniman pendidikan, guru, penyelenggara studio dan sekolah penulis naskah drama. Keduanya adalah penulis dengan posisi penulis yang diungkapkan dengan jelas, yang seolah-olah bertentangan dengan kekhasan genre, mereka berusaha menyampaikan kepada pembaca dengan cara apa pun, menarik empati, perasaan kasih sayang pembaca-penonton. Itu sebabnya mereka banyak menggunakan unsur genre melodrama. Dunia drama mereka, meskipun akurat dalam memahami dan mereproduksi makna kehidupan yang sebenarnya, secara teatrikal konvensional, dan karakternya dapat dikenali, khas dan pada saat yang sama seolah-olah diangkat di atas kenyataan dalam keinginan mereka untuk menciptakan dunia yang mereka butuhkan. , atau untuk melarikan diri dari masalah yang menyakitkan, terjun ke dalam mimpi ilusi yang melamun. Situasi dramatis mencerminkan esensi proses kehidupan, tetapi kecil kemungkinannya akan terjadi seperti ini dalam kenyataan. Kolyada dalam sebuah wawancara, menjauhkan dirinya dari naturalisme dan “chernukha” yang dituduhkan kepadanya, menekankan: “Semua drama saya adalah kebohongan dan fiksi. Belum pernah ada cerita seperti itu dalam hidup... Mereka tidak berbicara seperti itu di provinsi - ini adalah bahasa teater yang diciptakan. Tidak ada orang seperti dalam drama saya di provinsi – provinsinya benar-benar berbeda.”
Kata “permainan” dalam judul lakon pertama Kolyada mungkin mengungkapkan ciri tertentu dari puisi dramaturginya: permulaan permainan. Seperti Arbuzov, menggunakan materi dari kehidupan, demi kehidupan, dan tidak melarikan diri darinya, ia mengarang dongeng untuk teater. Bagi Arbuzov, mereka cerah, hampir ajaib, akhir cerita menjanjikan kehidupan baru. “Dongeng” Kolyada memang menyedihkan. Akhir ceritanya ditandai dengan perpisahan pada ilusi; sering kali karakternya mati. Namun para penulis drama disatukan oleh intonasi penulis, penerimaan dunia sebagaimana adanya, dan keyakinan akan perlunya mengatasi perpecahan dan kesepian.
Arbuzov dan. Kolyada dekat secara terprogram - keinginan untuk menciptakan teater emosional yang dapat dimengerti oleh semua orang. Sikap kreatif seperti itu secara apriori menjamin perhatian teater, yang sangat diinginkan oleh setiap penulis naskah drama. Keduanya tidak kehilangan perhatian tersebut. Namun jalan ini penuh dengan bahaya dan kompromi kreatif. Arbuzov dan Kolyada selamat. Arbuzov menghindari anggapan apa pun terhadap seni resmi Soviet, dan Kolyada cukup menolak serangan budaya massa pengganti.
Kolyada memikul beban berat dengan menulis secara eksklusif tentang modernitas. Namun, ia dapat disebut sebagai penulis tema-tema modern, di luar relevansi sosial yang tradisional untuk subjek-subjek tersebut. Realitas waktu muncul melalui rencana yang tidak terpenuhi, mimpi yang tidak terpenuhi, takdir para pahlawan yang hancur.
Hampir di setiap lakon ada tokoh yang, ketika memasuki masa kanak-kanak, dengan panik berkelahi dengan tetangganya, menyerah pada godaan, berjuang mencari dirinya sendiri, gagal, menderita. Tak satu pun dari mereka berhasil mengalami keajaiban realisasi diri, merasakan kepenuhan keberadaan. Inilah yang menjadi sumber drama dan perspektif filosofis terhadap permasalahan dalam lakon Kolyada. Nasib pribadi orang yang terpinggirkan berubah menjadi sebuah tanda, model dunia, yang memberi kesaksian tentang masalahnya, dunia. Masalah filosofis yang didasarkan pada materi sosial akar rumput mengecualikan intelektualisme sebagai metode penelitian artistik. Penulis naskah drama memilih cara yang berbeda untuk implementasinya: konsep pengarang dalam aspek filosofisnya terungkap dalam karakter pola dasar tokoh, dalam gambaran metaforis, dalam pemodelan situasi dramatis yang menggabungkan tinggi dan rendah. Berkat persimpangan seperti itu, ambang batas kesadaran dan kehidupan terungkap di balik keserupaan kehidupan sehari-hari, dan nasib para pahlawan Kolyada yang lumpen dan kesepian memberikan dasar untuk memikirkan pertanyaan-pertanyaan abadi.
Dunia seni dramaturgi Kolyada bersifat integral dan rasionalistik. Dan bahkan vektor evolusi karya penulis naskah sudah tergambar dalam lakon pertamanya: dari sosial ke eksistensial. Kolyada dengan gigih dan konsisten membangun teater baru yang dihuni oleh penduduk pinggiran kota, meskipun konsep “pinggiran” lebih banyak dibaca dalam kunci sosio-psikologis, eksistensial, daripada dalam kunci spasial-geografis, seperti yang terjadi pada Vampilov. . Penulis drama secara demokratis dan manusiawi memikul beban sulit dari ruang hidup yang dikuasainya, menyebut realitas yang diwujudkan secara artistik sebagai “DUNIAKU”, menekankan konsep ini dalam komentar monolog lakon “Oginsky's Polonaise” dengan penulisan terus menerus, pemilihan font dan tuturan emosional-puitis dalam strukturnya: “Ini bukan kota, bukan desa, bukan laut, dan bukan bumi, bukan hutan dan bukan ladang, karena ini hutan, ladang, dan laut, dan bumi, dan kota dan desa - Duniaku, MIRKU! Apakah semua orang menyukai Duniaku atau tidak, aku tidak peduli!! Dia milikku dan aku mencintainya." Konsep “MYMIR” bersifat konseptual. Ucapan monolognya terdengar seperti mantra. Bukan suatu kebetulan bahwa dalam beberapa produksi lakon ini, sutradara memberikan pengisi suara panggung kepada penulis naskah itu sendiri, dengan menekankan kehadiran pengarang, kesediaannya untuk menerima dunia tokoh-tokohnya. Inilah posisi penulis Kolyada. Pengarangnya, seolah-olah terlibat dalam aksi yang sedang berlangsung, yang menekankan keunikan dunia setiap individu, setiap menit keberadaannya. Namun paradoksnya adalah para pahlawan dalam lakon Kolyada dipaksa untuk hidup dalam kerangka keadaan sehari-hari yang keras yang tidak memungkinkan mereka merasakan kepenuhan keberadaan. Nilai hakiki dari keberadaan individu dalam kenyataan diwujudkan dalam interkoneksi dan interpenetrasi dunia yang berbeda, dan karakter di hampir semua drama penulis naskah tidak dapat mengatasi kesepian atau ketidakbangkitan spiritual mereka.
Benturan pahit dari lakon-lakon Kolyada menyatakan sifat bencana dari keadaan kehidupan modern, disintegrasi koneksi, ketidakmampuan untuk mendengar orang lain, bahkan jika dia berteriak tentang rasa sakitnya. Dialog yang tidak terealisasi membawa dunia menuju kekacauan, dan seseorang menuju kesepian total. Pahlawan dari drama awal Kolyada “The Seagull Sang” (1989), Sanya, mengajukan pertanyaan putus asa kepada lawan bicaranya dan penonton: “Tuhan, seperti apa hidup kami?!” Hidup itu seperti sebuah tombol - dari putaran ke putaran! Hidup kita... Mengapa kita hidup?! Untuk siapa? Untuk apa?! Untuk apa?! Siapa tahu?! Siapa?! Tidak ada seorangpun…” Dan benar-benar putus asa: “Mengapa saya hidup?! Tuhan, Tuhan, puji Engkau, Tuhan, karena aku tidak mempunyai anak, puji bagiMu, puji, puji, Tuhan! Agar aku bisa menunjukkannya pada mereka." Dalam monolog ini, tidak hanya makna yang fasih, tetapi juga ekspresi ujaran yang tercipta dari pengulangan leksikal, reduksi, seruan dan pertanyaan. Dalam arti tertentu, dalam monolog tokoh ini, dalam bentuk pernyataan emosional yang kental, permasalahan keseluruhan dramaturgi Kolyada disuarakan.
Ciri-ciri masalahnya. Periodisasi kreativitas. Mencari genre. Pahlawan dan bahasa.
Prinsip analisis diakronis akan membantu mengidentifikasi permasalahan yang dominan. Analisis terhadap struktur genre dan ciri-ciri bahasa dramaturgi Nikolai Kolyada akan memungkinkan kita membangun paradigma artistik karyanya dan menentukan metode kreatif penulis.
Analisis drama Kolyada dari sudut pandang isu, prioritas genre, dan tren linguistik memberikan dasar untuk menyusun karyanya yang luas, dengan menyoroti dua periode konseptual yang signifikan di dalamnya: I - 1986-1990; II - 1991-2006.
Drama pertama N. Kolyada “Playing forfeits” adalah sebuah pengalaman dalam drama sosio-psikologis. Pahlawan mudanya adalah tipe yang dapat dikenali dalam kehidupan kita saat ini, era pra-perestroika. Sebuah titik balik, nyaman dan menguntungkan bagi orang-orang sinis yang cerdas dan pragmatis, tanpa ampun menghancurkan kaum muda yang tulus dan baik hati - inilah inti dari liku-liku plot drama tersebut. Ini adalah gambaran waktu yang tercermin di dalamnya. Yang pertama membangun “kehidupan indah” mereka dengan cara apa pun dan berusaha tidak hanya untuk mencapai kesuksesan materi, tetapi juga untuk menghancurkan, mendidik orang lain dalam semangat mereka sendiri, mengubah kehidupan, dan menetapkan hukum baru. Aturan-aturan ini memungkinkan Anda, demi bersenang-senang, untuk menakut-nakuti tetangga wanita tua itu dengan mengarang cerita tentang putranya yang mengalami kecelakaan (dia benar-benar meninggal karena syok), dan, melarikan diri dari rasa kenyang, menginjak-injak cinta dan kehidupan. seorang gadis muda (inilah yang dilakukan Kirill dengan Eva, dan istrinya sendiri, yang dia bentuk menurut gambar dan rupa dirinya, dia hancurkan sebagai pribadi). Bagian akhir dari drama tersebut menunjukkan bagaimana Nastya, yang telah menguasai pelajarannya dengan kuat, bahkan mematahkan semangat gurunya. Pada pahlawan dengan orientasi nilai seperti itu, hanya naluri mempertahankan diri dan egoisme yang tersisa. Tidak ada lagi belas kasihan atau tanggung jawab.
Mengingat kesetiaannya terhadap kebenaran kehidupan dan keakuratan sosio-psikologis tokoh-tokohnya, lakon tersebut bukanlah sebuah penggalan realitas, melainkan sebuah struktur artistik yang berharga, yang prinsip pengorganisasiannya adalah posisi pengarang, kepentingan penulis naskah. tentang apa itu kepribadian, bagaimana ia berubah bentuk di bawah pengaruh keadaan. Dalam lakon “Playing Forfeits” yang bergenre sosio-psikologis, Kolyada menguraikan masalah-masalah eksistensial yang terkait dengan kategori pilihan. Dalam drama tersebut, yang penting bukanlah apa yang terjadi - orang-orang muda berkumpul untuk pesta pada Malam Tahun Baru - tetapi bagaimana keadaan karakter dan hubungan di antara mereka berubah. Situasi dan karakter bersifat ambivalen. Bahkan Kirill, karakter yang paling ditentukan dan ditentukan secara sosial, tidaklah ambigu. Kehidupan gandanya ganda. Kirill dengan terampil menyembunyikan di bawah kedok seorang siswa yang ceria, cengkeraman seorang spekulator dan penggoda gelap. Tapi dia punya rahasia lain: dia menyembunyikan orang tuanya yang pecandu alkohol dari istri dan teman-temannya. Tapi masa kecil seorang anak yatim piatu yang kelaparan dengan orang tua yang masih hidup dan rasa malu terhadap mereka menyiksa sang pahlawan dan mencegahnya untuk hidup. Mungkinkah keruntuhan kepribadiannya muncul sebagai reaksi terhadap hancurnya dunia masa kanak-kanak? Dalam benturan ini, salah satu konstanta dunia seni Kolyada digariskan secara titik-titik - metafora Di rumah. Banyak pahlawan dari drama penulis naskah berikutnya akan mencari perlindungan dan realisasi diri, mengalami tunawisma secara akut. Situasi plot dari drama tersebut - permainan kehilangan anak-anak - pada dasarnya bersifat ambivalen. Berisi kerinduan akan masa kecil lampau (motif psikologis), infantilisme para pahlawan (motivasi sosial) dan kekuatan aksidental – keisengan hantu sebagai kekuatan takdir (motif eksistensial). Selain itu, permainan yang membawa karakter terbawa suasana merupakan salah satu cara penulis naskah untuk menciptakan unsur teatrikal yang ceria sehingga karakter tampil lebih tajam dan dinamis.
Lakon pertama Kolyada dapat dianggap sebagai model karyanya yang unik dilihat dari jenis konfliknya. Konflik antara situasi dan persepsi diri sang pahlawan memberikan kedalaman eksistensial pada masalah-masalah sosio-psikologis yang dominan.
Selama periode ini, Kolyada terutama menulis drama dua babak, di mana penghuni gubuk, barak, Khrushchevka - sebuah rumah komunal besar - muncul di hadapan penonton. Tidak ada kesamaannya dengan rumah singgah, rumah tempat tinggal saudara dan teman. Dalam drama terbaik ini, adegan itu sendiri memiliki semantik simbolis yang mengecualikan korelasi penuh antara dramaturginya dengan naturalisme. Oleh karena itu, dalam penuturan lakon “Laut Kita Tidak Ramah... Atau Kapal Orang Bodoh”, pengarang menetapkan ruang aksi hidup khusus, yang sesuai dengan sifat masalahnya, mengandung dua dimensi: secara naturalistik menyajikan kemalangan sosial, kehancuran kehidupan karakter dan gambaran metaforis dari pulau kehidupan yang menyelamatkan, bahkan mungkin Bahtera Nuh di tengah banjir. Ruang hidup yang terkompresi menimbulkan kebencian terhadap sesama manusia modern dan menyebabkan dia bermusuhan. Namun prinsip pembersihan lahir di sini, dalam diri orang-orang ini sendiri, mereka bertahan hidup dalam kondisi yang begitu liar dan memiliki keberanian untuk menerima kehidupan ini dan menyadari kemalangan mereka sendiri: “Di atas batu bata semi-basement sesuatu yang terbuat dari kayu, besar, dengan jendela-jendela besar ditumpuk. naik... Di atas patah Burung pipit mulai berkicau di pohon birch. Sinar matahari pertama mulai menyinari toilet bercat putih dengan huruf hitam “M” dan “F”. Rumah itu berdiri di tengah genangan air: tidak ada pendekatan, tidak ada jalan keluar. Bukan genangan air, melainkan telaga kecil dan di tengahnya ada rumah.” Yang tidak kalah ekspresifnya adalah ucapan lakon “The Seagull Sang”: “Kereta terakhir menuju kota bergemuruh. Peluit perpisahannya terdengar di rumah kecil ini dengan daun jendela hijau... Sudah waktunya untuk membuang perabotan dari rumah ke tempat pembuangan sampah, tetapi betapa kuatnya telah berakar, tampaknya, tempat tidur dengan tempat tidur bulu yang tinggi, dan meja yang lusuh, dan kursi-kursi yang nyaris tidak hidup. Dan rumah ini berada di pinggiran kota, dan kain-kain di cerminnya, serta perabotannya - semuanya berwarna abu-abu dan kotor.” Pengarang sengaja mengintensifkan detail (warna, subjek, spasial), menyampaikan ketidakrapian, “pinggiran”, dan pengabaian kehidupan. Seruan Sanya cukup bisa dimaklumi: “Kenapa? Mengapa hidup tanpa akhir ini! Namun di antara karakter dalam drama tersebut ada Vera, saudara perempuan dari Valerka yang terbunuh, yang muncul dengan dunia imajiner yang menyelamatkan di mana dia berada bersama pahlawan ideal, aktor Yuri Solomin. Dia sangat ingin lepas dari kegelapan sehingga dia percaya bahwa anak-anaknya adalah anak-anak Solomin, dan bukan suaminya yang pemabuk, Vanya Nosov. Dunia mimpi imajiner membantunya bertahan hidup di ruang sempit kehidupan provinsi yang menyedihkan. Iman, yang kelelahan karena masalah sehari-hari, mampu mencintai sesamanya dan siap menanggapi penderitaan orang lain.
Dalam problematika lakon tersebut, masalah kemandirian individu lebih dikedepankan, bukan persoalan kehidupan sosial, meskipun persoalan kehidupan sosial ditampilkan sebagai kekuatan yang mengerikan, meratakan, dan acuh tak acuh terhadap seseorang.
Rincian kehancuran di apartemen Ilya yang cacat dalam drama “Slingshot” meningkatkan perasaan bencana keberadaannya, menekankan keputusasaan nasib: “tirai tulle dengan lubang besar, yang diperbaiki dengan benang hitam,” “sebuah kursi yang salah satu kakinya diikat dengan tali”, “potongan kap lampu dekat langit-langit”, “kursi tua yang tergencet”, “tumpukan sampah, botol kosong, gelas keruh”. Rentang suaranya juga sama ekspresifnya: "pawai bergemuruh", "seseorang bergumam, menjerit, terisak, mengumpat". Bertemu dengan Anton yang muda dan sehat memberi Ilya harapan untuk mengatasi kesepian, menimbulkan rasa dibutuhkan, bahkan ia rajin merapikan rumah, menghilangkan kekacauan sehari-hari. Namun Kolyada menunjukkan kekuatan kekacauan mental dan sosial yang jauh lebih berbahaya dan tak tertahankan. Ilya tidak bisa mengatasinya. Egosentrisme dan keterasingan manusia menjadi instrumen nasib tanpa ampun, membunuh harapan dan merenggut nyawa. Upaya bunuh diri dalam keadaan mabuk dalam keadaan mabuk sebagai tanda keputusasaan dan pemberontakan terhadap nasib pahit seorang penyandang cacat di awal permainan (Ilya diselamatkan oleh Anton) digantikan oleh keputusan sadar untuk mati. Pilihan Ilya ini tidak hanya menunjukkan martabat dan keberanian menerima nasib, tetapi juga rasa tanggung jawab. Seolah-olah dia sedang membebaskan Anton dari dirinya sendiri. Penulis menganugerahi orang cacat yang tidak berdaya dengan prinsip yang tepat yang hilang dari kehidupan - cinta untuk orang lain, kemampuan untuk berkorban. Ilya meninggal dunia dengan harapan bisa bertemu Anton di sana, di dunia selanjutnya. Aspek filosofis dari masalah lakon tersebut diperkuat dengan dimasukkannya mimpi ke dalam sifat sosio-psikologis dari tindakan tersebut - dunia yang irasional, tetapi pada hakikatnya benar, menurut Kolyada.
Jadi, dalam lakon-lakon kreativitas periode pertama yang berorientasi sosial, di mana kehidupan sehari-hari yang realistis terkadang terancam berubah menjadi neo-naturalisme (“Murlin Murlo”) dan vitalitas fisiologis terkadang menjadi swasembada (“The Seagull Sang…”, “Slingshot”), penulis naskah, untungnya, tidak melewati garis berbahaya. Konsentrasi aksi dramatis, dengan pencelupannya dalam realitas sosial dan sehari-hari, pada masalah-masalah esensial kehidupan sehari-hari - kehidupan - kematian, cita-cita, cinta, takdir - menyelamatkan dari keseharian dan naturalisme, dan merupakan pencapaian kreatif penulis naskah. Penulis terutama prihatin dengan masalah ontologis.
Karya dramawan periode pertama (1986-1990) dapat dianggap sebagai pengalaman menguasai persoalan-persoalan eksistensial di bidang sosio-psikologis dan drama sosial.
Sementara itu, N. Leiderman menawarkan interpretasi lain yang orisinal, namun menurut kami kontroversial, tentang sifat genre-problematik dari lakon-lakon periode ini. Dalam drama penulis naskah drama “Our Sea is Unsociable… Or the Ship of Fools”, “The Seagull Sang…”, “Murlin Murlo” dan bahkan dalam “The Tale of the Dead Princess” peneliti menemukan sebuah karnaval elemen yang diciptakan oleh apa yang disebut “seniman” (secara khusus menyoroti kelompok mereka dalam sistem karakter), dan lakon itu sendiri termasuk dalam genre menippea. “Intinya, para pahlawan Kolyada, “seniman”-nya yang sangat aktif, tulis Leiderman, “tidak melakukan apa pun selain parodi, memutarbalikkan, mencemari “atas” dengan “bawah”, dengan memvulgarisasi mereka dengan riang menghancurkan sistem nilai yang busuk. - mereka mengungkap kepalsuan dari apa yang dianggap sebagai cita-cita, matinya dogma-dogma yang tampaknya tak terbantahkan, omong kosong dari ritual-ritual kebiasaan.” Pemahaman terhadap permasalahan dan fungsi tokoh tersebut tentu saja membuat ilmuwan mengartikan lakon sebagai menippea.
Ia menulis: “Menippea sendiri adalah model untuk mendekonstruksi tradisi, membalikkannya. Dan puisi karnaval, yang lahir di kedalaman menippea, adalah alat yang menghancurkan legenda. Konstruksi ini efektif dalam bidang definisi teoritis. Namun logika teks dramatik Kolyada masih berbeda. Mungkin atribusi lakon Kolyada ke genre ini muncul dari interpretasi Leiderman yang terlalu luas terhadap menippea. Shklovsky percaya bahwa Bakhtin juga menerapkan definisi genre ini “pada bidang sastra yang sangat luas, baik kuno maupun modern.” Dalam salah satu catatan buku tentang Dostoevsky, Bakhtin menempatkan Hemingway di antara pencipta genre “menippea”. MM. Bakhtin, yang memperkenalkan definisi genre ini ke dalam penggunaan sastra aktif, menyebut menipea sebagai karya bergenre serius-tertawa, semacam peralihan makna genre, di mana, bagaimanapun, prinsip epik diekspresikan dengan kuat. Selain itu, ketika merenungkan menippea dalam buku “Problems of Dostoevsky’s Poetics,” ia menekankan: “baik lapisan luar maupun inti dalamnya diresapi dengan karnavalisasi.” Justru dua kualitas yang menentukan dari menippea ini - kehebatan dan karnavalisme yang tersebar luas - yang menurut pendapat kami, “tidak berhasil” dalam kaitannya dengan drama Kolyada. Dalam drama ini, perilaku para pahlawan - Vovka ("Laut kita tidak ramah..."), Sanya ("The Seagull Sang"), Vitaly ("The Tale of the Dead Princess") - secara lahiriah benar-benar karnaval, tetapi karnavalesque sama sekali bukan keadaan mereka yang tersebar luas. Batin “aku” dari karakter berada dalam dualitas yang menyakitkan dan bertentangan antara situasi sosial buruk yang telah lama mereka jalani dan perasaan diri mereka sendiri. Menippea dan karnaval sejati mengandaikan integritas pahlawan, yang diperlukan untuk keterasingan komik terhadap realitas dan terobosan terhadap nilai-nilai sejati. Para pahlawan Kolyada, meskipun memiliki keberanian, tidak dibiarkan begitu saja oleh kenyataan: contoh yang khas dan meyakinkan adalah lakon “The Tale of the Dead Princess.” Dalam lakon-lakonnya, sifat dasar tokoh-tokohnya berbeda: dualitas, bukan integritas. Dualitas inilah, yang diberikan pada tingkat perasaan dan bukan refleksi, yang menentukan konflik, isu, dan genre drama tersebut. Godaan untuk interpretasi menippaean terhadap genre lakon Kolyada dapat dimengerti. Dalam lakon-lakon yang sedang dipertimbangkan, memang terdapat tanda-tanda formal dari genre ini seperti penggunaan jargon, penafsiran ulang kutipan yang parodik, campuran tinggi dan rendah, multi-gaya, dan bahkan konvergensi tipologis tertentu dari situasi sejarah di mana genre muncul (krisis sistem nilai sebelumnya, dalam hal ini era Soviet), hadir, tetapi tidak bisa menjadi pembentuk genre. Bahkan dengan sifat umum dari konten sosial dan daya tarik terhadap persoalan hidup dan mati dalam esensi metafisiknya, tidak ada prinsip epik yang dominan dalam lakon Kolyada. Penulis tertarik pada seseorang yang menyadari jalan buntu dalam kehidupan sosial dan kebutuhan untuk mengatasi masalah-masalah abadi untuk mengatasinya. Konflik dramatis lahir dalam ruang kehidupan seseorang - internal dan sosial, oleh karena itu peran latar belakang sangat besar.
Pahlawan lakon Kolyada berbicara dalam bahasa yang sebagian besar merupakan sarana untuk mengungkapkan dan memahami esensinya, serta karakteristik zamannya. Sudah dalam drama pertamanya, Kolyada mendemonstrasikan penguasaan kata dramatis yang ahli. Kedekatan tuturan sastra dan kata-kata kotor, kreativitas kata para aktor yang memerankan tokoh tidak hanya menciptakan kekayaan gaya lakon, tetapi juga menjadi faktor munculnya ketegangan dramatis. Leiderman, ketika mengomentari penggunaan kata-kata kotor dalam drama Kolyada, misalnya, dengan tepat menulis: “Bagi para pahlawan Kolyada, kata-kata cabul bukanlah cara untuk berekspresi langsung melainkan sebagai instrumen permainan ucapan; mereka menjauhkan diri darinya. seperti seniman dari boneka yang dimanipulasinya.” Monolog Vitaly dalam drama “The Tale of the Dead Princess” patut diperhatikan dalam pengertian ini: “Diam, dan kamu akan menangis! Baiklah, ini dia. Maka dia memutuskan untuk memulai bisnis ini, menghancurkan gadis-gadis itu dan kehidupan mereka. Berhenti! Dan sekarang dia sendirian selama sebulan. Dan saya sangat ingin! Tapi saya berhenti. Dia naik bus listrik suatu hari. Dan dia melihat: ya, bla, - dan jantungnya berhenti berdetak! Gadis itu duduk sendirian, kan? Sedang duduk. Rambutnya panjang, putih, sampai ke kaki. Dia punya bunga di tangannya, kan? Nah, pria itu tidak tahan dan muncul. Dia mulai berbicara dengannya tentang ini dan itu. Yah, dia menyukainya, jadi apa yang harus dilakukan, bla! Dan dia mengatakan kepadanya: tinggalkan aku, kamu akan menyesalinya nanti. Baiklah, dengarkan dengan tenang, sekarang kamu akan menangis! Dia tidak baik! Tidak selangkah pun darinya... Maka dia berkata: baiklah, kamu sendiri menginginkan ini... Bangun... Dia bangun! Dia melihat: dan jantungnya berhenti berdetak! - dan dia kehilangan satu kakinya... Yaitu. dengan kaki, tetapi dengan prostesis.
Lelaki ini pergi bersama gadis itu, dia tetap pergi bersama gadis itu, dia pergi, dia pergi... Nah, lalu ada banyak hal yang berbeda... Baiklah, biar kuberitahu padamu, dasar bajingan! Aku ingin menulis novel seperti ini ya?.. Lalu tentang cinta, lalu... Dan orang-orang ini menulis! Apa yang mereka tulis?! Sungguh omong kosong yang ditulis oleh semua penulis ini! Inilah yang perlu kita tulis!..” Di sini, sejujurnya, hampir pada tingkat parodi, detail kata-kata cabul dan kata seru, kosakata borjuis kecil digabungkan, dan di balik semua ini ada kesepian, ketidakpuasan baik dari narator sendiri maupun pendengarnya, terutama dokter hewan Rimma, yang membunuh hewan peliharaan yang sakit atau tidak diinginkan setiap hari dan menunggu cinta, tetapi memahami bahwa hanya kematian yang ada di depan.
Sayangnya, dalam karya-karya drama modern, khususnya Kolyada, hampir tidak ada perhatian yang diberikan pada masalah bahasa. Sementara itu, perubahan besar terjadi pada bidang bahasa dan gaya dalam drama, fungsi dan perannya berubah drastis. Dalam ulasan lakon “The Tale of the Dead Princess”, O. Ignatyuk menulis dengan meyakinkan dan akurat tentang hal ini: “Bahasa menjadi detail terpenting dari keseluruhan dalam sebuah dongeng. Seluruh struktur bahasa gaul dari drama tersebut, meskipun masih merupakan inovasi di panggung kami, bukanlah realitas substantif utama dari aksi tersebut. Di sini Anda tidak hanya mengikuti perkembangan dialog, tetapi juga instrumentasi, perkembangan virtuoso, dan pelarian elemen linguistik yang gelap ini... ada pengulangan ucapan, pendekatan dan solusi, aliterasi dan putaran yang merangsang semangat, mobilitas dan kompleksitas komposisi kata dan seni warna, yang memerlukan, Anda tahu, keterampilan produksi terpisah… ” Suasana aksi juga diciptakan kembali melalui bahasa, semuanya menjadi penting - baik kosa kata maupun bunyi.
Tahapan karya Kolyada ini diakhiri dengan salah satu lakon paling gelap - lakon "Bouquet" (1990). Di dalamnya, model karya periode ini terwujud sepenuhnya: tipe sosio-psikologis yang ditangkap dengan benar, ketidakrealisasian sosial para karakter, perasaan situasi bencana semua karakter, gambaran ujung-ke-ujung Rumah. Namun dalam permainan isu-isu sosial dan moral ini, termasuk isu-isu pilihan filosofis, sebuah takdir yang lebih besar dirasakan pada tingkat pengkondisian. Keinginan untuk melepaskan diri dari keserupaan dengan kehidupan diwujudkan dalam semantik simbolis nama tersebut. Semua ini membuktikan pencarian kreatif penulis dan perluasan kemungkinan artistik dramaturgi.
Ke arah inilah karya Kolyada akan berkembang di masa depan: empirisme memberi jalan kepada bentuk-bentuk konvensional, unsur-unsur absurd, dan pemikiran ulang yang jujur terhadap karya-karya klasik.
Periode kedua kreativitas Kolyada adalah yang paling cemerlang dan bermanfaat (1991-2006). Penulis naskah menguasai bentuk-bentuk genre baru: selain drama “besar” yang telah diuji sebelumnya dalam dua babak, drama satu babak yang mendapat ketenaran luas juga ditulis selama periode ini. Ia secara aktif mengembangkan genre ini, menciptakan siklus dua belas drama “Khrushchevka”, siklus “Pretzel”, dan juga bekerja dalam genre drama monolog.
Dalam drama dua babak pada paruh pertama tahun 1990-an. (“Oginsky's Polonaise”, “Boater”, “We going, going, going…”, “Night Blindness”) praktis tidak ada konflik atas dasar sosial, meskipun dalam sistem karakter polaritas sosial lebih jelas ditekankan dari sebelumnya: mantan pemilik Tanya dan pelayan Lyudmila dan Ivan (“Polonaise Oginsky”); Victoria Rusia yang baru dan mantan suaminya yang sengaja dipinggirkan, Victor (“Boater”); “Pengusaha” yang sukses Zina dan si pecundang Nina dan Misha (“Kita berangkat, kita berangkat, kita berangkat…”), aktris metropolitan Larisa dan penduduk asli liar di pedalaman provinsi (“Kebutaan Malam”). Namun ini hanyalah pertentangan khayalan. Kontras status sosial tokoh ditonjolkan, namun bukan menjadi sumber konflik dan perkembangan aksi dramatis.
Tokoh-tokohnya acuh tak acuh secara sosial, dan antagonisme “kelas” mereka kadang-kadang diwujudkan pada tingkat perilaku, tidak pernah berpindah ke ranah konfrontasi konflik. Tokoh-tokohnya lebih dipersatukan oleh pengarangnya dalam kemalangan mereka yang sama, daripada bertentangan satu sama lain. Pertengkaran yang menegangkan bukan dimulai di antara mereka, melainkan berakhir tentang nasib mereka. Isi dari banyak drama terungkap sebagai percakapan tanpa akhir, di mana setiap orang sebenarnya berbicara tentang kehidupan mereka sendiri, tentang impian yang tidak terpenuhi, rencana yang tidak terpenuhi, dan harapan yang kecewa.
Persoalan realisasi diri, kekuatan takdir, kesepian sebagai takdir manusia - inilah persoalan ontologis yang menyatukan hampir semua lakon periode kedua.
Yang tidak diragukan lagi menarik adalah drama “Oginsky’s Polonaise” (1992), yang dapat dianggap sebagai drama terprogram penulis. Karya Kolyada ini berakar kuat dan dalam pada konteks Chekhovian. Kolyada, tentu saja, bukanlah orang pertama yang mengikuti tradisi dramatis Chekhovian. Penerimaan Chekhov mengisi dunia artistik penulis naskah drama modern dengan konten yang relevan, dan umpan balik juga muncul. Drama Kolyada membantu menempatkan aksen baru dalam teks dramatis terakhir klasik - drama "The Cherry Orchard", yang ditafsirkan secara elegi dan liris oleh Teater Seni Moskow pada suatu waktu, yang membuat penulisnya kecewa.
Penafsiran “The Cherry Orchard” oleh E. Nekrosius (2003) ternyata sangat mirip dengan makna lakon Chekhov yang diaktualisasikan dalam “Oginsky’s Polonaise”. Penulis drama modern menggunakan teknik Chekhovian yang paling khas - teknik pengungkapan diri karakter dalam monolog, tetapi tidak untuk dirinya sendiri, tetapi dengan suara keras di depan umum. Berdasarkan sifatnya, monolog ini membingungkan dan impulsif. Dalam monolog Tanya, yang kembali ke Moskow sepuluh tahun kemudian, ke rumahnya, di mana tidak ada lagi kerabat (orang tuanya meninggal, apartemen itu ditempati oleh mantan pelayan keluarga nomenklatura Soviet), masa lalu, masa kini, kenyataan dan imajinasi yang menyakitkan, ilusi dan kenyataan kasar saling terkait.
Dalam Polonaise karya Oginsky, gambaran Rumah, sebagaimana telah disebutkan, merupakan gambaran lintas sektoral dari dramaturgi Kolyada. Dalam situasi plot drama ini, ia terkait erat dengan gambaran Chekhov tentang Taman. Ini bukan singgungan terhadap karya klasik, melainkan pemahaman umum tentang masa transisi di kalangan penulis drama. Detail utama dari drama klasik membantu menciptakan gambar tiga dimensi dalam teks modern, dan ketajaman dialog dan hubungan karakter di Kolyada memungkinkan kita untuk melihat gambaran waktu dan manusia yang jelas secara grafis di balik halftone karya Chekhov. palet.
Tradisi persepsi drama Chekhov mengklaim bahwa dunia Ranevskaya runtuh dengan penjualan tanah dan penebangan kebun ceri. Namun bencana itu terjadi jauh lebih awal. Chekhov menunjukkan dalam karakternya ketidakmampuan untuk hidup dan bertahan hidup, yang datang dari dalam, dari hilangnya landasan spiritual kehidupan. Cara hidup kaum bangsawan di perkebunan ini tanpa petani dan pemilik tanah tidak ada artinya, masyarakat terpecah belah dan kesepian. Hubungan mereka, yang dilakukan dalam batas-batas ritual-kebiasaan (Firs-Gaev: tuan-pelayan, Ranevskaya-Gaev: saudara perempuan-saudara; Ranevskaya-Anya: ibu-anak perempuan, dll.), tidak penuh dengan makna yang hidup dan, pada kenyataannya, diformalkan secara mekanis. Oleh karena itu tindakan, niat, ucapan yang tidak masuk akal. Ranevskaya sangat kesepian dan tersesat sehingga dia benar-benar tidak mendengar siapa pun, tidak dapat mendengar siapa pun, sama seperti hampir semua karakter dalam drama itu. Bukan suatu kebetulan bahwa Charlotte, dengan ketidakberdayaannya, tipu muslihatnya yang konyol, dan hilangnya rasa identifikasi diri, sangat penting bagi Chekhov. Bagaimanapun, ini adalah cerminan keadaan batin Ranevskaya!
Lopakhin, yang selama bertahun-tahun menyembunyikan dalam dirinya perasaan hormat terhadap Ranevskaya sebagai dunia yang berbeda, cerah dan indah, hampir tidak dapat dicapai olehnya, terkejut dan bingung dengan pertemuan baru dengannya. Sifatnya aktif dan sederhana, dia tidak bisa memahaminya dan apa yang terjadi padanya. Tapi dia, halus dan dalam, begitu tertutup pada dirinya sendiri sehingga dia tidak melihatnya, tidak memahami perasaannya dan tidak mendengarnya. Dan itulah sebabnya, secara tak terduga bahkan untuk dirinya sendiri, dia membeli sebuah perkebunan, tidak dapat menyadari bahwa dia memberikan pukulan terakhir kepada orang yang sangat disayanginya. Sekarang dia akan membawanya sepanjang jalan menuju kekayaan dan kesepian. Lopakhin kehilangan dukungan kemanusiaan sejati yang merupakan cintanya pada Ranevskaya.
Semua pahlawan ditakdirkan untuk kalah. Diagnosis Chekhov yang tanpa ampun - keadaan kehidupan Rusia sebagai manifestasi dari keadaan krisis dunia - muncul dalam alur cerita yang berliku-liku dan pidato para pahlawan drama Kolyada "Oginsky's Polonaise". Konflik utama dan sistem karakter dalam drama ini, dalam bentuk yang direduksi dan hampir aneh, pada intinya mengulangi “The Cherry Orchard” karya Chekhov. Kolyada dalam Polonaise karya Oginsky memperkuat permulaan konvensional: peran detail simbolis, situasi absurd, dan karakter aneh meningkat, yang tentu saja menunjukkan aktualisasi puisi dramatis Chekhov. Sudah dalam judul drama suasana hati dan maknanya dienkripsi. “Polonaise” yang terkenal oleh komposer Oginsky memiliki judul lain: “Perpisahan dengan Tanah Air.” Tokoh utama dari kedua drama tersebut (“The Cherry Orchard” - “Oginsky's Polonaise”) benar-benar mengucapkan selamat tinggal pada tanah air mereka, dan, jika kita membawa situasi ini ke kesimpulan logisnya, untuk hidup, maka perubahan suasana hati yang tak ada habisnya dan ketidakmampuan untuk mendengar suara-suara itu. lainnya. Di Kolyada, “situasi perpisahan” dalam semangat zaman kita disajikan dengan lebih terbuka dan kasar, namun bahkan di akhir lakon Chekhov orang dapat membaca keputusasaan, kehampaan, jurang maut bagi semua karakter. Hidup berantakan. Suasana lakon "Oginsky's Polonaise", gugup hingga jeritan dan skandal, celaan dan penipuan, berbeda dengan aksi "The Cherry Orchard" yang tampak lebih tenang, namun penuh absurditas, hanyalah bentuk eksternal yang berbeda dari aksi tersebut. implementasi dari satu tabrakan kehidupan, pandangan dunia penulis yang dekat: Kolyada mengikuti Chekhov, ia menunjukkan putusnya hubungan yang tragis antara orang-orang, kegagalan internal individu.
Tanya, seperti Ranevskaya, setelah kembali ke rumahnya setelah lama berpisah, mencari dukungan di dunia luar - dalam hal-hal yang akrab sejak masa kanak-kanak, di pohon Natal yang tak terlupakan, yang menurutnya, sekarang harus berdiri di tempat yang sama. di ruang tamu. Mungkin karena alasan ini, dia kembali ke Moskow pada Malam Tahun Baru. Tanya, yang telah melalui cobaan hidup yang tragis, tidak hanya kehilangan status sosial dan orang-orang yang dicintainya, tetapi juga integritas batin dan ketenangan pikirannya, dengan naif berpegang teguh pada hantu masa lalu sebagai harapan terakhirnya. Aksi drama tersebut, pertemuan sang pahlawan wanita dengan Tanah Airnya yang baru ditemukan dan orang-orang yang dikenalnya sejak kecil, meyakinkannya bahwa Rumah (bukan apartemen yang masih menjadi miliknya), tetapi Rumah, pohon Natal anak-anak, cinta anak-anak - tidak ada semua ini sudah tidak ada lagi dan dia, Tanya, sudah tidak ada lagi. Dia bertahan hidup di ruang sempit antara mimpi masa lalu yang indah dan masa kini emigran yang mengerikan, miskin, dan kesepian. Ketika mimpi itu hilang, tidak ada yang tersisa dari masa lalu, ruang kehidupan sang pahlawan wanita menghilang begitu saja dari bawah kakinya.
Karakter yang aneh (teman Tanya dari Amerika dan sesama penderita David), akumulasi detail sehari-hari yang disengaja tanpa daya tarik apa pun (apartemen orang tua Tanya yang kaya dan nyaman sebelumnya berubah menjadi "tempat nongkrong komedian", tempat perlindungan bagi mantan pelayan), campuran dari lapisan bicara yang berbeda - semua ini menciptakan suasana kecemasan, perasaan bencana, absurditas keberadaan muncul, di mana seseorang ditakdirkan untuk menyendiri. Dalam dialog antara Tanya dan Dima, pada tataran tuturan artistik, terungkap keadaan tragis seseorang yang kehilangan masa lalunya dan tidak memiliki masa depan. Orang seperti itu hanya memiliki hadiah yang tidak masuk akal, hancur di depan mata kita: “Aku biasanya mabuk dengan kehidupan, dengan matahari, dengan langit, udara, bintang-bintang!”, “Aku mencintaimu, kehidupan!”, “Seseorang berjalan seperti pemilik Tanah Airnya yang luas!”, “Pagi hari mewarnai dinding Kremlin kuno dengan warna yang lembut! Seluruh negara Soviet bangun saat fajar!!! (Diam. Bernafas berat, melihat ke dalam cangkir.) Betapa menyenangkannya berada di rumah, betapa menyenangkannya... Sebagai seorang anak, pengasuh saya memberi saya susu di dalam cangkir, saya meminumnya dan melihat di sana, di bagian bawah, wajahku, mataku! Pengasuhnya berkata: kamu, Tanyusha, mempunyai mata yang berbinar-binar!” (Tertawa) Pengasuh sayang, betapa aku mencintainya... Ingatkah kamu, Dimochka, bagaimana kita tumbuh bersama, bagaimana kita pergi ke sirkus, ke kebun binatang, ingat betapa menyenangkannya: “Lenin selalu hidup!” Lenin selalu bersamaku! Dalam kesedihan, harapan dan kegembiraan -dan -dan (Tertawa). Sebagai seorang anak, saya mengira ada seseorang yang tinggal di dalam cangkir di bagian bawah: besar dan bermata besar (Melihat ke dalam cangkir, diam). Dia tinggal di sana di dunianya sendiri dan menatapku dengan ketakutan dan hati-hati. Cerminan. Refleksi (Jeda). Banyak kata dalam bahasa Rusia yang diawali dengan “o”. Saya ingin menulis makalah ilmiah tentang topik ini. Cerminan. Kesendirian. Putus asa, wahyu, wudhu, katekumen, ditolak, terhina, iluminasi, memukau. Keputusasaan adalah kesepian.
Seorang penemu. Semuanya telah berantakan... Baiklah, biarkan, biarkan, biarkan... Besok saya akan mulai, besok semuanya akan baru, baru!
Kesalahan, keterbukaan, sensasi, pelemahan, vulgarisasi, rasa jijik, putus asa, rasa jijik, penghinaan…” (Drama untuk teater saya. Hal. 114, 115)
Monolog yang luar biasa! Klise optimis dari lagu-lagu Soviet, sang pahlawan wanita mengulanginya satu demi satu, seolah-olah berbicara kepada kesedihannya dan pada saat yang sama memahami isinya yang menyedihkan: "Seorang pria berjalan sebagai pemilik Tanah Airnya yang luas" - tetapi sang pahlawan wanita tidak lagi memiliki tanah air. Dia mengingat detail masa kanak-kanak yang paling sederhana dan paling murni - kekerabatan spiritual dengan pengasuhnya, dan “Lenin selalu hidup di dekatnya,” chimera yang memasuki subkorteks. Dan akhirnya, serangkaian kata benda ekspresif yang dimulai dengan “o”: kata-kata itu bergema tanpa henti dalam jiwanya dan akhirnya pecah, mengekspresikan tingkat keputusasaan yang ekstrem dan rasa putus asa dalam hidup. Perubahan verbal dalam monolog ini tidak hanya signifikan; kontras bunyinya menimbulkan makna tambahan. Perubahan intonasi dan pengulangan yang ditunjukkan pada arah panggung dan di dalam monolog Tanya (“Jeda”, “Tertawa”, “Tertawa”, “Melihat ke dalam cangkir”, “Diam”) memberikan ketegangan khusus. Hubungan yang tidak terduga, namun bukan kebetulan dalam tuturan kata-kata penyemangat: “Besok saya mulai, besok akan ada yang baru, baru, baru!” “Kesalahan” menunjukkan bahwa wanita yang hidupnya kacau, gugup, kesepian, dan agung ini, ketika kembali ke rumah, menyadari bahwa kepulangan ini pada dasarnya adalah sebuah perpisahan. Tidak ada yang membutuhkannya di sini, dan dunia lama tempat dia tinggal di masa mudanya sudah tidak ada lagi. Momen ini bisa dianggap sebagai puncak dari plot internal. Tindakan, internal dan eksternal, sedang bergerak menuju akhir. Tanya tidak lagi berusaha menemukan dirinya dan tempatnya dalam hidup. Dia secara mekanis mulai bersiap untuk berangkat ke Amerika. Intinya, entah kemana. Dia mengucapkan selamat tinggal pada masa lalu, tidak ada masa depan, dan masa kini begitu ilusi sehingga tidak layak untuk disayangi.
Kedamaian mantan pelayan, ketenangan Tanya di akhir tidak diisi dengan penyelesaian konflik yang melodramatis, seperti yang diyakini Leiderman, tetapi dengan kesedihan tragis yang terselubung oleh keeksentrikan.
Dalam monolog terakhir Tanya, melalui kutipan puisi dan lagu yang membingungkan, motif utama yang ia ulangi berkali-kali, “Selamat tinggal, selamat tinggal, selamat tinggal…” terdengar seperti motif utama, memperkuat perasaan putus asa yang tragis. Saya tidak bisa tidak mengingat "kepergian" ikonik Svidrigailov dalam "Kejahatan dan Hukuman"...
N. Leiderman, yang mengulas drama-drama paruh pertama tahun 1990-an, mencatat ketertarikan penulis naskah drama terhadap genre melodrama. Peneliti juga mengaitkan Polonaise karya Oginsky dengan genre ini. Secara umum, pengamatannya benar, tetapi drama bernama dengan kesedihannya yang tragis hampir tidak dapat dikaitkan dengan genre ini. Tidak mungkin berbicara sama sekali tentang melodrama dalam bentuknya yang murni dalam dramaturgi Kolyada, meskipun ciri-ciri genre ini yang diaktualisasikan dalam seni rupa modern, jika yang kita maksud adalah seni massa, pasti ada. Daya tarik Kolyada terhadap melodrama, menurut kami, terutama terkait dengan teleologi emosional genre ini. Kolyada selalu bertekad untuk membangkitkan reaksi perasaan maksimal pada penontonnya, dan apa, jika bukan melodrama, yang dapat memicu ketegangan emosi tersebut. Bukan suatu kebetulan bahwa dalam mendefinisikan melodrama sebagai bentuk dramatik yang stabil, S. Balukhaty menulis dalam artikel teoretis tentang genre ini: “Tugas estetika utama yang menggerakkan tema-tema dalam melodrama, menegaskan prinsip-prinsip teknis utamanya, menentukan rencana dan kualitas konstruktifnya. gaya leganya - membangkitkan "emosi yang murni dan cerah".
Dalam drama “Boater”, “We going, going, going…”, “Night Blindness”, “Turtle Manya”, penulis naskah mencapai tujuannya - penyertaan maksimal pembaca-penonton - dengan secara aktif mengeksploitasi genre karakteristik ciri-ciri melodrama. Pertama-tama, dalam drama-drama ini, hubungan organik antara pergerakan emosi dan plot yang melekat dalam melodrama terlihat jelas. Sumber berkembangnya aksi dramatis, terungkapnya alur cerita, ternyata bukanlah tindakan sang tokoh, melainkan kekuatan nafsu, emosi, dan penderitaannya. Dalam lakon Kolyada, semua karakter ternyata adalah pembawa “emosi yang kuat”. Mungkin hanya dalam drama “Night Blindness” kita harus berbicara tentang konsentrasi emosi tertentu di sekitar karakter utama. Aksi dalam lakon-lakon ini juga dicirikan oleh ciri tipologis melodramatis seperti kejutan dan orisinalitas peristiwa yang melampaui lingkup kehidupan sehari-hari, meskipun peristiwa selalu terjadi dalam lingkup kehidupan sehari-hari. Kehidupan dan moral masyarakat provinsi, yang secara tak terduga terguncang dengan kedatangan aktris metropolitan, dalam drama “Night Blindness”; kesatuan yang aneh dan tidak masuk akal dari tiga orang asing dan asing satu sama lain (“Kita pergi, pergi, pergi…”); intervensi “fantastis” kura-kura dalam konflik keluarga yang khas antara pasangan (“Turtle Manya”); kedatangan tiba-tiba mantan istrinya (“Boater”) di hari ulang tahun sang pahlawan... Dan, mungkin yang paling penting, penonton terpengaruh oleh kekuatan hasrat karakter dan mengalami kejutan emosional yang sangat penting untuk melodrama.
Lakon-lakon Kolyada yang berawal melodramatis tidak begitu banyak dicirikan oleh fakta-fakta luar biasa dalam ekstremnya, melainkan oleh penemuan sifat ekspresif dalam realitas yang tidak melampaui batas-batas kehidupan sehari-hari.
Yang paling mencolok dalam hal ini adalah lakon “Boater” (1992). Unsur melodrama terlihat jelas dalam alur dan konflik lakon ini. Tokoh sentralnya adalah Victor, namanya memiliki kata “kemenangan” di dalamnya. Dan pahlawan dalam drama tersebut dalam pandangan sehari-hari adalah seorang pecundang, seorang pria yang, atas kemauannya sendiri, meninggalkan “kapal modernitas”. Dia menolak untuk menyesuaikan diri dengan realitas kehidupan yang baru.
Pernyataan tersebut, yang menggambarkan secara rinci kamarnya di apartemen komunal, menekankan marginalitas dan ketidakpeduliannya terhadap sisi luar kehidupan: “Victor memiliki kamar dengan wallpaper kuning: besar, berantakan, tidak rapi, bujangan. Banyak hal-hal yang tidak perlu dan tidak berguna. Satu-satunya kekayaan adalah buku-buku di rak dan meja kayu mahoni.
Dan yang lainnya sepertinya dibawa dari tumpukan sampah... Entah kenapa di dalam kamar ada kursi anak, meja anak, mungkin ini pertanda apa yang diinginkan, sebutan mimpi yang aneh?.. Dalam objektivitas yang absurd - furnitur anak-anak di kamar orang dewasa - merupakan ekspresi kerinduan dan kesepian. Penampilan sang pahlawan juga sama “anehnya”: dengan celana pendek dan kaus oblong, di kepalanya ada topi jerami kuning dengan pita hitam sempit. Pahlawan itu kesepian, suatu ketika di masa mudanya dia kehilangan seorang wanita yang sangat dia cintai, dia tidak bisa memaafkan pengkhianatannya, tetapi selama bertahun-tahun dia tidak bisa berhenti mencintainya. Dengan demikian, ternyata kehidupan “gua” Victor bukanlah reaksi terhadap zaman baru, melainkan wujud moral lama, kesetiaan kolot dalam cinta. Pada hari ulang tahunnya yang keempat puluh lima, DIA tiba-tiba muncul di kamarnya - Victoria, pemenangnya, mantan istrinya. Victoria, tidak seperti mantan suaminya, menyesuaikan diri dengan kenyataan baru, namun ternyata harus menanggung kerugian internal. Victor tidak hanya mempertahankan topi tua yang konyol itu, tetapi juga kemampuan untuk merasakan, menderita, dan mencintai. Dia adalah pemenang sejati.
Jadi, meskipun tenggelam dalam keserupaan dengan kehidupan dan kehidupan sehari-hari, drama Kolyada, dari yang pertama (“Playing forfeits”) hingga “Amigo” dan “Carmen is Alive” kemudian, berbicara tentang absurditas ontologis dan keputusasaan manusia modern. Situasi dramatis di dalamnya diperumit oleh transisi tertentu dalam waktu aksi. Itu selalu berada di batas: merayakan Tahun Baru (“Kami bermain kehilangan”), bergerak sebagai awal dari kehidupan baru (“Amigo”), konser terakhir tim kreatif (“Carmen masih hidup”), menunggu pertemuan dengan masa lalu (“Pishmashka”), dll. Sama dengan situasi “perubahan nasib” mentransfer tindakan dramatis dari keadaan eksternal, yang hampir selalu memalukan ke bidang internal - yang dicapai seseorang pada setiap momen dalam hidupnya, termasuk dalam perselisihan sehari-hari, pilihan penting.
Pada saat yang sama, realitas obyektif sehari-hari dalam lakon Kolyada tidak diragukan lagi signifikan secara estetis. Pengarah panggung menciptakan lingkungan yang benar-benar istimewa bagi para karakter: dunia luar menjadi mubazir dan berubah bentuk. Ruang aksi penuh dengan benda-benda yang tidak perlu dan tidak masuk akal: tidak jelas mengapa ada bendera di belakang pintu dapur yang jatuh setiap kali Anda mencoba menutupnya. Tempat tidurnya terletak di tengah lorong, dikelilingi kotak-kotak kosong (“Amigo”). Benda-benda tersebut menimbulkan perasaan absurditas keberadaan, semacam substitusi makna hidup. Kehidupan para pahlawan adalah kekacauan, di mana setiap orang kehilangan hal utama dalam dirinya dan terjun ke dalam entropi. Di sinilah lahirnya agresi dan kekerasan.
Dramaturgi Kolyada adalah dramaturgi bertanya: tidak memuat jawaban atas pertanyaan-pertanyaan mendesak yang diajukan. Permasalahan tersebut terutama diwujudkan dalam ciri-ciri bahasa. Hancurnya hubungan antarmanusia dan keterasingan menghancurkan kemampuan berdialog. Tokoh-tokoh dalam lakonnya tidak dapat mendengar satu sama lain, meskipun mereka hampir selalu berbicara dengan suara meninggi. Tuturan tokohnya mencakup kosakata tabu dan cerita rakyat perkotaan. “Kebingungan bahasa” mencerminkan suara kesadaran kita, yang tersiksa, dalam kata-kata Dostoevsky, oleh “siksaan ketidakpercayaan.”
Dalam beberapa tahun terakhir, dalam drama Kolyada, motivasi sosial dan sehari-hari untuk tindakan dan keadaan karakter menjadi semakin tidak penting, dan peran detail simbolik semakin meningkat. Persoalan ontologis mengemuka. Penulis semakin beralih ke genre drama satu babak (siklus “Khrushchevka”), ke genre drama monolog (yang terbaik dalam seri ini adalah “Pishmashka”), dan menciptakan siklus drama eksentrik “Pretzel”.
Evolusi dramaturgi Kolyada membuktikan mengatasi ciri-ciri neo-naturalisme dan pergerakannya menuju post-realisme.
Nikolai Kolyada, melalui aktivitas kreativitas, budaya, pendidikan, dan penerbitannya yang dramatis, menciptakan suasana kreativitas yang luar biasa di provinsi tersebut, menunjukkan betapa besar yang dapat dilakukan oleh seorang seniman yang benar-benar mengabdi pada seni, yang merasakan tanggung jawab dan hubungan yang hidup dengan kehidupan. Kolyada bukanlah seorang peneliti laboratorium, melainkan pencipta fenomena estetika yang cemerlang dalam proses sastra modern.
Soal dan tugas tes mandiri untuk Bab 2
1. Ciri-ciri naturalisme apa yang terdapat dalam lakon Kolyada?
2. Apakah terdapat unsur melodramatis dalam karya Kolyada?
3. Bisakah Kolyada disebut sebagai perwakilan “sastra hitam”?
4. Apa alasan Kolyada tertarik pada genre lakon monolog?
5. Analisis salah satu drama Kolyada dari siklus Khrushchev.
6. Tulislah mini-review salah satu lakon dalam siklus “Pretzel”.
7. Apa ciri kebahasaan dramaturgi Kolyada?
Kolyada Nikolay Vladimirovich
Marga. 4 Desember 1957 di desa. Presnogorkovka, wilayah Kustanai, distrik Leninsky (Kazakhstan) dalam keluarga pekerja pertanian negara.
Dari tahun 1973 hingga 1977 ia belajar di Sekolah Teater Sverdlovsk (kursus V.M. Nikolaev). Sejak 1977 di rombongan Teater Drama Akademik Sverdlovsk. Peran dalam teater: Lariosik (“Days of the Turbins” oleh M. Bulgakov), Malakhov (“Stop Malakhov!” oleh V. Agranovsky), Balzaminov (“The Marriage of Balzaminov” oleh A.N. Ostrovsky), Poprishchin (“Notes of a Madman" oleh N.V. Gogol) dan lainnya. Untuk peran Malakhov ia dianugerahi hadiah dari Komite Regional Komsomol Sverdlovsk. Dari tahun 1978 hingga 1980 ia bertugas di pasukan sinyal Distrik Militer Ural, dan sejak tahun 1980 kembali di rombongan teater drama. Pada tahun 1983 dia meninggalkan teater. Pada tahun 1983–1989 belajar in absensia di departemen prosa di Institut Sastra Moskow. SAYA. Gorky (seminar oleh V.M. Shugaev). Saat ini ia bekerja sebagai ketua tim propaganda di Istana Kebudayaan. Pabrik Pembangunan Rumah Gorky (sampai 1985), kemudian selama dua tahun menjadi pegawai sastra di surat kabar Kalininets di pabrik yang dinamai demikian. Kalinina.
Sejak 1987 - dalam karya kreatif. Dia lulus dari institut tersebut pada tahun 1989, pada tahun yang sama di Pertemuan All-Union Penulis Muda dia diterima sebagai anggota Persatuan Penulis Uni Soviet dan anggota Dana Sastra Federasi Rusia, dan anggota dari Persatuan Pekerja Teater Federasi Rusia pada tahun 1990.
Cerita pertama diterbitkan di surat kabar “Uralsky Rabochiy” pada tahun 1982, berjudul: “Slimy!” Kemudian ia menerbitkan cerita di surat kabar "Evening Sverdlovsk" dan "Uralsky Rabochiy", tiga cerita diterbitkan oleh majalah "Ural" (No. 1984), dan tiga cerita masing-masing diterbitkan dalam koleksi penulis muda Ural di Ural Tengah. penerbit buku "Nachalo Leta" dan "Harapan".
Drama pertama, “Playing forfeits,” ditulis pada tahun 1986. Sejak itu, 70 drama telah ditulis, 40 di antaranya telah dipentaskan pada waktu berbeda di bioskop-bioskop di Rusia, negara-negara CIS, dan luar negeri. Ini adalah dramanya: "Bermain kehilangan", "Murlin Murlo", "Katapel", "Sherochka dengan Masherochka", "Keputusasaan", "Kisah Putri Mati", "Polonaise Oginsky", "Lilac Persia", " Kita berangkat, berangkat, kita berangkat ke negeri yang jauh…”, “Kapal Orang Bodoh”, “Ayam”, “Amerika”, “Boater”, “Untukmu”, “Kashkaldak”, “Perawat”, “Orang Tua ' Hari”, “Pertunjukan Manfaat”, “Sembilan Putih” krisan”, “Manekin”, “Barak”, “Pencuri”, “Kunci Lörrach”, “Amerika memberikan kapal uap ke Rusia”, “Teater”, “Sihir” , “Buket”, “Mata Jahat”, “Kebutaan Malam”, “Tanda Lahir”, “Gadis Impianku”, “Ratu Sekop”, “Mereka Membangun Orang Bodoh dari Tinggi Badannya”, “Pemilik Tanah Dunia Lama”, “ Tutankhamun”, “Surveyor Tanah”, “Burung Beo dan Sapu”, “Pergi”, “Glee Group” ", "Celestine".
Pada tahun 1994, sebuah festival drama unik oleh seorang penulis drama, “KOLYADA-PLAYS,” diadakan di Yekaterinburg, yang diikuti oleh 18 teater di Rusia dan luar negeri. Untuk festival ini, penerbit “Bank Informasi Budaya” menerbitkan buku drama karya N. Kolyada “Drama untuk Teater Favorit.”
Pada tahun 1997, penerbit yang sama menerbitkan buku kedua drama karya N. Kolyada, “Persian Lilacs” dan drama lainnya.”
Pada tahun 2000, buku ketiga drama Nikolai Kolyada, “Pergi, pergi” dan drama lainnya, diterbitkan.
Pada tahun 1997 di penerbit "Kalan"; (Kamensk-Uralsky) sebuah buku diterbitkan oleh profesor, doktor ilmu filologi N.L. Leiderman "Dramaturgi Nikolai Kolyada".
Nikolai Kolyada menerbitkan tiga buku drama oleh penulis muda Ural, murid-muridnya: “Arabesques” (1998), “Blizzard” (1999) dan “Rehearsal” (2002), menjadi editor buku-buku ini.
Publikasi utama drama N. Kolyada di majalah: “Ural”, “Dramaturgi Modern”, “Dramaturg”, “Kehidupan Teater”, “Teater”, “Teater Soviet”, di majalah “DEUTSCHE BÜHNE” (Jerman), dll.
Publikasi lainnya:
drama “The American” diterbitkan di Prancis;
lakon “Slingshot” dalam buku lakon “Perestroika” diterbitkan di Italia;
drama "Oginsky's Polonaise" diterbitkan di Inggris;
buku prosa “The Insulted Jewish Boy” diterbitkan di Jerman oleh penerbit “EDITION SOLITUDE”;
Sebuah antologi drama Rusia modern diterbitkan di Yugoslavia, yang mencakup 5 drama oleh N. Kolyada.
N. Kolyada adalah penulis naskah untuk film fitur “Chicken” (studio ORF, 1990) dan penulis rekaman sastra dari buku memoar seniman-veteran Perang Patriotik Hebat, “Peran Utama dalam Kehidupan ” (penerbitan “Bank Informasi Kebudayaan”, Yekaterinburg, 1995).
Drama N. Kolyada telah diterjemahkan ke dalam bahasa Jerman (15 drama), Inggris, Prancis, Italia, Spanyol, Swedia, Finlandia, Bulgaria, Latvia, Yunani, Slovenia, Serbia, Turki, Ukraina, Belarusia, Hongaria, Lituania, dan banyak bahasa lainnya.
Dari tahun 1992 hingga 1993, N. Kolyada tinggal di Jerman, di mana ia diundang untuk mendapatkan beasiswa ke Schloess Solitude Academy (Stuttgart), dan kemudian bekerja sebagai aktor di teater Jerman “Deutsche Schauspiel House” di Hamburg.
N. Kolyada mementaskan dramanya sebagai sutradara di Teater Drama Akademik Yekaterinburg: "Oginsky's Polonaise" (1994), "Boater" (1995), "Ship of Fools" (1996) dan "Night Blindness" (1997), sebagai serta drama “Oginsky’s Polonaise” di teater KAZA-NOVA di Essen (Jerman).
Pada tahun 1997, sebagai sutradara, ia mementaskan drama muridnya, pemenang Hadiah Anti-Booker untuk tahun 1997 Oleg Bogaev, “Pos Rakyat Rusia” di Teater Drama Akademik Yekaterinburg;
pada tahun 1999 ia mementaskan dramanya “Go Away, Go Away” di Teater Drama Akademik di Yekaterinburg, dan pada tahun 2000 drama yang sama di Teater Sovremennik Moskow.
Pada tahun 2001, ia mementaskan drama William Shakespeare "Romeo and Juliet" di Teater Drama Akademik di Yekaterinburg.
Pada tahun 2002, di Teater Sovremennik Moskow ia mementaskan adaptasi drama “Celestina” oleh penulis drama Spanyol abad ke-15 Fernando de Rojas.
N. Kolyada adalah pemenang dari Teater Rusia Teater Federasi Rusia cabang Yekaterinburg - untuk pekerjaan aktif dan bermanfaat di bidang drama (1993), pemenang penghargaan majalah Theater Life - "Untuk debut terbaik" (1988 ), pemenang penghargaan Gubernur Wilayah Sverdlovsk (1997), pemenang penghargaan Teater Teater Rusia cabang Yekaterinburg untuk karya sutradara terbaik (1997), pemenang hadiah yang dinamai demikian. Tatishcheva dan de Gennina (2000).
Pertunjukan “Go Away” dan “Romeo and Juliet”, yang dipentaskan oleh N. Kolyada di Teater Drama Akademik Yekaterinburg, diakui sebagai pertunjukan terbaik musim 1999 dan 2001 dalam kompetisi karya teater terbaik wilayah Sverdlovsk . Pada tahun 2002, drama "Romeo dan Juliet" menjadi peserta festival "Topeng Emas" (penghargaan untuk skenografi terbaik untuk artis Vladimir Kravtsev), dan pada tahun 2001, dengan penampilan yang sama, N. Kolyada berpartisipasi dalam "Teater Festival Without Borders” (Magnitogorsk) dan menerima empat hadiah juri.
Berpartisipasi dalam pertunjukan berbagai teater di festival: BONNER BIENNALE pada tahun 1994 (BONN, JERMAN); KOLYADA-PLAYS pada tahun 1994 (YEKATERINBURG, RUSIA); GATE-BIENNALE pada tahun 1996 (LONDON, INGGRIS), serta di banyak festival lainnya. Drama N. Kolyada telah dipentaskan di bioskop-bioskop di Inggris, Swedia, Jerman, Amerika Serikat, Italia, Prancis, Finlandia, Kanada, Australia, Yugoslavia, Latvia, Lituania, dll.
Produksi utama dan terpenting di bioskop jauh di luar negeri: di AS - San Diego, 1989, “Slingshot”, disutradarai R. Viktyuk, “San Diego Repertory Theater”; Lexington, 1992, memainkan “Pencuri”; di Swedia - Stockholm, 1995, “Staatsteater”, “Slingshot”; di Inggris - Devon: "Murlin Murlo", London - "Oginsky's Polonaise", Gate Theatre; London - “Murlin Murlo”; di Italia – Roma, Teater Tordinona, drama “The Witch”; Roma, mainkan “Slingshot”, disutradarai oleh R. Viktyuk dengan partisipasi artis terkenal Italia Corrado Panni. Kemudian di Italia drama yang sama disiarkan enam kali di radio Italia; Di sana pertunjukan itu dipentaskan oleh rombongan lain dan melakukan perjalanan (seperti yang pertama) ke seluruh kota di Italia; di Prancis - Paris, teater "Obligator", "Amerika"; di Yugoslavia - Beograd, "Oginski's Polonaise" Novi Sad "Murlin Murlo", Uzice "Rogatka" Beograd "Chicken" dan lainnya di Australia - Sydney - "Slingshot" dan "Game of Forfeits" dipentaskan; di Lituania - "Slingshot" dipentaskan di Vilnius; di Kanada - Winnipeg, "Murlin Murlo"; di Hongaria - Kaposvár, " Murlin Murlo"; di Bulgaria - Varna, "Slingshot"; di Jerman - di kota Kiel, Stuttgart, Essen dan banyak lainnya - "Murlin Murlo"; di kota Essen , Göttingen, Stuttgart, Dresden dan banyak lainnya - “ Slingshot”; “Game of Forfeits” - di Potsdam; “Thief” - di Cottbus, Chemnitz; “For You” - di Bochum; "Oginsky's Polonaise" - di kota Jena, Gera, Essen; "Tanda Lahir" di Bonn; “Apakah kita akan pergi, apakah kita akan pergi?” di Nuremberg dan banyak produksi lainnya, termasuk di radio Jerman. Sekarang seluruh siklus drama “Khrushchev” telah diterjemahkan ke dalam bahasa Jerman.
Pada tahun 1997, di Berlin, di salah satu teater terbesar di Jerman, Teater Deutsches, diadakan maraton teater: enam drama dari siklus ini disajikan dengan partisipasi aktor paling terkenal di Jerman.
Produksi paling menarik di Rusia:
Teater Sovremennik: “Murlin Murlo”, disutradarai oleh G. Volchek, 1991, dengan partisipasi E. Yakovleva, N. Doroshina; “Apakah kita akan, pergi, pergi?”, disutradarai oleh G. Volchek, 1996 dengan partisipasi G. Petrova, L. Akhedzhakova, E. Yakovleva, A. Leontyev; “Pergi, pergi”, dir. N. Kolyada, 2000 dengan partisipasi V. Gaft dan E. Yakovleva; "Celestine", sutradara. N. Kolyada, 2002 dengan partisipasi L. Akhedzhakova;
Teater Roman Viktyuk: “Oginsky’s Polonaise”, sutradara Roman Viktyuk, 1994; “Slingshot”, sutradara Viktyuk, 1993;
Teater dinamai menurut namanya Mayakovsky: “The Tale of the Dead Princess”, sutradara Sergei Artsybashev, 1992;
teater "di Pokrovka": "Ayam" disutradarai oleh Sergei Artsibashev, 1994;
di perusahaan: "Persian Lilac", disutradarai oleh B. Milgram, dengan partisipasi L. Akhedzhakova dan M. Zhigalov, 1996; “Old World Love”, disutradarai oleh V. Fokin, dengan partisipasi L. Akhedzhakova dan B. Stupka, 1999;
Teater "Di Malaya Bronnaya": "Oginsky's Polonaise", sutradara Lev Durov, 1995;
Teater dinamai menurut namanya Mossovet: “Boater”, sutradara Boris Shchedrin, 1993;
Teater dinamai menurut namanya Stanislavsky: “Oginsky’s Polonaise”, sutradara Leonid Kheifets, 1998;
teater di Perovskaya: “Mereka membuat orang bodoh berdasarkan ketinggian”, sutradara Kirill Panchenko, 1998;
teater "Baltic House": St. Petersburg, "Slingshot" (1990), "Murlin Murlo" (1991), sutradara Yuri Nikolaev,
serta produksi berbagai drama di teater-teater di Yekaterinburg, Novosibirsk, Krasnoyarsk, Tomsk, Ashgabat, Tashkent, Kyiv dan banyak lainnya. dll.
Sejak tahun 1994, N. Kolyada telah mengajar di Institut Teater Negeri Yekaterinburg pada kursus “Dramaturgi”, di mana ia melatih penulis naskah drama masa depan. Kursus ini unik, karena kursus serupa (dengan pengecualian Institut Sastra A.M. Gorky) tidak ada di Rusia. Drama siswa kursus ini Oleg Bogaev, Tatyana Shiryaeva, Nadezhda Koltysheva, Anna Bogacheva, Tatyana Filatova, Vasily Sigarev, dan lainnya sudah menarik perhatian banyak teater saat ini: misalnya, drama Oleg Bogaev “Pos Rakyat Rusia” dipentaskan oleh sutradara Kama Ginkas di teater di bawah arahan Oleg Tabakov (dalam peran utama - Oleg Tabakov), dan dua drama lainnya oleh penulis yang sama - "Tembok Besar Tiongkok" dan "Telinga Mati" - telah diterjemahkan ke dalam bahasa Jerman, Perancis, Serbia dan bahasa lainnya.
Drama “Pos Rakyat Rusia” dari Teater Drama Yekaterinburg diundang untuk berpartisipasi dalam festival Topeng Emas 1999 (Moskow). Drama berdasarkan drama V. Sigarev “Plasticine”, dipentaskan di Pusat Drama dan Penyutradaraan di bawah arahan A. Kazantsev dan M. Roshchin dan disutradarai oleh K. Serebrennikov, adalah peserta dan pemenang banyak festival. Drama O. Bogaev dan V. Sigarev dipentaskan di Jerman, Prancis, Inggris, dan negara-negara lain di dunia.
Dari Juli 1999 hingga 2010, Nikolai Kolyada adalah pemimpin redaksi majalah sastra, seni, dan jurnalistik bulanan “Ural”. N. Kolyada telah menjalankan program televisinya sendiri yang disebut "Black Box Office" di Perusahaan Televisi dan Radio Negara Sverdlovsk selama beberapa tahun.
Nikolay Kolyada tinggal dan bekerja di Yekaterinburg.
Monolog dalam satu babak. Ditulis pada bulan Juli 1991.
Karakter utama Elena Andreevna diusir dari Uni Soviet beberapa tahun yang lalu karena kegiatan anti-Soviet. Bertahun-tahun telah berlalu, dan sekarang, jauh dari Tanah Air yang indah dan dibenci, tidak ada seorang pun yang membutuhkan di Amerika, tinggal di pusat Manhattan, kenang Elena Andreevna... Tidak, dia ingat cinta terakhirnya - Patrice: “Seseorang mengingat cinta pertama , dan saya - saya ingat yang terakhir...” kata tokoh utama dalam drama tersebut.
Sebuah drama dalam dua babak. Ditulis pada bulan Desember 1996.
Aktris yang dulunya terkenal, sekarang menjadi bintang jatuh, Larisa Borovitskaya, datang ke kota provinsi untuk mencari ayah dan ibunya. Dia terkenal, kaya, dan dicintai oleh para penggemarnya, tetapi sekarang dia tiba-tiba dilupakan oleh semua orang, menjadi miskin, mengalami kemunduran, mabuk-mabukan sampai mati, dan menghilang. Dia bertemu Anatoly di sini, yang terlihat seperti temannya yang meninggal empat puluh hari yang lalu. Dalam delirium gila, dia mencoba mengingat masa lalunya, memahami masa depan, melihat, melihat ke dalamnya. Semuanya kacau dalam pikiran Larisa yang meradang.
Lakon ini lebih mirip puisi prosa: banyak mengandung monolog dan penyimpangan pengarang...
Amalia Nosferatu mengundang seorang pria dari Teater untuk mengunjunginya guna memberinya barang-barang yang tidak diperlukan untuk pertunjukan tersebut. Ternyata dia memberikan seluruh hidupnya padanya. Atau mungkin ini sama sekali bukan nama vampir terkenal itu, tapi penulis dramanya sendiri sedang berpisah dengan sesuatu yang penting, sayang?..
"For You" (1991) adalah dua drama karya Nikolai Kolyada - "The Viennese Chair" dan "Turtle Manya".
Drama pertama, “The Vienna Chair,” membawa pahlawan dan pahlawan wanita ke dalam satu ruangan yang kosong, menakutkan, dan tertutup, jauh dari realitas kehidupan atau tanda pengenal tertentu. Tidak mungkin untuk mengatakan di mana tepatnya karakter-karakter tersebut berakhir, terutama karena masih misterius bagaimana hal ini terjadi. Pada saat yang sama, hal utama adalah pola psikologis yang halus, sifat organik dari hubungan manusia, kedekatan pengalaman karakter.
Dalam arahan panggung untuk drama kedua - "Turtle Manya" - penulis berulang kali, baik serius maupun bukannya tanpa ironi, mengeluh bahwa tidak mungkin bertahan dengan bahasa sastra yang baik, karakter terus-menerus beralih ke ekspresi kasar - tapi apa yang bisa Anda lakukan? Mengerjakan? Dalam gaya penulis naskah terdapat semacam impresionisme suram dan bakat tak kenal takut yang memaksa seseorang untuk melestarikan “kebenaran hidup” yang diperlukan untuk menciptakan kebenaran artistik, untuk mengekspresikan dengan tepat drama yang dirasakan penulis.
Di hadapan Anda adalah drama N. Kolyada “The Thief,” yang ditulis pada bulan Desember 1989.
Bertahun-tahun yang lalu, Matvey menguburkan temannya Yuri. Untuk melupakan masa lalu (atau mungkin bersembunyi dari dirinya sendiri), Matvey menikah dan hidup dengan cara baru. Namun pada peringatan dua puluh tahun kematian Yuri, dia bertemu dengan seorang pria di jalan yang ternyata sangat mirip dengan Teman masa mudanya. Dua puluh tahun berlalu, Matvey bertambah tua, tapi Yuri tetap sama, di usia yang sama. Drama ini melanjutkan tema “Slingshot” - kisah cinta homoseksual, namun tetap saja “The Thief” adalah tentang fakta bahwa semua cinta itu indah, karena membangun, dan hanya kebencian yang menghancurkan.
Ada banyak hal lucu dan sedih dalam cerita ini, seperti yang selalu terjadi dalam hidup. Tiga wanita paruh baya memimpikan cinta, tentang seseorang yang akan berada di dekatnya dan yang membutuhkan cinta dan kegembiraan yang tenang. Mereka tinggal di kota provinsi kecil, di ujung kehidupan, namun hal ini membuat cinta dan keinginan mereka untuk hidup dengan segala cara menjadi semakin cerah dan menusuk...
Keinginan akan homoerotisme dan hubungan homoseksual bukan lagi sebuah ruangan gelap tertutup dengan fantasi. Dan banyak novel diterbitkan di Rusia, baik oleh penerbit kecil maupun raksasa besar. Setiap tahun jumlahnya semakin banyak, dan semuanya berbeda: dari halus dan lembut hingga terus terang dan vulgar.
Mencoba untuk tidak mengambil yang terkenal seperti Brokeback Mountain atau House at the End of the World, mustahil untuk tidak memasukkan Cunningham. Saat mencoba mencari buku dari penulis homoseksual, kami juga menemukan karya menarik dari perempuan. Oleh karena itu, ternyata agak sepihak, karena banyaknya penulis Perancis, namun tetap memiliki kumpulan buku menarik tentang hubungan homoseksual.
Michael Cunningham - "Ratu Salju"
TOP kami terbuka - Cunningham. Karena penulis yang luar biasa ini, pertama, mudah diakses, dan kedua, semua bukunya, kecuali satu, telah diterjemahkan ke dalam bahasa Rusia. Dan The Snow Queen, salah satu buku terbaru Michael Cunningham, yang tidak mengherankan jika menceritakan beberapa cerita yang terjalin menjadi satu.
Saudara Barrett dan Tyler tinggal di New York dan merupakan bohemian sejati: halus, sensitif, dengan gaya hidup khusus. Dan kehidupan ini, dengan nada mistis dan Central Park, ditampilkan dalam keberagamannya: dengan kekecewaan, pencarian, kehilangan dan jeda untuk kebahagiaan. Kita membaca kisah mereka, nyata dan hidup. Bagaimanapun, Cunningham adalah ahli kata-kata sejati dan membawa Anda bersamanya, berbicara tentang bagaimana merasakan, bagaimana melihat dunia dan bagaimana mengarungi rasa sakit.
Jangan lupakan New York, pahlawan lain dalam novel ini, yang mendorong Tyler dan Barrett, memberi mereka harapan dan kepastian. Tidak ada adegan eksplisit dalam The Snow Queen; yang ada adalah kepekaan, cinta, salju, dan kota. Dan motif utama Cunningham yang istimewa, yang membuat kami menyukainya, diuraikan dengan sempurna di setiap kata. Bagi yang suka besar dan ringan, wajib dibaca.
Jean Genet - "Buku Harian Seorang Pencuri"
Kesulitan masa muda Genet dipindahkan ke buku ini. Novel otobiografi ini sebagian besar berbicara tentang kesulitan cinta, pengkhianatan dan, tentu saja, homoseksualitas. Negara mengikuti negara: Spanyol, Italia, Austria, Cekoslowakia, dan seterusnya, dan di mana pun keadaannya sama, mengulangi lingkaran setan: penjara, penjara, perampokan, dan hubungan acak. Tema utama novel ini dapat dianggap sebagai kebalikan dari cita-cita, di mana pengkhianatan adalah kesetiaan, dan perampasan kebebasan adalah kebebasan. Semacam estetika degradasi, ditulis oleh orang Prancis sejati, dan karenanya bukannya tanpa daya tariknya. Jadi, jika Anda tidak takut dengan penjelasan rinci tentang adegan seks, kehancuran dan kecenderungan menghancurkan diri sendiri melalui nafas kebebasan, dalam pemahaman penulis, mengapa tidak?
Herve Guibert – “Tergila-gila pada Vincent”
Hervé Guibert terutama menulis tentang topik AIDS dan perjuangan pribadinya melawan penyakit tersebut. Namun, “Vincent” berbeda. Lembut dalam cinta mutlaknya dan menusuk dalam hasrat destruktifnya, ia menyentuh bahkan yang hidup. Padahal, karya tersebut merupakan diary Guibert sendiri, yang secara terbuka ditampilkan di hadapan pembacanya dan sedemikian rupa sehingga terkadang menjadi janggal. Terlalu pribadi, yang mendapat tempat di rak pecinta buku semacam ini. Tidak ada rasa manis di dalamnya, sebaliknya - keburukan dan kecabulan, tetapi seperti yang tertulis. Karakter utama: Vincent dan Guibert sangat berbeda. Jika yang satu liar, kecanduan alkohol dan narkoba, berubah-ubah, maka yang kedua lembut dan penuh cinta, dengan kelembutan yang pantas untuknya. Catatan postmodernis dalam novel ini memberinya pesona, menunjukkan kesesatan sastra pada masa itu dan sama sekali tidak menghalangi Anda untuk membenamkan diri dalam proses membaca buku harian orang lain yang jujur.
Tony Duvert - "Diasingkan"
Seorang pria dengan nasib tragis, Tony Duver, menulis sebuah novel untuk mengiringi revolusi, yang benar-benar mengubah gagasan Anda tentang bagaimana Anda bisa menulis, apa yang bisa Anda tulis. Tidak adanya koma dan titik, aliran teks terus menerus yang dapat mendatangkan kesenangan sekaligus membingungkan, menarik sekaligus menolak. Tapi intinya: hubungan, seks, gairah, cinta, rasa sakit, hanya mendapat manfaat dari ini.
Duvert, pertama-tama, dalam novelnya memberikan kata-kata kepada “orang buangan”, makhluk nokturnal yang menghuni jalanan Paris, ketika moral Puritan sudah nyaman berjemur di tempat tidur mereka. Mereka tidak bersuara sebelumnya, berkeliaran di jalan raya Paris untuk mencari cinta, minuman keras, dan seks. Duver mempertemukan semua orang yang dianggap terbuang, semua orang yang berhasil “diam” dan berbicara tentang kehidupan mereka, sekaligus, terjalin dan mengungkapkan betapa sulitnya untuk tetap setia, bagaimana keinginan mendorong mereka ke petualangan baru, bagaimana kehidupan mendidih. di tubuh mereka.
Alan Hollinghurst - "Garis Kecantikan"
Satu-satunya novel yang diterjemahkan ke dalam bahasa Rusia. Dan mungkin alasannya adalah Booker Prize yang diterima Hollinghurst atas karyanya. Meskipun semua karya Alan mendalam, ini adalah kisah drama sosial yang nyata dan mengharukan.
“The Line of Beauty” adalah kisah Nick Guest, seorang pria yang naik dari bawah ke dunia aristokrat di tahun 80-an, berkat temannya Tobias Faddon. Dialah yang mengundang Nick ke rumahnya dan memperkenalkannya kepada ayahnya, seorang anggota Parlemen Inggris.
Dunia yang penuh gemerlap, narkoba, dan kehidupan yang sibuk, ketika seluruh dunia tampaknya berada di bawah kendali Anda dan Anda akan selamanya muda dan selamanya mabuk. Dan AIDS, yang sudah menyebar ke seluruh dunia, tidak ada hubungannya dengan kesenangan hidup yang ada di sekitar Anda. Sebuah novel yang benar-benar berbahasa Inggris, di mana terdapat kemunafikan, keangkuhan, kemunafikan, dan aturan ketat dalam permainan sosial.
Sebuah novel tentang betapa rapuhnya keinginan, koneksi, dan persahabatan kita, terutama jika menyangkut kekuasaan, ambisi, dan politik.
Ivan Kolyada – “Katapel”
“Slingshot” adalah drama tentang dua orang berbeda yang menemukan diri mereka di apartemen yang sama. Anton adalah anak yang baik, terpelajar, dengan orang tua yang berprofesi sebagai guru, mungkin kebanggaannya, sekaligus tersesat, yang belum menemukan dirinya. Ilya adalah seorang penyandang cacat yang telah tenggelam ke dasar, 8 kelas di belakangnya, dan penghasilannya: mengemis untuk sebuah gelembung. Drama Rusia yang sangat dangkal dengan cangkang asli, namun menawan. Karena hubungan keduanya dibangun di atas motif yang halus, di atas gaung kata-kata yang tak terucapkan, di atas pikiran dan mimpi. Lakon tersebut meninggalkan sisa rasa yang asam, karena bagian bawah yang diperlihatkan Kolyada, kotoran yang menyesakkan dan akrab, tidak mengganggu sesuatu yang baik. Inilah Rusia, dan kehidupan, yang biasa kita abaikan, dan harapan, ketangguhan, dan cinta.
Gerard Rewe – “Anak Laki-Laki Sayang”
Seorang pecandu alkohol, Katolik, dan homoseksual - begitulah sebutan Reve dalam banyak ulasan bukunya, dan itu tidak salah, mengingat jalan hidup penulisnya. Namun hal ini tidak merusak karyanya.
“Honey Boys” adalah novel pengakuan dosa, sebuah duologi, dengan kenangan jujur dan detail sadomasokis dari novel-novel masa lalu. Semua anak laki-laki yang ada dalam hidupnya, detail yang menggairahkan imajinasi, dan Tikus yang mendengarkan arus kehidupan yang mengalir.
Gerard berterus terang, dia tidak menyembunyikan apa pun, dan berbicara tentang masa lalu dengan kecanggihan seorang ahli bedah yang membedah mayat. Dan pada saat yang sama, bagi para pecinta, bagi mereka yang tidak takut, dia akan menjadi pendongeng yang meyakinkan, iblis yang manis, mampu mengubah sikap terhadap homoerotisme dan hubungan homoseksual.
JT Leroy - "Sarah"
Sebuah novel yang menjijikkan pada intinya, di mana Amerika bukanlah tempat di mana semua mimpi menjadi kenyataan, di mana Amerika kotor, kelabu, dan penuh kemarahan. Karena hanya dengan cara inilah sebuah buku bisa berada, dimana tidak ada hal baik dalam kehidupan seorang anak, dimana kejiwaannya dirusak, dia diperkosa dan diintimidasi. Dan ini bukanlah spoiler, melainkan peringatan bagi mereka yang sensitif.
Sarah, ibu dari tokoh utama, mengambil anak laki-laki itu dari keluarga yang luar biasa dan mengubah hidupnya, tanpa berlebihan, menjadi neraka. Dan inilah titik awalnya, ketika sang pahlawan mulai berubah, ketika fleksibilitas jiwa anak beradaptasi dengan seluk beluk kotor realitas Amerika untuk bertahan hidup dan tidak menjadi gila di dunia ini, yang tak ada bandingannya dalam keanehannya.
Menunjukkan kepada kita kenyataan melalui contoh seorang anak yang tumbuh dewasa, J. T. Leroy benar-benar mendapatkan rasa jijik, kasihan, dan kemarahan dari para pembacanya, karena sang pahlawan berubah, dan sikapnya terhadap situasi dan ibunya berubah. Lagipula, entah kenapa dia ingin mengungguli ibunya dan menjadi pelacur terbaik?
Gennady Trifonov – “Novel penjara. Bersih"
Novel penjara adalah cerita tentang drama manusia dalam realitas penjara, yang akrab bagi penulisnya secara langsung. Trifonov sempat masuk penjara, dan karena artikel “sodomi”. Itulah sebabnya buku ini ternyata begitu dekat dengan kenyataan yang merendahkan penghormatan terhadap nilai-nilai kemanusiaan universal. Kehidupan di balik jeruji besi sungguh berbeda.
Setelah masuk penjara karena perampokan, Sasha memulai hidup baru, di mana Sergei datang membantunya, menempatkannya di sampingnya di “bekerja”. Dan kemudian entah bagaimana itu terjadi dengan sendirinya, Sergei mengambil inisiatif dan menandai awal dari hubungan yang menarik di zona tersebut, yang berubah menjadi cinta.
Para pahlawan berada di ruang tertutup dan berbahaya, di mana romansa mereka sulit disembunyikan dari mata yang mengintip, namun, meskipun semua keraguan dan lemparan Alexander, hal itu berkembang.
A Prison Romance tidak begitu ekspresif seperti sastra Prancis, tetapi ini sepadan dengan waktu Anda, terutama jika Anda mencari buku tentang hubungan homoseksual yang ditulis oleh laki-laki gay.
Edward Morgan Forster - "Maurice"
Novel Edward Morgan Forster, Maurice, diterbitkan setelah kematian penulisnya pada tahun 1971, dan obituarinya menyebutnya sebagai novelis paling dihormati pada masanya. Dan kita tidak tahu apa yang akan berubah jika Maurice diterbitkan semasa penulis masih hidup, karena karya ini menceritakan tentang cinta dua orang sahabat yang berasal dari bangsawan Inggris di Inggris zaman Victoria. Masyarakat yang terkenal dengan pandangan puritannya.
Maurice Hall dan Clive Derm adalah teman sekolah yang sedang jatuh cinta, namun tidak ada yang bertahan selamanya, terutama hubungan homoseksual, meski saat itu membahagiakan. Clive menikah, dan Maurice berusaha pulih dari kecenderungan buruknya untuk berhenti menjadi sampah masyarakat. Dan hal yang paling menarik dan penuh gairah sedang terjadi selanjutnya...
Sebuah novel sensual di mana kita melihat ketidakadilan terhadap pasangan homoseksual, yang emosinya kontras dengan kebencian dan kesalahpahaman, dengan rasa jijik yang lucu dari masyarakat yang “layak” dan orang yang “sehat”.
- ANDA BIASANYA membandingkan ibu kota dengan “danau pahit”. Ada baiknya mengkritik dari jauh. Maukah kamu pindah ke sini?
Saya belum pernah tinggal di Moskow, saya tidak tinggal, saya tidak berniat untuk tinggal, dan saya tidak mengerti apa yang terjadi di sana. Saya memiliki "dunia Kolyada" kecil saya, yang saya ciptakan sejak lama dan dengan susah payah, dan saya tidak akan menghancurkannya hanya untuk pergi ke Moskow dan "bersinar" dan "nongkrong" di sana. Sejak usia 15 tahun, sejak saya masuk sekolah teater, hingga hari ini saya tinggal di Sverdlovsk-Ekaterinburg, di mana saya menjadi aktor teater, kemudian menjadi mahasiswa di Institut Litin dan menjadi pegawai sastra di sebuah surat kabar bersirkulasi besar, kemudian kepala tim propaganda, lalu direktur teater, lalu guru di lembaga teater. Dari 12 penulis drama muda (di bawah 25 tahun) yang tinggal di seluruh Rusia, hari ini 5 siswa saya dinominasikan untuk Penghargaan Debut Nasional Seluruh Rusia. Ketika saya mengetahui hal ini, saya berjalan-jalan dengan sangat bahagia selama beberapa hari. Keberhasilan murid-murid saya jauh lebih penting daripada keberhasilan saya sendiri. Menurut hukum kehidupan manusia, kita harus bersukacita atas apa yang dilakukan anak-anak kita, meskipun tidak kompeten, terkadang bodoh dan lucu. Dan berikan jalan kepada mereka. Sungguh menjijikkan ketika “orang tua” (dan terutama di dunia teater dan sastra) tidak bisa tenang, mendorong semua orang dengan sikunya, berpegang teguh pada kehidupan, dan tidak membiarkan orang muda maju. Apapun mereka, mereka adalah anak-anak kita, mereka akan meneruskan kita, lebih buruk atau lebih baik - itu pertanyaan lain, tapi mereka akan terus melanjutkan.
- Komponen apa yang kami tenun untuk Anda hari ini? Apa yang membuatmu senang dengan hal baru, apa yang membuatmu sedih?
Saat ini, jika Anda bukan orang bodoh atau malas, Anda selalu dapat menemukan sesuatu, mendapatkan uang, dan membeli semua yang Anda butuhkan untuk hidup. Dan biasanya Anda tidak membutuhkan terlalu banyak, karena Anda tidak dapat membawa semuanya ke dunia berikutnya dan Anda tidak dapat menaruh segepok uang di peti mati di bawah kepala Anda. Namun lain halnya jika Anda sakit, lemah dan tidak ada orang yang dapat diharapkan pertolongannya - maka ada penjaganya. Setiap pagi saya melihat orang-orang mengobrak-abrik tong sampah. Dan, membayangkan diri saya berada di posisi mereka (dan di sini, di Rusia, Anda tidak bisa mengatakan tidak terhadap uang atau penjara), saya tidak hanya takut, tapi juga malu karena tidak ada yang dilakukan untuk mencegah hal ini terjadi. Setiap orang sangat membutuhkan kemewahan dan kemewahan. Setiap orang membutuhkan orang-orang yang tersenyum dan gembira, tidak ada seorang pun yang ingin mengetahui bahwa seseorang di dekatnya sedang merasa tidak enak, seseorang sedang menderita dan sakit. Dan jika kita beralih ke teater, maka tidak ada yang ingin melihat hal-hal menyedihkan di teater, berikan semua orang “ha-tsa-tsa, kita menari tanpa henti.”
Pada festival teater baru-baru ini saya mendengar: “Kapan para pahlawan Kolyada akan tampil di panggung bukan dengan jaket berlapis, tetapi dengan ekor? Kebencian macam apa terhadap Tanah Air?! Apa kita benar-benar tidak punya apa-apa selain kotoran di Rusia?!” Aku duduk dan diam. Tapi saya sangat ingin berseru: ya! Ada banyak hal yang berbeda, sayangku. Namun mencintai Rusia tidak berarti mencium semua orang dengan penuh semangat di jalanan. Menurutku cinta adalah tindakan, yaitu ketika kamu melakukan sesuatu yang baik kepada orang yang kamu cintai, dan tidak mengucapkan kata-kata indah kepadanya.
- Sebagai penulis naskah drama, apa yang ingin kamu tulis?
Saya menulis sedikit sekarang. Dan bukan karena saya “kehabisan tenaga” (masih banyak hal dalam jiwa saya yang ingin saya tulis, begitu banyak plot, karakter, andai saja Anda tahu!), tetapi karena drama saya kini menjadi tidak menarik. ke bioskop. Saya tidak bisa menulis di atas meja. Drama itu harus dipentaskan. Mungkin proses yang paling penting sedang terjadi sekarang: drama-drama ini telah teruji oleh waktu. Apalagi saya menulis 92 di antaranya, saya bisa istirahat. Dan untuk ulang tahun saya yang ke 50, saya merilis buku keenam drama saya, yang juga akan menyertakan buku-buku baru. Saya telah mengajar di Institut Teater Negeri Yekaterinburg selama bertahun-tahun. Kurangnya pendidikan dan “kurangnya membaca” kaum muda yang datang untuk belajar “untuk menjadi penulis drama” sangatlah menakutkan. Orang-orang bodoh ini banyak sekali dalam literatur saat ini. Meski tetap menjadi kurcaci, semua orang membayangkan diri mereka sebagai raksasa. Itu sebabnya mereka menulis: “Dostoevsky untuk orang miskin.” Atau - "Dostoevsky Lilliput". Anda terkagum-kagum: orang-orang bodoh, ya Tuhan, orang-orang bodoh yang menulis, orang-orang bodoh yang belum membaca semua literatur abad ke-19, yang tanpanya Anda bukan siapa-siapa jika Anda berencana untuk duduk di meja dan menulis! Mitrofanushka yang bodoh menonton pertunjukan, Mitrofanushka yang bodoh menulis ulasan. Sastra hebat abad ke-19 - tidak ada yang membaca Anda, Anda tidak diperlukan lagi, Anda dilupakan! Semuanya terdengar, semuanya di atas, semuanya meluncur - itu sebabnya Anda terkejut, dan Anda tidak tahu harus berbuat apa, harus berkata apa. Anda tidak tahu harus berbuat apa.