Museum Seni Rupa Pushkin Morandi. Panduan Pameran: Cara Melihat Lukisan Morandi

Pameran “Giorgio Morandi. 1890–1964" menempati beberapa aula Galeri Seni Eropa dan Asia di Museum Pushkin. Empat di antaranya ditempati benda mati dengan botol. Namun, yang pertama didahului oleh beberapa lukisan dengan plot misterius, karena di masa mudanya yang kreatif Morandi bergabung dengan mereka yang menganjurkan lukisan “metafisik”, tetapi meskipun demikian ia berbeda dari mereka dalam kehalusan warna dan selera gaya. Selain itu, di ruang pertama terdapat potret diri masa muda yang menyenangkan dan beberapa eksperimen yang masih belum matang, tetapi kemudian hanya benda mati dengan benda pucat, seolah-olah bubuk: mangkuk, lesung, kendi, botol, dan botol. Misalnya, Anda dapat melihat tiga komposisi secara berdampingan dari hal yang sama, hanya saja dipentaskan dan ditulis secara berbeda.

Sebenarnya tidak ada yang mengharapkan keberagaman dari pameran Morandi. Kita dapat mengatakan bahwa ini bahkan mengejutkan mereka yang bodoh, karena setelah benda mati akan ada sebuah ruangan dengan pemandangan alam, lukisan dan bunga, dan di benak rata-rata pecinta seni Morandi, ini pertama-tama adalah botol, atau lebih tepatnya geometris sederhana. bentuk - kerucut. Memanjang menjadi botol, terpotong menjadi mangkuk. Bentuknya, dan bukan properti lainnya - warna atau transparansi - yang menarik perhatian seniman pada botol. Karena dia menutupinya dengan plester, bisa dikatakan melapisinya, sehingga modelnya lebih dekat dengan lukisan itu sendiri, sifat ilusinya. Morandi paling sering melukis bunga kering dan kering: mawar mumi, bersama dengan vas, juga berbentuk kerucut. Bentang alam, tentu saja, tidak mengalami manipulasi seperti itu, tetapi dalam keterukuran dan kelembutannya ada sesuatu yang bersifat memoaristik, halus, seolah-olah tidak dilukis dari kehidupan, tetapi muncul dalam ingatan.

Membuka pameran, direktur Museum Pushkin, Maria Loshak, bahkan dengan tegas mengatakan bahwa Morandi adalah seniman favoritnya, dia dan staf museum membuat pamerannya sendiri, dengan penuh cinta, mereka secara harfiah “menyulam”. Memang, aula-aula tersebut didekorasi dengan cara yang paling tenang (oleh Kirill Ass dan Nadezhda Korbut) dan dinding abu-abu yang diplester secara khusus ternyata menjadi latar belakang ideal untuk lukisan dan grafis Morandi, yang asing dengan kecerahan apa pun. Hanya papan ukiran sang seniman yang tampak merah pada latar belakang ini.

Saingan lagi

Bersamaan dengan pameran Giorgio Morandi, Museum Pushkin mengadakan pameran Giorgio de Chirico. Mereka seumuran, mereka terlihat bersama di masa muda, tapi kemudian mereka menjadi rival. Keduanya berpartisipasi dalam Venice Biennale tahun 1948, namun Morandi mendapat penghargaan sebagai Artis Terbaik. De Chirico sangat marah dan bahkan mengajukan gugatan terhadap biennale tersebut.

Pameran ini memiliki banyak teks di dinding, dan katalog besar telah diterbitkan dengan berbagai macam artikel yang menceritakan tentang Morandi dan hubungannya dengan seni Italia kuno. Fakta bahwa satu detail dari Giotto atau Caravaggio menjadi plot tersendiri, menjadi tema baginya. Kutipan di dinding dan teks dalam katalog membantu untuk memahami keajaiban lukisan monoton yang indah dari seniman, yang percaya bahwa benda paling biasa menyimpan rahasianya. Salah satu idolanya adalah Paul Cezanne, juga pecinta geometri bening dalam seni lukis. Morandi menjalani seluruh hidupnya di rumahnya di Bologna bersama tiga saudara perempuan guru yang belum menikah, tidak bepergian, jarang dan terpaksa terlibat dalam urusan publik, dan fokus pada seninya.

Dapat dianggap bahwa ketenarannya di seluruh dunia dimulai pada tahun 1948, ketika ia dianugerahi penghargaan artis terbaik di Venice Biennale, diikuti dengan pameran di New York. Morandi masih menjadi seniman yang dicari hingga saat ini, dan karyanya ditampilkan di seluruh dunia. Hal ini tidak menghalangi pemirsa yang tidak suka bermeditasi untuk menganggapnya membosankan, meski terkesan tidak senonoh untuk mengakuinya. Penggemar Morandi (pernyataan mereka dikutip dalam katalog) percaya bahwa “mata pemirsa harus disalahkan atas kemonotonan tersebut,” dan bukan artisnya, dan secara umum, sayang sekali untuk berpikir bahwa dia “melukis botol”.

Apa sebenarnya yang ditulis Giorgio Morandi untuk seni, dan bukan untuk hiburan masyarakat, tidak mudah dirumuskan, lukisannya sedikit cahaya dan tidak ada udara, paletnya berdasarkan nuansa, dan umumnya menyedihkan. Dia mengikuti jalur khususnya dalam seni, tidak berusaha menarik perhatian pemirsa, tidak mengagetkan mereka, tidak membodohi mereka dan tidak membebani mereka dengan pikiran. Melihat karyanya tenang dan gembira, sehingga satu-satunya keluhan bagi pecinta Morandi tentang pameran ini adalah terlalu pendek, hanya empat ruangan botol.

Dari tanggal 25 April hingga 10 September, Galeri Seni Eropa dan Amerika abad ke-19-20 akan menjadi tuan rumah retrospektif skala besar karya Morandi (1890-1964), salah satu seniman terkemuka Italia abad ke-20 dan seorang sosok ikonik dalam seni lukis Eropa modern.

Karya Morandi telah lama mendapat pengakuan dunia, dan saat ini karya-karyanya menjadi pusat perhatian penonton dan seniman internasional, yang tidak kehilangan relevansinya. Pameran ini akan menampilkan lebih dari 90 pameran, termasuk 82 mahakarya master dari museum terkenal dunia dan koleksi pribadi.

Tujuan pameran ini adalah untuk menunjukkan skala karya Giorgio Morandi. Karya-karya yang dipilih untuk pameran di Moskow mencakup seluruh jalur kreatif seniman, yang bekerja dengan sukses selama setengah abad.

Pameran ini akan menampilkan sekitar 70 lukisan dan cat air, yang cukup mencirikan tahapan jalur kreatif sang master - mulai dari komposisi metafisik avant-garde hingga karya-karya terbaru yang penuh emosi, dibedakan oleh ketelitian dan kedalaman imajinatif. Sepanjang hidupnya, sang seniman tetap setia pada dua genre - still life dan lanskap, yang menggambarkan dunia objektif dan alam yang mengelilinginya.

Pameran ini disusun dalam urutan kronologis dan secara tematis akan dibagi menjadi beberapa bidang utama: potret diri, lukisan alam benda, lanskap, dan bunga. Dalam beberapa kasus, penekanan khusus diberikan pada karya-karya yang Morandi sendiri sebut sebagai “varian” - ini serupa, tetapi selalu komposisi berbeda yang menggambarkan objek yang sama.

Untuk memberikan kesempatan kepada pemirsa untuk lebih mengenal metode kerja Morandi, bagian terpisah dari pameran akan menampilkan sekitar 20 cetakan yang menunjukkan bakat Morandi sang pengukir - bakat ini telah mendapat pengakuan dunia, dan untuk pertama kalinya sang master dianugerahi penghargaan hadiah untuk cetakannya di Biennale Sao Paulo pada tahun 1953. Selain ukirannya, pameran ini juga menampilkan beberapa papan ukiran asli dari koleksi National Center of Graphics (Roma).

Karya-karya untuk pameran dipilih dengan cermat oleh kurator dari koleksi museum besar: dari Museo Morandi di Bologna, lembaga resmi yang mewakili karya seniman, dari yayasan, khususnya Yayasan Magnani Rocca (Traversetolo, Parma) dan Yayasan Roberto Longhi ( Florence), serta dari koleksi pribadi terkemuka.

Selain itu, pameran ini akan menampilkan beberapa objek dari bengkel Morandi yang disediakan oleh Asosiasi Museum Bologna. Bagian pameran ini akan disertai dengan foto-foto seniman dan studio Morandi.

Proyek pameran ini secara keseluruhan bertujuan untuk mengenalkan pemirsa Rusia dengan ide-ide kreatif dan skala kepribadian Giorgio Morandi, yang, seperti yang ia katakan sendiri, dalam karya-karyanya berusaha untuk “menyentuh dasar, esensi dari segala sesuatu.”

Tentang kepribadian Morandi

Morandi adalah fenomena yang menakjubkan. Gaya hidupnya tidak khas orang-orang dari buku teks sejarah seni, dan umumnya tidak lazim untuk abad ke-20. Morandi bukanlah seniman bohemian - sebaliknya, ia menjalani kehidupan biasa dan menghabiskan waktunya seperti semua penduduk biasa di Bologna. Kehidupan pribadinya tidak berhasil: dia berbagi rumah dengan tiga saudara perempuan, yang sepenuhnya mengabdi padanya. Dan Morandi, pada gilirannya, mengabdikan dirinya sepenuhnya pada kreativitas, tanpa terganggu oleh hal lain.

Tentang peran Cezanne untuk seni abad ke-20

Karya awal Morandi biasanya dikaitkan dengan gerakan metafisik, yang penting bagi seni Italia pada awal abad ke-20. Di masa mudanya, Morandi bekerja dengan semangat kreativitas dan kreativitas, namun ia segera mulai mencari jalannya sendiri. Karya-karya periode awal pada pameran di Pushkinsky diwakili oleh tiga lukisan.

Pada awal abad ke-20, seni lukis untuk pertama kalinya tidak hanya mengalami krisis sementara, tetapi juga kehilangan perannya sebagai seni utama Italia, yang bahasanya terbentuk pada pergantian abad ke-13 dan ke-14. Hal ini didasarkan pada literatur - termasuk nama-nama besar seperti Dante Alighieri dan Francesco Petrarca. Sejak abad ke-18, seni rupa di Italia mendapat peran publik yang besar. Pada abad ke-19, tongkat estafet diserahkan, dan opera menjadi seni nasional utama.

Titik balik seni rupa terjadi berkat ditemukannya seni lukis Perancis - Poussin, Courbet, Gericault dan Cezanne yang membentuk satu garis. Tokoh kunci sepanjang abad ke-20 adalah Cezanne, dialah yang menunjukkan bahwa impresionisme sudah ketinggalan zaman. Kaum Impresionis berhasil menerjemahkan kehidupan ke dalam bahasa lukisan yang murni dan puitis, tetapi pada saat yang sama mereka mereduksi lukisan menjadi sensasi sesaat, menghancurkan fondasinya. Cezanne mampu kembali ke dasar-dasar seni lukis klasik.

Giorgio Morandi di bengkel. Sekitar tahun 1950

Tentang jalur seni rupa Italia pada awal abad terakhir

Pada awal abad ke-20, seniman Italia mulai menemukan Cezanne dan orang Prancis lainnya. Majalah mulai bermunculan di negara ini, menceritakan tentang tren baru dalam seni dan menerbitkan reproduksi Perancis. Selain itu, pelukis Perancis menghadiri Venice Biennale - Morandi juga bertemu mereka di sana, yang sepanjang hidupnya hampir tidak pernah bepergian ke mana pun kecuali Swiss Italia. Bahkan ke Roma dari rumahnya di Bologna, tempat dia terus-menerus tinggal dan bekerja, dia pergi hanya untuk melihat Caravaggio dan Pietro della Francesca - karya klasik lainnya - Botticelli, Raphael - tidak terlalu membuatnya bergairah.

Cezanne membantu orang Italia menemukan karya klasik mereka sendiri dan melihat nilai absolut dalam Renaisans Italia. Carra dan de Chirico mengikuti jalan ini, meskipun untuk jalan terakhir hal itu tidak begitu jelas. Beberapa karya Carra sangat mengingatkan Pietro della Francesca - seniman teladan abad ke-15 Italia, yang lukisannya berfokus pada plastisitas, komposisi, dan ruang. Bagi para inovator generasi pertama dan kedua Renaisans, perspektif dan konstruksi jangka panjang sangatlah penting: inilah cara mereka mencari jalur baru dalam seni.

Giorgio Morandi. Bunga-bunga. 1918. Minyak di atas kanvas. Koleksi Pribadi

Tentang esensi lukisan Italia

Untuk memahami esensi seni Morandi, Anda perlu memahami makna peralihan orang Italia ke asal usul mereka sendiri di abad ke-20. Sejak zaman Renaisans dan seterusnya, masalah utama yang mengkhawatirkan para pelukis Italia adalah interaksi ruang dan bentuk plastik. Itu diselesaikan secara berbeda di sekolah yang berbeda - seperti masalah matematika. Keputusan yang berbeda membentuk bahasa yang berbeda dan struktur kiasan yang berbeda.

Giotto adalah orang pertama yang mengemukakan masalah bentuk. Setiap karyanya, dalam arti tertentu, mewakili sebuah bingkai dalam ruang, di dalamnya angka-angka itu ditempatkan . Berbeda dengan seni Bizantium dengan perwujudannya, figur Giotto memiliki volume seperti patung. Sebelum Giotto, ikon lebih merupakan tanda dan simbol; dalam lukisan-lukisan ini tidak ada tindakan dan seolah-olah tidak ada dunia di sekitarnya. Dan dramaturgi muncul dalam karya Giotto. Ia tidak hanya menampilkan alur ceritanya, tetapi juga seolah-olah mengubah apa yang terjadi menjadi teater. Beginilah cara orang Italia berhasil membuat lukisan - sebuah seni abadi - hidup dalam waktu.

Masalah bentuk juga menjadi indikasi benda mati Italia. Caravaggio menguraikan masalah ini dengan cara baru: tidak seperti Giotto, dia tidak mendeskripsikan ruang secara detail, tetapi hanya dapat menguraikan latar belakang dengan bidang dan menempatkan benda tiga dimensi di dalamnya. Caravaggio memiliki lukisan manifesto "Keranjang buah" , dimana sebenarnya tidak ada ruang, tidak ada meja. Sebaliknya, hanya tepi samping yang digariskan, tetapi muncul ilusi bahwa ruang ini ada: karena Caravaggio menekankannya dengan bayangan.

Tentu saja seni bukan hanya tentang bentuk, tetapi meremehkan pentingnya bentuk adalah salah. Memahami plastisitas bentuk merupakan masalah utama seni rupa Eropa secara keseluruhan. Penting untuk diketahui bahwa di luar Italia, pemahaman plastik belum bisa dipahami secara mendalam. Dalam seni lukis Jerman dan Perancis, misalnya, masalah bentuk mungkin sama sekali tidak ada. Banyak seniman dunia yang gagal membangun hubungan spasial ini dalam lukisannya. Mungkin inilah kekhasan pemikiran orang Italia.

Giorgio Morandi. Masih hidup. 1958. Minyak di atas kanvas. Koleksi pribadi, Turin

Tentang makna still life bagi Morandi

Dalam wawancara tahun 1953, Morandi menekankan pentingnya momen dia menemukan Cézanne. Terlebih lagi, Cezanne-lah yang pertama kali memulai setelah kaum Impresionis masih hidup . Di antara kaum Impresionis, hanya Renoir yang mempelajari sedikit benda mati, meskipun ia tidak terlalu memperhatikannya. Situasi ini bukan suatu kebetulan: still life merupakan sebuah latihan dengan bentuk spasial tanpa plot, dimana plot tidak menaungi lukisan. Dan bagi Morandi, hakikat seni lukis justru pada bentuk.

Beginilah cara Morandi berkembang dalam sejarah seni rupa abad ke-20: ia mengikuti arah yang digariskan oleh Cezanne, beralih ke karya klasik nasionalnya, misalnya Pietro della Francesca, dan lebih memilih benda mati daripada lanskap (tidak seperti Cezanne , yang justru sebaliknya: pemandangannya lebih menarik baginya). Morandi melihat benda mati sebagai ruang murni dan bentuk murni. Sementara banyak seniman di awal abad ke-20 beralih ke formalisme dan abstraksi murni, Morandi, di antara mereka, menemukan jalannya sendiri, mengikuti bahasa kiasan.

Morandi mengatakan, ia hanya mengenal seni demi seni, bukan demi politik, demi bahasa, dan sebagainya. Dia memilih seni figuratif, dan karena itu seolah-olah dia sedang menggambarkan dunia sehari-hari. Faktanya, dunia biasa ini tidak menarik minatnya. Kita tahu bagaimana dia mengumpulkan komposisi untuk lukisannya: dia menutupi bejana dan vas porselen anggunnya dengan plester dan tempera, dan mengecatnya dengan warna berbeda. Jadi dia menjauh dari makna sehari-hari dan menyederhanakannya.

Giorgio Morandi. Masih hidup. 1941. Minyak di atas kanvas

Tentang kesopanan Morandi

Seni menipu karena kemiripannya dengan dunia di sekitar kita. Dalam hal ini, musik tampaknya lebih mudah untuk dipahami: musik telah mempersiapkan kita terlebih dahulu untuk abstraksi, menawarkan dunia suara yang murni. Morandi seolah menciptakan komposisi musik dari lukisannya berdasarkan interaksi ritme dan bentuk, sehingga menyampaikan visi hidupnya. Tampaknya sepanjang hidupnya dia menulis hal yang sama, tetapi dengan cara yang sangat berbeda.

Karya seni Morandi mencerminkan semua peristiwa yang terjadi di dunia selama hidupnya. Karena kecintaannya pada pengasingan, dia dipanggil biksu di selnya. Pada saat yang sama, biksu dari selnya berpartisipasi dalam Perang Dunia Pertama, melewati era fasisme, dan Perang Dunia Kedua. Saat dia memperjuangkan kemandirian kreatifnya, dia harus menjalani kehidupan yang bermasalah. Morandi tidak pernah menulis untuk mendapatkan uang dan hidup sangat sederhana. Dia bekerja sangat lambat, hanya menciptakan beberapa karya dalam setahun. Suatu hari Antonioni datang ke studionya untuk membeli lukisan darinya, alhasil sinematografer hebat itu tidak punya apa-apa - Morandi mengatakan tidak ada yang dijual.

Pada abad ke-20, seni menjadi sangat aktif - tidak hanya selama periode totalitarianisme, ketika banyak seniman di Italia menjadi kolaborator, namun juga dalam arti yang lebih kompleks - seni berkembang pesat, dan banyak seniman dipengaruhi oleh berbagai gaya dan gerakan. . Morandi berhasil menjaga kemurnian gayanya dan tidak melakukan kompromi. Pada awal karirnya ia sempat dikaitkan dengan metafisika, namun setelah itu ia tidak mengalami pengaruh apapun dari seniman atau kelompok seni lain sepanjang hidupnya. Dalam pengertian ini, Morandi bukanlah Picasso.

Redaksi mengucapkan terima kasih kepada kurator Museum Pushkin atas bantuannya dalam mempersiapkan materi.

Dalam menjelaskan perbedaan antara “melihat” dan “melihat”, seniman dan penulis drama Tonino Guerra mengutip contoh bangku besi tua. Semua orang bisa melihatnya, tapi tidak semua orang bisa melihat kesepian orang-orang yang duduk di atasnya dan memandangi mobil-mobil yang lewat. Seniman Italia Giorgio Morandi tahu cara melihat. Ia percaya bahwa bahkan “dalam subjek yang tampak paling sederhana sekalipun, seorang seniman sejati dapat mencapai puncak seni rupa.”

Tampaknya botol dan vas yang sama selama bertahun-tahun. Namun betapa segarnya cara hidup yang merdu ini terdengar. Dia menciptakan puisi kehidupan sehari-hari, itulah yang mereka katakan tentang dia. Dia memperhatikan musik dalam kehidupan sehari-hari, dan kesembronoan karyanya yang menipu menyembunyikan keterampilan yang luar biasa dari mata yang penasaran. Kompleksitas terselubung dari Giorgio Morandi dipamerkan mulai minggu ini di Museum Seni Rupa Negara Bagian Pushkin. Laporan oleh Stanislav Dore.

Tokoh utama dan model favorit Giorgio Morandi adalah vas, kendi, toples dan cangkir yang dibawa dari bengkel seniman. Lukisan alam benda (still life) selalu menjadi genre favoritnya; ia lebih sedikit melukis pemandangan alam dan sangat jarang melukis potret, terutama dirinya sendiri. Morandi tidak begitu dikenal masyarakat umum; banyak yang mungkin menganggap karyanya sederhana, bahkan tidak ekspresif. Tapi ini hanya permukaannya saja. Bagi orang-orang yang berkecimpung dalam dunia seni, seniman adalah standar, contoh langka tentang kemurnian dan kejelasan, kehalusan dan kedalaman.

“Sungguh perasaan yang memesona, luar biasa, dan menyenangkan ketika Anda dapat merasakannya dan melihat semua pergerakannya, bagaimana satu warna berganti warna, bagaimana semuanya berubah dengan cara yang paling tidak terlihat,” komentar Marina Loshak, direktur The Museum Seni Rupa Negara Pushkin.

Ungkapan umum “Seni demi seni” adalah tentang Giorgio Morandi. Tidak ada konsep filosofis, subteks, simbol atau metafora dalam karya-karyanya. Baginya yang terpenting adalah bahasa plastis, keinginan untuk menembus hakikat suatu benda dan benda, untuk menunjuk dan menonjolkan bentuk.

"Lukisannya selalu merupakan sintesa ruang dan bentuk, tapi jika kita melihatnya, kita akan mengerti bahwa dia tidak menggambarkan ruang apa pun. Dia menggambarkan ruang melalui objek, dan orang Italia juga punya ini. Kita bisa mengingat banyak hal ketika kedalaman dicapai melalui suatu objek.” , kata kurator pameran Victoria Markova.

Seluruh bagian pameran didedikasikan untuk bunga, dan karena alasan tertentu Morandi tidak mengklasifikasikan karya-karya ini sebagai benda mati. Baginya itu adalah arah yang terpisah, seluruh dunia untuk kontemplasi dan pembelajaran.

"Morandi mengabstraksi dari kenyataan. Dalam karyanya, karangan bunga lebih kecil dari vas, dan vas itu sendiri lebih seperti kolom atau semacam badan geometris tempat bunga-bunga larut," kata kurator pameran Maria Cristina Bandera.

Ngomong-ngomong, Morandi tidak pernah melukis bunga segar, melainkan bunga kering atau dibuat dari kertas dan sutra, menurut tradisi aliran seni lukis Bolognese abad ke-18.

Pameran ini juga menampilkan warisan grafis penulis - lukisannya pada seng dan tembaga. Morandi dianggap sebagai salah satu ahli ukiran Eropa terbaik. Dia dibandingkan dengan Rembrandt. Ngomong-ngomong, sang master adalah seorang profesor di Akademi Seni Rupa Bologna selama seperempat abad, tempat dia mengajar ukiran.

Morandi adalah orang yang sederhana dan tertutup. Ketenaran dan perhatian tidak membuatnya tertarik, malah membuatnya stres. Dia menghindari masyarakat sekuler. Dia menolak wawancara. Dia belum menikah, dia menjalani seluruh hidupnya bersama saudara perempuannya. Saya baru beberapa kali ke luar negeri. Sang seniman cukup senang dengan gaya hidup pertapa, apalagi ia membutuhkannya agar dengan merenung, bermeditasi dan memusatkan perhatian pada benda-benda sederhana, ia dapat menembus hakikatnya dan mentransformasikannya dari keseharian, keseharian menjadi benda magis dan mempesona.

Master Italia yang terkenal Giorgio Morandi(1890–1964), yang terkenal di seluruh dunia karena benda mati dan lanskapnya yang hampir monokrom dan tampak seperti dunia lain, kembali ke Moskow hampir empat puluh tahun kemudian. Pameran terakhirnya di Rusia berlangsung di sini, di Museum Pushkin im. A.S.Pushkina, pada tahun 1973, sembilan tahun setelah kematian seniman yang menghidupkan kembali kejayaan seni Bologna pada abad ke-20.

“Saya seorang seniman still life yang menyampaikan perasaan tenang dan kesendirian, suasana hati yang selalu saya hargai,”- Morandi berbicara tentang dirinya sendiri. Sang seniman sengaja memilih objek untuk lukisannya - vas, pot, dan botol transparan dan tembus cahaya, dengan fokus hanya pada keseimbangan komposisi.

Deretan lukisan seperti itu, tentu saja, bisa sangat membosankan - dan begitulah lukisan tersebut dipamerkan di kampung halamannya, di museum yang dinamai menurut namanya. Namun kurator Pushkinsky memilih format kronologis untuk retrospektif, yang berarti tidak akan membosankan: di tahun-tahun awalnya, Morandi aktif bereksperimen (persenjataannya saat itu mencakup berbagai gaya lukisan avant-garde), dan kemudian ia juga mempelajari ukiran .

Secara total, lebih dari sembilan puluh karya dari periode berbeda dipamerkan di Moskow - mulai dari lukisan dan ukiran hingga foto dan barang-barang pribadi seniman dari Museum Morandi di Bologna, Yayasan Florentine Roberto Longhi, dan koleksi pribadi.

"Masih hidup"
1941
Collezione Patrimonio Artistico Eni S.p.a.

"Masih hidup"
1958
Koleksi pribadi, Turin