Salah satu jenis seni rupa: patung plastik. Sarana ekspresif patung

Perkenalan

Patung adalah salah satu jenisnya seni visual.

Seperti seni lainnya, patung mencerminkan dunia nyata dalam gambar artistik, dan mencerminkannya dengan caranya sendiri, menggunakan cara dan metode khusus. Dalam seni pahat, seniman mengekspresikan dunia spiritual manusia dan gagasan tentang lingkungan, mewujudkan cita-cita estetikanya.

Seperti bentuk seni lainnya, patung memiliki kekhasan tersendiri, yang tercermin baik dalam isi maupun pilihan bahan dan sarana ekspresi.

Dunia patung itu beragam. Selama berabad-abad, pematung berbakat telah menciptakan karya mereka - patung, kelompok patung, patung.

Patung banyak digunakan dalam kehidupan sehari-hari disekitar kita.

Secara keseluruhan kota-kota besar Ada monumen yang didedikasikan untuk peristiwa sejarah paling penting, tokoh politik terkemuka, tokoh ilmu pengetahuan, seni dan sastra.

Banyak bangunan dihiasi dengan patung, air mancur dipasang di taman, kebun dan alun-alun, vas dekoratif, patung. Interior istana, klub, dan institusi juga sering dihiasi dengan gambar pahatan. Sulit menemukan keluarga yang rumahnya tidak memiliki patung atau ukiran yang terbuat dari kayu, tulang, atau batu.

Seni rupa, dan seni pahat khususnya, memberikan kesempatan kepada masyarakat untuk melakukannya usia yang berbeda dan profesi untuk meningkatkan cita rasa estetika, untuk lebih memahami kehidupan di sekitar mereka.

Apa arti kata "patung"?

Kata “patung” berasal dari bahasa Rusia dari bahasa latin yang artinya memotong, mengukir dari bahan padat atau dengan kata lain patung.

Seiring dengan istilah "patung", kata ini digunakan sebagai padanan kata "plastik", yang berasal dari kita bahasa Yunani dan menunjukkan pekerjaan di bahan lembut- pemodelan.

Pada mulanya dalam arti sempit, seni pahat dipahami sebagai memahat, mengukir, mencacah, mengukir, yaitu suatu cara untuk menciptakan suatu karya seni di mana senimannya menghilangkan, merobohkan potongan atau lapisan batu atau kayu yang berlebih. , mencoba seolah-olah melepaskan penjara yang tersembunyi dalam bentuk pahatan balok. Dengan plastik mereka memahami cara berlawanan dalam menciptakan karya pahatan - pemodelan dari tanah liat atau lilin, di mana pematung tidak mengurangi, tetapi, sebaliknya, menambah volume.

Munculnya kedua istilah ini ditentukan secara historis. Orang Yunani kuno, yang mengandalkan pengecoran berikutnya dari perunggu, biasanya memahat patung dari tanah liat dan oleh karena itu menggunakan istilah "plastik", sedangkan orang Romawi, yang sebagian besar memahat dari marmer, menyebut karya mereka "patung" (maka istilah "scarpel" ” atau “pisau bedah” " - pemotong pisau).

Seiring berjalannya waktu, kedua konsep ini digabungkan dalam kata patung.

Sarana ekspresif patung

Sarana ekspresi utama patung adalah bentuk volumetrik-plastik, tiga dimensi.

Melalui itulah isi karya seni pahat terungkap dan maksud pematung disampaikan kepada pemirsa.

· Irama sangat penting dalam seni pahat - ini adalah pengulangan motif yang sama. Irama tidak hanya berfungsi sebagai desain suatu objek, tetapi juga untuk mengekspresikan suasana hati dan gerakan tertentu.

· Cahaya dan bayangan berfungsi sebagai sarana untuk mengungkapkan esensi artistik dan plastik dari patung. Mereka terletak di permukaan sesuai dengan sifat pahatannya, serta lokasi sumber cahaya. Cahaya bisa buatan atau alami.

· Dalam desain artistik patung apa pun, alas sangat penting, yang batas-batasnya menentukan kerangka patung, seolah-olah memisahkan patung dari ruang nyata yang mengelilinginya. Alas harus sesuai tidak hanya dengan lingkungan arsitektural, tetapi juga dengan karakter dan gaya patung.

Keunikan patung dan orisinalitas isinya adalah sebagian besar menggambarkan seseorang.

Dalam gambaran orang itu sendiri pematung dapat mengungkapkan kehidupan masyarakat, karakter orang, suasana hati dan tindakan mereka. Seniman selalu menonjolkan kualitas manusia yang patut ditiru: kebaikan, keberanian, kecerdasan, kemurnian moral, dorongan kreatif.

Dalam hal ini, seni pahat dicirikan oleh serangkaian tema tertentu:

· Potret orang-orang sezaman atau tokoh-tokoh masa lalu;

· Komposisi bertema sehari-hari;

· Tokoh alegoris yang mempersonifikasikan konsep umum.

Alam dan lingkungan sekitar manusia tersampaikan dalam seni pahat hanya secara tidak langsung (tidak berlaku untuk relief pahatan).

Manusia topik utama patung, tapi bukan satu-satunya.

Seniman dan pematung dalam karyanya mencerminkan seluruh keragaman dunia di sekitar manusia. Misalnya, V.A. Vatagin mengabdikan seninya pada penggambaran binatang. Namun paling sering, gambar barang-barang rumah tangga dan mobil dalam patung tanaman bundar memainkan peran bawahan - ini merupakan tambahan pada gambar utama, desain dekoratif.

Jenis patung

Berdasarkan bentuknya, patung dibedakan menjadi dua jenis utama, yaitu patung bulat dan relief.

Patung bulat.

Jika gambar dapat dijalani, diperiksa dari segala sisi agar dapat lebih memahami isi gambar, maka patung seperti itu disebut bulat.

Patung bundar selalu dikaitkan dengan sesuatu yang tertentu lingkungan spasial, diterangi oleh cahaya buatan atau alami.

Jenis utama patung bundar:

· Patung;

· Sekelompok dua tokoh atau lebih yang saling berkaitan isi dan susunannya;

· Kepala;

· Bust (gambar seseorang sepanjang dada atau pinggang).

Prinsip komposisi pada patung bulat:

· Keringkasan yang ekstrim;

· Seleksi ketat dan pelestarian hanya detail dan hal-hal khusus tersebut, yang tanpanya makna karya tidak akan jelas. Michelangelo percaya bahwa patung terbaik adalah patung yang, ketika diturunkan dari lereng gunung, akan terguling dan tetap tidak terluka.

Peranan relief sebagai salah satu jenis patung sangatlah penting. Dia punya sejarah kuno, kemungkinan artistik yang luar biasa, memiliki ciri khas tersendiri.

Relief (dari bahasa Italia - tonjolan, tonjolan) adalah gambar pahatan pada bidang datar, terlihat jelas dari satu sisi.

Relief, seperti patung bundar, memiliki tiga dimensi (walaupun dimensi ketiga, dalam, sering kali disingkat dan bersyarat). Komposisi figur-figur dalam relief terbentang di sepanjang bidang, yang berfungsi sebagai dasar teknis gambar dan sekaligus sebagai latar belakang yang memungkinkan seseorang mereproduksi lanskap dan pemandangan multi-figur dalam relief. Kaitannya dengan pesawat merupakan ciri khas relief tersebut.

Reliefnya memiliki dua jenis: relief dasar dan relief tinggi.

Relief dasar adalah relief yang gambarnya menonjol di atas bidang kurang dari setengah volumenya.

Relief tinggi adalah relief yang gambarnya menonjol lebih dari separuh volumenya.

Terkadang reliefnya bervolume penuh dan hanya menyentuh latar belakang dengan detail individual. Oleh karena itu, relief dasar kadang-kadang disebut relief rendah, dan relief tinggi disebut relief tinggi.

Bersama lega cembung Ada variasi lain - relief mendalam, atau relief balasan. Jenis relief ini mendekati gambar grafis; hal ini biasa terjadi di Mesir Kuno, namun sekarang sudah jarang.

Salah satu jenis relief adalah “relief klasik”, yang mengacu pada patung monumental dan dekoratif (ciri seni kuno dan klasisisme). Itu selalu dikaitkan dengan struktur arsitektur dan mengungkapkan desain bangunan. Relief klasik biasanya terletak pada latar belakang yang halus. Gambaran pada relief ini diberikan nyaris tanpa potongan perspektif dan mendekati prinsip relief dasar. Dalam relief seperti itu, peran visual utama dimainkan oleh siluet. “Relief klasik” tidak merusak bidang dinding, namun tampak menyebar sejajar dengan latar belakang.

“Relief indah” tidak ada hubungannya dengan arsitektur, tugasnya mendekati lukisan bergambar, mempunyai beberapa denah, dan menciptakan ilusi ruang yang masuk jauh ke dalam interior. Gambar di latar depan lebih besar dan lebih cembung dibandingkan gambar di latar belakang

Latar belakangnya adalah gambar lanskap atau interior, yang dibangun secara perspektif. Kedalaman dan sifat ilusi dari relief tersebut tampaknya menghancurkan bidang dinding. Sebagai karya mandiri yang tidak berhubungan dengan arsitektur, dapat ditempatkan di interior apapun, seperti lukisan. Relief ini merupakan karya kuda-kuda.

Menurut tujuannya, karya seni pahat adalah:

· Monumental;

· Dekoratif dan monumental;

· kuda-kuda.

Masing-masing bagian ini mempunyai ciri khasnya masing-masing.

Patung monumental.

Patung monumental termasuk monumen kenangan yang luar biasa kejadian bersejarah, pahlawan. Ini dimaksudkan untuk mendekorasi alun-alun, taman, besar bangunan umum. Karya-karya monumental harus digeneralisasikan konsep dan bentuk seninya.

Ciri-ciri patung monumental:

· Didesain untuk persepsi massa, mereka selalu menarik khalayak luas;

· Mereka mempromosikan acara sosial yang penting dan sering kali mewujudkan serta menegaskan citra positif pada masanya. Mereka mengabadikan orang-orang yang menjadi terkenal secara universal;

· Mereka dibedakan berdasarkan ukurannya yang besar (biasanya dua atau tiga ukuran alami);

· Bahan tahan lama digunakan.

Fungsi patung monumental:

· Ideologis;

· Arsitektur dan artistik.

Pose, gerak tubuh, geraknya harus diselesaikan secara komposisi sedemikian rupa agar isinya dapat dimengerti. Pengrajin sebuah monumen monumental harus mampu memposisikan sosoknya dengan benar, membuat siluetnya ekspresif dan indah dari segala sisi. Selain itu, harus proporsional dan proporsional, serta harus mewakili sebuah karya seni yang utuh. Memang, selain muatan ideologisnya, monumen tersebut juga memiliki fungsi arsitektural dan artistik.

Dalam desain ideologis dan artistik setiap monumen, peran tumpuan sangatlah penting. Alas harus sesuai dengan lingkungan arsitektural, karakter, gaya dan skala monumen secara keseluruhan. Seringkali ujung-ujungnya dihiasi dengan relief yang menerangi lebih penuh makna historis peristiwa atau kegiatan pahlawan.

Sebuah monumen dapat menjadi pusat semantik dan komposisi sebuah kota atau bagian penting darinya.

Bagian khusus dari patung monumental adalah patung peringatan.

Patung monumental dan dekoratif.

Berkaitan erat dengan arsitektur dan mencakup segala jenis hiasan pahatan bangunan baik di dalam maupun di luar: patung dan kelompok pada fasad bangunan, pada relung atau di depan portal, relief. Ini memecahkan masalah ideologis yang besar, mengembangkan dan menjelaskan gagasan dan tujuan struktur, dan pada saat yang sama meningkatkan suara bentuk arsitektur.

Patung lanskap juga termasuk patung monumental dan dekoratif: patung, patung, air mancur, vas dekoratif.

Patung ini dikaitkan dengan lanskap taman dan selaras dengan latar belakang hijau atau warna dedaunan musim gugur.

Patung kuda-kuda.

Disebut patung kuda-kuda karena dipasang pada mesin atau dudukan, dan ditujukan untuk pameran, museum, tempat umum dan perumahan. Ini adalah potret pahatan, figur, kelompok pahatan, komposisi pada berbagai tema.

Fitur patung kuda-kuda:

· Patung kuda-kuda dilihat dari jarak dekat, terlepas dari lingkungannya;

· Objek yang digambarkan dalam patung kuda-kuda hampir selalu sesuai dengan dimensi aslinya (sedikit lebih kecil atau sedikit lebih besar dari aslinya);

· Patung kuda-kuda tidak dikaitkan dengan ansambel arsitektur artistik, perkotaan, atau taman apa pun;

· Dia dicirikan oleh karakterisasi gambar yang beragam secara psikologis dan kekayaan bentuk.

· Patung kuda-kuda sangat beragam isinya. Ini mencakup berbagai mata pelajaran.

Patung kuda-kuda menuntut pemirsanya untuk berhenti lama di depannya, terjun ke dunia perasaan, pengalaman dan karakter, seolah-olah sedang membaca cerita yang menarik.

Salah satu jenis patung kuda-kuda adalah patung bentuk kecil(seni massal). Ini adalah patung-patung kecil yang terbuat dari besi cor, perunggu, porselen, kaca, faience, terakota, plastik, batu, kayu, tulang, logam, yang menggambarkan manusia dan hewan. Patung berbentuk kecil mengandung ciri-ciri dekoratif, karena dimaksudkan terutama untuk menghiasi kehidupan seseorang, rumahnya.

Hal ini terutama berlaku untuk karya yang terbuat dari porselen dan gerabah, yang biasanya diwarnai warna yang berbeda, jadi ekspresi mereka tidak hanya diciptakan oleh volume, tetapi juga oleh warna.

Karena sifatnya seni multi-sirkulasi, yaitu karya senimannya kemudian diulang-ulang dalam ribuan eksemplar, patung bentuk-bentuk kecil berbatasan dengan seni terapan.

Bidang seni terapan sangat luas dan seni pahat digunakan di sini di banyak bagian. Patung hias kecil karya seniman rakyat modern juga dapat digolongkan sebagai patung bentuk kecil.

Warna dan bahan

Sifat patung, pilihan sarana visual dan material terutama bergantung pada tujuan penciptaan karya tersebut. Persoalan penting dan kompleks adalah pemilihan bahan pembuatan patung, hubungan bahan dengan isi dan bentuk.

Patung dibuat dari bahan yang berbeda:

· keras - batu, kayu, logam;

· plastik - terakota, kaca.

Saat membuat sebuah karya pahatan, sang master memikirkannya dalam bahan tertentu. Bahan dengan kualitasnya membawa corak tertentu ke dalam karakteristik gambar. Misalnya, perunggu lebih baik menyampaikan kegagahan militer, dan marmer, yang kaya akan corak dan tampak bercahaya, menyampaikan kelembutan dan keanggunan. Jadi, para empu kuno paling sering memilih marmer untuk patung mereka. Butir halus, kepadatan, kedekatan nada dan warna dengan tubuh manusia menjadikan marmer paling cocok untuk menggambarkan tubuh telanjang, kekuatan, keindahan, dan kelenturannya. Seniman binatang V.A. Vatagin sering menggunakan kayu sebagai bahan pembuatan pahatannya, karena menganggapnya sebagai bahan hidup dan hangat yang mencerminkan plastisitas hewan dan tekstur bulunya dengan baik.

Saat memilih bahan untuk sebuah monumen, penting untuk mempertimbangkan komposisi yang diinginkan, serta kondisi geografis di mana monumen tersebut dimaksudkan. Misalnya, batu memiliki ciri kokoh dan sederhana, dan lebih cocok untuk garis lintang selatan, di mana terdapat banyak cahaya dan sinar matahari; perunggu, yang digunakan di mana-mana, lebih nyaman untuk komposisi bebas dan membantu menciptakan siluet yang indah, tetapi detail bentuk intra-siluet lebih sulit dilihat pada perunggu, karena hal ini terhambat oleh kegelapan nadanya.

Hampir semua patung zaman modern (kecuali porselen dan majolica) dibuat dalam satu warna:

· Berwarna sama - plester berwarna, perunggu yang dipatenkan;

· Warna alami bahan pembuatannya adalah marmer, kayu, granit.

Namun orang Yunani kuno melukis karya pahatan mereka dengan warna lokal. Di Roma kuno, kombinasi marmer putih dan berwarna, kayu berlapis emas, dan marmer dapat ditemukan, meskipun patung Romawi sudah menjadi monokromatik. Dalam patung kayu, pewarnaan digunakan pada Abad Pertengahan, Renaisans, dan Barok.

Dengan demikian, bahan dengan sifat, warna, kekuatan, berat, dan sifat-sifat lainnya merupakan salah satu sarana artistik dan visual seni pahat yang membantu mengungkap makna ideologis sebuah karya realistik.

Bagaimana sebuah karya patung tercipta

Penciptaan sebuah karya seni pahat merupakan proses kompleks yang membutuhkan kekuatan kreatif yang intens, urutan yang jelas dalam karya, serta pengamatan dan kajian yang terus-menerus terhadap kehidupan di sekitar tempat seniman menggambar tema dan gambar.

Pada awalnya, sang seniman membuat banyak sketsa karya masa depannya. Dalam sketsa dia paling banyak mencari solusi yang benar topik yang paling baik mengungkapkan pemikirannya sesuai dengan tujuan, tempat dan bahan karya yang akan datang

Untuk mewujudkan rencananya, pematung memilih beberapa bahan keras yang tahan terhadap pengaruh destruktif waktu. Namun untuk tahap awal pengerjaan, mereka menggunakan bahan plastik dan kental (tanah liat, lilin, plastisin), yang bisa diserahkan secara bebas ke tangan pengrajin.

Pertama, pematung membuat sketsa kecil dari plastisin atau tanah liat yang menyampaikan ide aslinya. Dia kemudian mereproduksi sketsa ini di tanah liat dengan ukuran lebih besar dan menyempurnakannya lebih lanjut. Patung besar yang terbuat dari tanah liat dibuat pada bingkai yang dipasang pada mesin - tripod dengan papan berputar.

Sebuah plester, yang disebut “cetakan hitam”, terdiri dari 2 atau beberapa bagian, dikeluarkan dari patung asli yang terbuat dari tanah liat. Model plester asli dalam hal ini hancur, karena ketika cetakan dilepaskan, tanah liat harus dikeluarkan darinya. Reproduksi model gips yang tepat kemudian dimasukkan ke dalam cetakan, yang disebut “cetakan”. Ketika dilepaskan, cetakannya terbelah dan dengan demikian “cetakan hitam” itu sendiri hancur. Jika Anda perlu membuat beberapa salinan plester, maka cetakan kedua, yang disebut "cetakan potongan" dikeluarkan dari cetakan yang dihasilkan.

Pecah menjadi banyak bagian. Ditempatkan dalam casing (yang menyatukan semua bagian menjadi ban biasa), “cetakan bagian” memungkinkan untuk mencetak dan menuang spesimen berikutnya dari plester, beton, plastik atau logam apa pun.

Proses yang sangat rumit dan panjang adalah pengecoran suatu karya pahatan dari logam. Logam perunggu, tembaga, besi tuang, seng, perak, dll. mereproduksi karya pahatan hanya jika logam tersebut sendiri dibawa ke dalam keadaan cair. Pertama-tama dicairkan dan kemudian dituangkan ke dalam cetakan.

Logam juga dapat diproses secara dingin - dengan cara menempa, mengejar, yaitu merobohkan relief dengan pukulan palu dari dalam pada lembaran logam. Koin dikenal kembali Yunani kuno. Jadi, patung Athena Parthenos karya Phidias terbuat dari lembaran emas tempaan yang melambangkan pakaian, dan pelat gading yang melambangkan tubuh dewi. Pelat-pelat ini dipasang pada bingkai kayu.

Batu (granit, marmer, batu kapur, batu pasir) dan kayu diolah dengan cara dipotong, diukir, dipahat, yaitu menghilangkan bagian-bagian yang “ekstra” dan “membebaskan” bentuk artistik yang terdapat di dalam balok. Saat mengolah batu, pematung menggunakan berbagai instrumen: dengan lidah dan alur, sekop, scarpel, bor dan palu - palu besi.

Patung keramik dibuat dari berbagai tanah liat dan dibakar dalam tungku pembakaran khusus Majolica, porselen dan gerabah dilapisi dengan cat, glasir warna-warni atau tidak berwarna sebelum dibakar dan juga dibakar. Porselen putih tanpa glasir dengan permukaan matte adalah “biskuit”.

Penciptaan sebuah karya seni pahat memerlukan pengeluaran tenaga kreatif, dana, bahan dan keterampilan yang sangat besar tidak hanya dari penciptanya sendiri, tetapi juga para pembuat dan pengecoran marmer. Arsitek, penggali, pekerja tukang batu dan banyak lainnya juga berpartisipasi dalam pembuatan monumen.

Sejarah perkembangan seni patung

Patung berasal dari masyarakat primitif. Primitif lukisan dan ukiran gambar binatang, burung, dan pemandangan berburu di bebatuan, erat kaitannya dengan pekerjaan dan kehidupan nenek moyang kita yang jauh, menghiasi perkakas dan perkakas berburu. DI DALAM negara lain dan Rusia, ditemukan patung-patung yang menggambarkan wanita - "Venus Paleolitik" (5-10 cm).

Ciri-ciri keibuan ditekankan - payudara, perut, pinggul.

Proporsi umum disampaikan dengan relatif benar.

kurus, tangan kecil terlipat di dada, fitur wajah tidak berfungsi.

Seni patung sudah ada dalam bentuk perkembangannya di Mesir kuno. Terlepas dari kenyataan bahwa patung Mesir terkait erat dengan kultus akhirat, dalam gambar firaun dan bangsawan dan terutama pekerja biasa - petani, pengrajin, budak - ciri-ciri realisme dan vitalitas yang mendalam muncul melalui bentuk kanonik yang skema.

Ciri-ciri patung Mesir kuno:

· Syarat utamanya adalah kesamaan eksternal dan individualisasi.

· Geometrisasi.

· Canon (wajah dan kaki di profil, mata dan dada di depan)

· Besar kecilnya patung tergantung status sosial.

· Monumentalitas, gigantomania.

Patung juru tulis Kaya, patung Khafre, Pangeran Rahotep dan Putri Nofret.

Seni Mesir kuno mengalami perkembangan dan kebangkitan khusus selama periode “Amarna”, yang merupakan semacam kebangkitan. Tahap ini ditandai dengan pembebasan dari kanon-kanon lama dan dominasi budaya sekuler atas budaya imam. Hal ini menyebabkan munculnya genre baru potret pahatan, yang dijiwai dengan perasaan manusiawi yang hidup, lirik dan kehangatan gambar, penyimpangan dari geometriisasi.

Tiga potret Ratu Nefertiti. Potret bersifat realistis, individual, dan berkarakter. Kamar, adegan intim. Firaun bersama keluarganya. bengkel Thutmes.

Realisme dalam seni pahat mencapai masa kejayaannya yang cemerlang di era Kuno. Dalam gambar atlet, dewa dan pahlawan mitologi, Phidias, Myron, Polykleitos, dan pematung Yunani lainnya mengungkapkan gagasan masyarakat kontemporer mereka tentang orang yang cantik dan berkembang secara harmonis. Patung bulat dan relief dikembangkan.

Tema adalah gambaran dewa, gambaran orang cantik ideal.

Fungsi seni pahat bersifat estetis, didaktik (edukasi). Gambar pahatan adalah contoh untuk diikuti, oleh karena itu atlet, negarawan, orang bijak, dan mereka yang membawa kejayaan kota tiang digambarkan.

Ciri-ciri patung Yunani:

· Gambarnya sempurna. Orang Yunani tidak memahami manusia sebagai pribadi, oleh karena itu gambar-gambar itu dilambangkan;

· Gambaran para atlet memperlihatkan tubuh yang indah, tubuh yang indah merupakan cerminan keindahan jiwa (in tubuh yang indah semangat yang indah);

· Gambaran harmoni - keindahan internal dan eksternal.

Selama periode kuno - kouros dan kora (pengaruh kanon Mesir).

Myron “Discobolus” adalah perwakilan dari karya klasik awal. Dalam patung periode ini, “kekakuan” kuno diatasi, pose kompleks, sudut berani, dan gerakan lebar muncul. Seorang inovator yang cerdas, Miron tidak hanya menyampaikan gerakan, tetapi juga transisi dari satu tahap gerakan ke tahap lainnya (dia menghentikan gerakan).

Perwakilan dari karya klasik tinggi adalah Polykleitos dan Phidias. Gambar-gambar tersebut dibedakan oleh keagungan heroik, monumentalitas, dan harmoni.

Phidias. Masa kejayaan karyanya terjadi pada masa pemerintahan Pericles (Zaman Pericles) dan dikaitkan dengan pembangunan Acropolis Athena. "Amazon yang Terluka" Dekorasi patung Parthenon.

Periode Klasik Akhir adalah kemunduran kebudayaan Yunani. Terjadi perubahan sikap terhadap manusia dan dunia, manusia dipahami sebagai penderita yang kompleks, gelisah. Objek perhatian menjadi dunia batin orang. Perwakilan - Scopas, Lissipus, Praxiteles. Seni mereka lebih dramatis, lebih mendalam secara psikologis. Tema penderitaan dan gambaran orang jelek muncul.

Skopas memperkenalkan motif penderitaan, gairah, dan dorongan perjuangan ke dalam seni. "Maenad".

Praxiteles. Dia tertarik dengan keindahan halus tubuh wanita dengan aliran volume, dan terkenal karena kelembutan pahatan dan keterampilannya. “Satyr yang Beristirahat”, “Aphrodite dari Cnidus”, “Amazon yang Terluka”.

Lysippos, ahli terakhir dari karya klasik akhir, memecahkan masalah dalam mengungkap dunia batin pengalaman manusia. "Apokyomen."

DI DALAM Roma kuno Patung potret sedang ditingkatkan secara khusus. Pematung Romawi menciptakan karakteristik individual yang jelas dari orang-orang sezamannya.

Temanya adalah gambar dewa dan kaisar.

Keunikannya adalah karakter potret, cerminan dunia batin seseorang.

· Patung upacara kaisar. "Monumen Berkuda untuk Marcus Aurelius" Monumen berkuda pertama yang masih menjadi model. "Agustus di Armor."

· Potret patung kaisar.

Asal usul potret dikaitkan dengan tradisi melepas topeng lilin dari orang mati (topeng memiliki makna ritual - melindungi rumah) Potret dari masa republik dibedakan berdasarkan fiksasi protokolnya.

Selama masa kekaisaran, seni beralih dari rekaman dokumenter ke penciptaan gambar (Neuron, Caligula).

Relief pahatan dikembangkan menjadi struktur kemenangan: lengkungan, kolom, yang mewujudkan gagasan tak terkalahkan dan kemenangan Kekaisaran Romawi.

Kolom Trajan. Tinggi 28 meter, terbuat dari marmer, berdiri di atas alas tiang, ditutupi pita relief spiral sebanyak 22 gulungan (200 m), Trajan muncul sebanyak 90 kali. Cerita. Di ruang bawah tanah ada guci berisi abu Trajan.

Lengkungan Titus. Bagian dalamnya dihiasi relief yang menggambarkan kampanye Titus dan pasukannya. Memuji tulisan di lengkungan.

Pada Abad Pertengahan, seni bersifat kanonik, religius, dan anonim. Patung berada di bawah arsitektur. Ini memadukan motif alkitabiah, pagan dan eksotis serta gaya binatang. Seniman berusaha menyampaikan dunia surgawi.

Fitur patung abad pertengahan:

· Sifat umum dari gambar, proporsi yang salah, postur kaku;

· Narasi adalah kitab suci bagi mereka yang buta huruf;

· Detil.

Pada masa Renaisans, seni patung mengalami kebangkitan besar baru. Karya-karya pahatan tersebut mewujudkan cita-cita sipil dari masyarakat borjuis yang masih muda dan sedang berkembang, dan perjuangan untuk pembebasan pribadi manusia dari kuk feodalisme menemukan ekspresinya. Di alun-alun kota di Italia, monumen berkuda didirikan untuk apa yang disebut condottieri - pembela kota.

Tema utama seni Renaisans adalah citra manusia. Melalui mata pelajaran agama tercermin cita-cita seseorang - harmonis, kuat, dalam berbagai emosi.

Cita-cita Renaisans:

· Kebangkitan budaya kuno (ketertarikan pada manusia). Cita-cita pribadi yang harmonis kembali hadir.

· Minat khusus pada seni jaman dahulu (patung dan arsitektur).

· Humanisme adalah pengakuan terhadap nilai manusia sebagai individu, dan kriteria segala sesuatu di dunia. Subjek utama pemahaman adalah manusia. Cita-cita manusia tidak bergantung pada status sosial, kecerdasan, pendidikan, aktivitas, dan kreativitas dihargai. Seseorang harus menyadari dirinya sendiri, maka dia adalah pribadi. Mirandola berkata: “Jika Anda bukan seorang filsuf, Anda bukanlah seorang manusia.” Hakikat manusia adalah menciptakan dirinya sendiri, takdirnya.

· Antroposentrisme. Pria di tengah. Mereka tidak mengingkari Tuhan, namun mereka menempatkan manusia di samping Tuhan, memberinya hak untuk mencipta.

Patung Renaisans, dibandingkan dengan patung kuno, mengungkap dunia batin seseorang lebih dalam.

Karya Michelangelo, pematung terhebat Italia, indah dan tragis.

"David" adalah cita-cita Renaisans. Gambar seorang pria - seorang pejuang, skala besar (5 meter), ketelanjangan pahlawan - keindahan tubuh, pemuda digambarkan sebelum pertarungan, terkonsentrasi.

Michelangelo bekerja di perbatasan antara Renaisans Tinggi dan Akhir. Michelangelo periode akhir - sarkofagus, Musa. Wajah terdistorsi. Gambar-gambarnya monumental, megah, kuat semangatnya.

Prinsip-prinsip Barok menerima ekspresi penuh dan konsisten dalam seni pahat abad ke-17. Terkait erat dengan arsitektur dan tujuan ideologis dan artistiknya, patung memperoleh nilai yang besar dalam mendekorasi interior dan fasad gereja, istana, vila, dan ansambel berkebun. Patung, batu nisan, altar, air mancur dan plesteran dekoratif Mereka benar-benar membanjiri ansambel arsitektur dengan kelimpahannya dan merupakan bagian integral darinya. Paus dan bangsawan tertinggi, sebagai pelanggan utama, seringkali menentukan tema dan isi ideologis dari patung tersebut, yang digunakan untuk tujuan propaganda agama dan pemuliaan gereja dan kaum bangsawan.

Tema favorit dalam seni pahat pada masa itu adalah penggambaran orang-orang kudus, pemandangan ajaib, potret upacara, dan makam yang megah.

Fitur patung Barok:

· Konflik pengungkapan citra manusia;

· Keinginan untuk meningkatkan emosi;

· Pendalaman ekspresi psikologis gambar berupa ekspresi berlebihan dan eksternal, berbatasan dengan efek naturalistik;

· Sosok-sosok tersebut digambarkan dalam tikungan tajam, gerakan cepat, wajah mereka terdistorsi oleh seringai amarah, kesakitan, dan kegembiraan.

Seperti arsitektur, karya patung Barok dibedakan berdasarkan kekayaan jangkauan spasialnya dan dirancang untuk berbagai sudut pandang. Patung yang termasuk dalam ruang arsitektur ansambel kehilangan independensinya.

Perwakilan terkemuka seni Barok adalah Lorenzo Bernini.

"David". Bernini menggambarkan David siap berbalik dan melempar batu. Pemilihan alur ini memungkinkan pengarang menampilkan sosok dalam tikungan tajam, dalam pose tegang. Wajah dengan bibir yang digigit dengan marah dan alis yang dirajut sangat individual (kata mereka ini adalah potret seorang penulis muda).

Prinsip Barok paling konsisten terwujud dalam altar pahatan, yang dalam penciptaannya Bernini tidak ada bandingannya. Kelompok altarnya “Ekstasi St. Teresa" (Gereja Roma Santa Maria della Vittoria) telah menjadi semacam contoh patung Barok. Ekstasi disampaikan dengan keyakinan akan peristiwa nyata dan sekaligus keajaiban mistik. Teresa yang terkulai tak berdaya, dengan kepala terlempar ke belakang, bersandar pada awan marmer. Tangisan manis keluar dari bibirnya, kelopak matanya setengah tertutup. Lipatan jubah biaranya bergerak-gerak. Penderitaan dan kesenangan, mistis dan erotis, menyatu menjadi satu. Bernini menempatkan kelompoknya di ceruk yang dalam dengan latar belakang sinar keemasan. Cahaya yang jatuh dari jendela melalui kaca kuning menerangi sosok itu dengan lembut. Berkat efek pencahayaan dan pengolahan marmer yang luar biasa, sosok-sosok tersebut tampak mengambang di bukaan dinding. "St. Teresa" adalah contoh pendekatan bergambar, yang menjadi asal mula orisinalitas cara plastik Bernini.

Patung Rusia

Sejak dahulu kala, baik arsitektur ukiran kayu maupun dekorasi barang-barang rumah tangga dengan dekorasi ukiran telah berkembang pesat di Rus. Di Rus' pagan, berhala ditempatkan di tengah kuil, dibuat secara skematis dari batu, kayu, dan terkadang dari logam. Setelah pembaptisan Rus, seperti di Byzantium, patung tidak diperbolehkan di gereja-gereja Kristen. Hanya relief pahatan yang menjadi terkenal.

Seni plastik Rusia baru berkembang pada paruh pertama abad ke-18. Perkembangan yang buruk disebabkan oleh:

· Tidak ada tradisi atau aliran yang signifikan;

· Dipengaruhi oleh larangan terbatas Gereja ortodok pengembangan patung Rusia kuno.

Prestasi awal abad ke-18 dikaitkan dengan patung dekoratif, dekorasi istana dan bangunan lainnya, patung kayu rakyat.

Transformasi negara dan budaya terpenting yang terjadi di bawah Peter the Great membuka peluang bagi perkembangan seni pahat Rusia. Saat ini, ada minat yang besar terhadap patung bundar dan patung potret.

Tanpa menunggu personelnya terbentuk, Peter memberi perintah untuk membeli patung antik dan karya patung modern di luar negeri. Dengan bantuannya, “Venus Tauride” diperoleh (sekarang di Pertapaan) Berbagai patung dan komposisi patung untuk istana dan taman St. Petersburg, Taman Musim Panas, pematung asing diundang.

Yang paling menonjol di antara mereka adalah Carlo Bartolomeo Rastrelli (1675-1744), yang datang ke Rusia pada tahun 1716 dan tinggal di sini sampai akhir hayatnya. Karyanya di Rusia sangat luas dan beragam. Dia berpartisipasi dalam penciptaan banyak kompleks dekoratif dan pahatan, termasuk dekorasi St. Petersburg Grand Cascade.

Dia terutama dikenal sebagai penulis patung indah Peter the Great, dieksekusi dan dibuat dari perunggu. Saat Peter masih hidup, pematung melepas topengnya dan kemudian membuat patung lilin Peter. Gambar yang dibuat dibedakan oleh realismenya dalam menyampaikan fitur potret, sekaligus kekhidmatannya yang luar biasa. Penampilan Peter jelas menekankan kecerdasan, kemauan, dan energi yang tak tergoyahkan; ia tampil sebagai negarawan dengan kehebatan yang luar biasa.

Selama bertahun-tahun, Rastrelli mengerjakan monumen berkuda Peter, yang dibangun setelah kematian penulisnya. Monumen ini didirikan di depan Kastil Mikhailovsky hanya di bawah Paul the First - pada tahun 1800. Pada saat yang sama, relief alas dibuat di bawah kepemimpinan M.I.Kozlovsky. Monumen ini dibedakan oleh bentuknya yang singkat dan kekuatannya yang sangat kuat. Keunikan solusi Rastrelli dirasakan dalam gaya monumen yang terkendali dan keras, makna gambar Petrus yang ditekankan tanpa kemegahan yang berlebihan, serta dalam orientasi spasial monumen yang megah.

Sebuah karya penting Rastrelli adalah potret Anna Ivanovna dengan perunggu hitam arapchenko (1741). Kelompok yang khusyuk dan monumental ini sekilas dianggap seremonial, tetapi pada saat yang sama, dengan kejujuran dan ekspresi individu yang tajam, kelompok ini menggambarkan wajah Anna yang tidak menarik. Pengungkapan citra Permaisuri yang obyektif dan jujur ​​secara historis. Apa yang mencolok dalam karya ini adalah, di satu sisi, kejujuran pelukis potret yang tak tertandingi, dan di sisi lain, kemegahan keputusan dan monumentalisasi gambar yang luar biasa. Sangat berat, mengenakan jubah dan mantel yang berharga, sosok permaisuri dianggap lebih mengesankan dan mengancam di samping sosok kecil anak laki-laki Hitam Putih.

Rastrelli adalah seorang master khas Eropa Barat pada akhir Barok. Namun dalam kondisi Peter's Russia, sisi realistis dari bakatnya mendapat perkembangan terbesar.

Pada paruh kedua abad ke-18, patung Rusia mendapat tempat menonjol di antara bentuk seni lainnya. Ini adalah masa perkembangan seni potret yang tinggi. Patung dan potret payudara dikembangkan secara luas sebagai spesies independen patung.

Fyodor Ivanovich Shubin - ahli potret pahatan realistis (1740-1805). Sebagai seorang pemuda, ia pergi ke St. Petersburg, di mana Lomonosov memperhatikan kemampuannya. Dengan bantuannya, Shubin ditugaskan ke Akademi Seni, dan setelah lulus ia menerima hak untuk bepergian ke luar negeri (Paris, Roma). Kembali ke Sankt Peterburg pada tahun 1773, Shubin membuat patung patung Golitsyn dari plester, yang mengagungkan nama penulis muda tersebut. Potret tersebut menciptakan kembali gambaran khas seorang perwakilan aristokrasi tertinggi di era Catherine. Untuk patung Catherine yang Kedua, Shubin terpilih sebagai akademisi. Dia dibombardir dengan perintah. Salah satu periode paling bermanfaat dalam karya sang master dimulai. Patung Panina dekat dengan Golitsyn - gambaran seorang bangsawan, tetapi lelah, kenyang. Shubin mampu menciptakan citra seseorang dalam banyak aspek, beragam, yang memungkinkan untuk menembus lebih dalam esensi model dan memahami psikologi orang yang digambarkan. Ia tahu cara menangkap ekspresi wajah seseorang dengan tajam dan akurat, menyampaikan ekspresi wajah, pandangan sekilas, dan menoleh. Sang master mengungkapkan berbagai corak ekspresi wajah dari sudut pandang yang berbeda, membuat seseorang merasakan sifat baik atau kekejaman yang dingin, kekakuan atau kesederhanaan, kepuasan batin atau kekosongan kepuasan diri seseorang. Shubin dengan ahli menggambarkan kekaguman dan kehangatan wajah manusia, dan juga dengan meyakinkan menggambarkan aksesori: kain ringan dan berat, bulu, renda, pesanan.

Namun, hal utama baginya selalu tetap - wajah manusia, gambar, karakter. Selama bertahun-tahun, Shubin menyampaikan karakteristik psikologis dari gambar tersebut lebih dalam. Karya yang paling mencolok adalah patung Paul 1 (1790). Di dalamnya, kejujuran yang berani berbatasan dengan hal yang aneh. Patung Lomonosov dipenuhi dengan kehangatan manusia.

Sebagai pelukis potret, Shubin juga bekerja di bidang seni pahat lainnya, menciptakan patung alegoris dan relief monumental dan dekoratif untuk interior Peterhof. (Patung perunggu Pandora).

Kreativitas Shubin terjadi pada masa perkembangan gaya klasik dalam seni. Hal ini tercermin dari warisan kreatif sang pematung, yang menguraikan kecenderungan realistik yang berani dalam potretnya dan sekaligus berperan sebagai seorang klasik yang tegas dalam pengembangan subjek sejarah.

Pada paruh kedua abad ke-18, salah satu master Prancis terkemuka, Etienne Maurice Falconet (1716-1791), bekerja di Rusia, yang memiliki pengaruh signifikan terhadap perkembangan seni pahat Rusia. Tujuan kunjungannya ke Rusia adalah untuk membuat monumen berkuda untuk Peter the Great, tempat ia bekerja selama 12 tahun. Hasil kerja bertahun-tahun adalah salah satu monumen paling terkenal di dunia.

Jika Rastrelli dalam monumennya untuk Peter menampilkan pahlawannya sebagai seorang kaisar - tangguh dan berkuasa, maka Falcone fokus untuk menciptakan kembali citra Peter sebagai perwakilan terbesar pada masanya, seorang negarawan yang berani dan berani.

Peter dihadirkan pada saat lepas landas dengan cepat ke atas batu - balok batu alami, yang dipahat seperti gelombang laut besar yang naik. Menghentikan kudanya dengan kecepatan penuh, Peter meregangkan tubuh ke depan tangan kanan. Tergantung pada sudut pandangnya, sikap Petrus ini melambangkan ketidakfleksibelan yang keras, atau perintah yang bijaksana, atau kedamaian yang tenang.

· Integritas dan kesempurnaan plastis;

· Kesegaran dan orisinalitas konsep;

· Ekspresifitas dan isi gambar;

· Hubungan organik yang kuat antara sosok penunggang kuda dan tumpuan;

· Pemahaman yang sangat baik tentang penataan ruang monumen.

Semua keunggulan ini menjadikan kreasi Falconet sebagai mahakarya patung monumental yang sesungguhnya.

Tren klasik seni pahat monumental dikembangkan lebih lanjut dalam karya Mikhail Ivanovich Kozlovsky (1753-1802). Seorang pemuda sezaman dengan Shubin mengabadikan namanya dengan sebuah monumen untuk A.V.Suvorov, komandan besar Rusia. Ini adalah salah satu monumen terbaik di Rusia pada abad ke-18 dan ke-19.

Pematung menganggap tugasnya bukan hanya membuat patung potret, tetapi juga gambaran umum dari komandan terkenal. Awalnya dia menginginkannya dalam bentuk pahlawan kuno, tapi hasilnya adalah sosok yang penuh gerakan dan energi, sosok yang gesit dan ringan berlari ke depan dengan keberanian dan kecepatan yang tak tergoyahkan.

· Solusi spasial yang bagus

· Karakteristik lengkap

· Keanggunan dan ringan

· Koneksi dengan alas.

Pematung berhasil membuat monumen kejayaan militer rakyat Rusia yang tak pernah padam. Monumen Suvorov, di mana citra ideal pahlawan nasional diberikan dengan kekuatan luar biasa, termasuk dalam pencapaian klasisisme paling sempurna dalam seni pahat Rusia. Monumen ini dapat dilihat di St. Petersburg di Lapangan Mars.

Kelompok “Samson Merobek Mulut Singa” juga penting dalam warisan patung Kozlovsky. Sosok Samson yang perkasa, yang mempersonifikasikan kekuatan senjata Rusia yang luar biasa, disampaikan dalam gerakan yang kuat, citranya dekat dengan patung kuno Hercules dan ciptaan raksasa Michelangelo. Singa, yang mulutnya dicabik-cabik Samson, melambangkan Swedia dikalahkan oleh Rusia. Jadi, melalui alegori, pematung bernyanyi kemenangan gemilang tentara dalam negeri.

Prinsip sintesis seni diterapkan dalam seni pahat Rusia pada paruh kedua abad ke-18. Jika patung sebelumnya menempati posisi bawahan dalam kaitannya dengan arsitektur, maka patung itu sebagian besar merupakan tambahan padanya. Selanjutnya, para pematung tidak hanya “menghias” bangunan dengan kelompok plastik, figur individu dan garis-garis relief, tetapi melalui bahasa artistik mereka melanjutkan dan mengembangkan ide-ide yang menentukan esensi dari gambar arsitektur.

Peristiwa perang tahun 1818 telah menentukan tema kepahlawanan dan perayaan nasional dalam patung monumental dalam rangka kemenangan atas musuh. Sebuah pencapaian penting awal abad ke-19 dalam bidang sintesis seni pahat dan arsitektur.

Ahli patung monumental dan dekoratif pada akhir abad ke-18 - awal abad ke-19 F.F. Shchedrin, S.S. Pimenov, P.K. Klodt menghiasi jalan-jalan kota dan struktur arsitektur St. kemenangan senjata Rusia selama Perang Patriotik tahun 1812. (Gedung Staf Umum, Institut Pertambangan, Angkatan Laut).

Pematung terkenal lainnya pada periode yang sama, IP Martos, adalah penulis monumen pembebas Moskow Kozma Minin dan Dmitry Pozharsky yang berdiri di Lapangan Merah. Minin, sambil mengarahkan tangannya ke Moskow dan menyerukan keselamatan tanah air, menyerahkan pedang tempur kepada Pozharsky. Menyandarkan tangannya pada perisai, Pozharsky bangkit dari tempat tidurnya, tempat ia berbaring setelah cedera. Pematung berhasil menyampaikan ketahanan batin yang luar biasa dari kedua pahlawan dan tekad mereka yang tak tergoyahkan untuk mempertahankan tanah air mereka.

Pematung B.I.Orlovsky membuat monumen untuk komandan Rusia, pemenang Napoleon, Kutuzov.

Pada paruh kedua abad ke-19, ketika prinsip-prinsip demokrasi realisme diterapkan dalam seni Rusia, pematung E. A. Lansere F. F. Kamensky mulai menggambarkan kehidupan masyarakat biasa dan menciptakan pemandangan sehari-hari dari kehidupan petani. Pematung adalah realis zaman baru, beralih ke kehidupan rakyat, mencapai kekuatan yang besar dalam mengungkapkan kontradiksi sosial pada zamannya.

Ciri-ciri patung paruh kedua abad ke-19:

· Semakin dekat dengan kehidupan nyata;

· Penggunaan tema rakyat;

· Keinginan untuk mengabadikan citra tokoh-tokoh progresif sejarah Rusia;

· Persetujuan nilai-nilai etika baru.

Pematung realis yang paling konsisten dan yakin adalah Mark Matveevich Antokolsky (1843-1902).

Gambar tokoh sejarah Rusia Yaroslav the Wise, Ivan the Terrible, Peter the Great, yang diciptakan oleh MM Antokolsky, pematung terbesar saat ini, memukau dengan ekspresi psikologis, kedalaman karakter, dan realismenya.

SAYA. Wali mengabadikan namanya dengan monumen A.S. Pushkin, didirikan pada tahun 1880 di Moskow. Dia memiliki patung Peter the Great, monumen M.Yu. Lermontov di Pyatigorsk.

Dengan demikian, karya patung terbaik menjalankan peran mulia dalam menyebarkan ide-ide patriotik, memuliakan putra-putra agung tanah air mereka, dan menghiasi kota-kota.

Pada akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20, perkembangan lebih lanjut dari tren realistis progresif diamati dalam seni pahat Rusia. Dari semua genre, potret berkembang paling sukses. Akademi Seni terus memainkan peran penting, tempat para master seperti S. M. Volnukhin, P. P. bekerja. Trubetskoy, S.T. Konenkov, N.A. Andreev, A.S. Golubkina.

Pada bulan-bulan pertama revolusi, sesuai dengan rencana propaganda monumental yang dikembangkan, monumen-monumen yang tidak memiliki kepentingan sejarah maupun artistik (seperti yang diyakini) disingkirkan dan monumen-monumen mulai dibuat (patung patung, prasasti, plakat peringatan ) kepada para pahlawan revolusi, tokoh masyarakat, serta ilmuwan, penulis, penyair, seniman, komposer.

Monumen pertama berbeda dalam interpretasi gambar dan bentuk: dari tradisional hingga formalistik, potret hingga simbolik umum.

Pada tahun 1917, persatuan kreatif pematung dan seniman dibentuk, dan S.T. Konenkov menjadi ketua pertamanya.

Karya-karya yang terinspirasi oleh romansa revolusioner diciptakan pada tahun 20-an oleh Ivan Dmitrievich Shadr (1887-1941). Penabur.

Salah satu karya klasik patung Soviet adalah karyanya “Cobblestone - senjata proletariat.” Itu dilakukan dalam tradisi terbaik seni dunia dan Rusia, ditutupi dengan kesedihan zaman kita.

Pada tahun 1926, Perkumpulan Pematung Rusia (ORS, berdiri hingga tahun 1932) dibentuk, yang mencakup para master dari berbagai sekolah seni: A. Golubkina, N. Andreev, I. Shadr, V. Mukhina dan banyak lainnya. Mereka dipersatukan oleh ketertarikan pada modernitas.

Pada tahun 30-an, di semua jenis dan genre seni pahat - dalam potret, komposisi patung, relief - kecenderungan ke arah idealisasi alam menjadi nyata.

Ahli patung Soviet terkemuka adalah Vera Ignatievna Mukhina (1889-1953). Dia menempuh pendidikan di Paris. Sepanjang karyanya dia tetap setia pada tradisi klasik.

Yang sangat penting bagi perkembangan patung monumental modern adalah partisipasi Uni Soviet dalam pameran internasional “Seni, Teknologi, dan kehidupan modern, dipentaskan di Paris pada tahun 1937. Pembangunan paviliun Soviet diakhiri dengan tiang raksasa, setinggi 33 meter, yang dimahkotai kelompok patung V. Mukhina “Pekerja dan Wanita Petani Kolektif”.

Selama periode ini, kerja aktif Sergei Konenkov terus berlanjut. Potret Dostoevsky, banyak potret.

Pada tahun 1930-an, seni pahat binatang berkembang secara menarik. Pematung hewan V. Vatagin dengan sempurna mengungkapkan karakteristik dan psikologi hewan, ia bekerja pada kayu dan perunggu.

Sejak hari-hari pertama Yang Hebat Perang Patriotik pematung bekerja secara aktif dan berpartisipasi dalam pameran keliling. Dalam patung tahun-tahun perang, prioritas genre potret terlihat jelas, pematung berusaha keras untuk menangkap citra sebenarnya dari seorang pahlawan perang. Pada saat ini, dalam potret pahatan, kepahlawanan yang ideal-jujur ​​dan luhur lebih diutamakan daripada yang konkrit secara individual. Selama perang, tidak mungkin membangun monumen, tetapi pada saat itulah ide-ide baru lahir.

Setelah perang, Evgeniy Viktorovich Vuchetich (1908-1974) menciptakan patung perunggu seorang prajurit setinggi 13 meter dengan seorang anak di satu tangan dan pedang diturunkan di tangan lainnya untuk peringatan megah “Prajurit-Pembebas Soviet” di Taman Treptower di Berlin.

Dalam patung tahun-tahun pascaperang, tempat utama ditempati oleh tugu peringatan (di pemakaman Piskarevsky) dan patung pahlawan perang, kompleks arsitektur dan pahatan yang didirikan di lokasi kamp kematian, untuk menghormati pertahanan heroik kota (Mamaev Kurgan).

Di semua tugu peringatan, sesuai dengan rencana dan bakat senimannya, dikembangkan masalah sintesis dan hubungan antara seni pahat dan arsitektur.

Patung peringatan memiliki konsep gaya yang berbeda:

· Gambar simbolis;

· Abstrak secara skematis;

· Ekspresif-tegang.

Pada tahun 1960-80an, tempat yang signifikan di patung modern mengambil tema ruang. Patung taman hias mendapat perkembangan orisinal. Patung itu keluar lagi udara terbuka, di ansambel kota, kebun, taman.

Pada usia 70, konsep ruang baru muncul” - ruang fisik dikonsep sebagai kategori estetika, setara dengan volume pahatan. Kesadaran akan peran ruang dalam pembentukan citra seni merupakan tahapan baru dalam perkembangan seni patung.

Seiring dengan jalur resmi perkembangan seni patung, arah nonkonformis berkembang pada tahun 1960-80an. Paling perwakilan yang cerdas"avant-garde kedua" dalam seni pahat - Ernst Iosifovich Neizvestny. Motif teknogenik “Robot dan Semi Robot”.

Monumen yang merupakan monumen 3 generasi ini terletak di alun-alun “50th Anniversary of October”, di tengah kota Plast. Penulis monumen tersebut adalah N.I. Kondratiev, monumen ini dibangun untuk menghormati peringatan 50 tahun Revolusi Sosialis Oktober Besar.

Tugu ini terdiri dari tiga buah figur, ukuran 7,5x5,5, material beton dengan kepingan granit.

Untuk memperingati 30 tahun Kemenangan tahun 1975, monumen dipugar, tatanan marmer diukir, tangga marmer dibuat, tulisan “Kenangan abadi di hati generasi mendatang”, Api abadi. Semua karya marmer dilengkapi oleh pematung kota Plast VK Zabaluev.

Kesimpulan

Oleh karena itu, seni pahat sebagai bentuk seni memainkan peran penting dalam kehidupan kita. Dia melakukan berbagai tugas, mempromosikan ide-ide besar, pemikiran dan perasaan yang kompleks. Seperti bentuk seni lainnya, patung memiliki kekhasan tersendiri, yang tercermin baik dalam isi maupun dalam pemilihan bahan dan sarana ekspresi.

Khususnya titik kuat patung adalah ia dapat mengekspresikan cita-cita heroik pada masanya dalam gambaran yang paling umum dan monumental. Bukan suatu kebetulan bahwa masa kejayaan seni pahat bertepatan dengan era sejarah ketika pentingnya warga negara meningkat tinggi dan tugas utama seni adalah menciptakan citra heroik yang positif.

Kesenian ini merupakan salah satu dari sekian banyak bentuk ekspresi kesadaran sosial. Mencerminkan kenyataan, itu membentuk kesadaran dan gagasan kita tentang kecantikan. Belajar memahaminya dan memperluas wawasan Anda di bidang ini adalah suatu kebahagiaan yang luar biasa.

patung Rusia baik-baik saja

Daftar literatur

1.Alexandrov V.N. “Sejarah Seni Rusia”, Publikasi referensi. Minsk “Panen”, 2007.

2.Vatagin V. “Gambar binatang”, M. 1957.

.Golubkina A. “Beberapa kata tentang kerajinan patung”, M1963.

.Ioganson B.V. "Sekolah Seni Rupa". tutorial, Edisi 1. Moskow, “Seni Rupa” 1986.

.Ioganson B.V. "Sekolah Seni Rupa". Buku Teks, Edisi 2. Moskow, “Seni Rupa”, 1986.

.Ioganson B.V. "Sekolah Seni Rupa". tutorial,

Edisi 3. Moskow, “Seni Rupa”, 1986.

7.Lyubimov L.D. "Seni Rusia kuno" "Pencerahan", 1981.

8.Lyubimov L.D. "Seni dunia kuno" Astel, 2003.

.Lyubimov L.D. "Seni Eropa Barat". Astel, 2003.

.Odnoralov N. "Patung dan bahan pahatan." M., 1983

.Sokolov V. “Memodelkan sosok” M., 1962.

.Untuk artis muda. Panduan praktis dalam seni rupa. Bagian "Patung". M., 1963.

Memperkenalkan anak pada patung kecil

2. Analisis program modern untuk membesarkan anak di bagian memperkenalkan karya seni kepada anak-anak prasekolah: patung bentuk kecil (“Masa Kecil”, “Pelangi”, “Program pendidikan dan pelatihan di taman kanak-kanak”)

Definisi istilah “patung” yang ditemukan di berbagai publikasi referensi cukup mirip. Hampir selalu, kadang-kadang dengan sengaja, berbagai penulis membandingkan istilah "plastik" dan "patung", yang masing-masing berasal dari kata Yunani plastike - pemodelan dan dari bahasa Latin sculptore - untuk memahat, mengukir. Namun dalam bahasa modern, konsep “plastik” mempunyai penafsiran yang cukup luas, sedangkan untuk “patung” dianggap bersama dengan seni lukis, grafis dan arsitektur sebagai suatu bentuk seni. Tampaknya lebih tepat jika membicarakan modeling dan sculpting sebagai cara mewujudkan konsep artistik dalam bentuk pahatan.

Patung adalah salah satu yang tertua, paling dekat dengan manusia, dan sekaligus salah satu fenomena artistik yang paling sulit untuk dianalisis.

Patung tidak memiliki banyak hal yang membuat lukisan atau ilustrasi buku menjadi “menghibur”, “menarik” bagi orang yang belum tercerahkan, padahal dirasa cukup untuk memahami alur cerita dan melihat detailnya. Kemudian pemirsa ditarik ke dalam dunia gambar, muncul keinginan, sambil melihatnya, berpikir, mencoba memahami, menjawab pertanyaan: bagaimana? Mengapa? Patung itu sering kali membuat orang yang melihatnya acuh tak acuh. Tidak hanya untuk memahami, tetapi juga untuk menarik perhatian seseorang memerlukan tingkat kesiapan dan keterampilan persepsi tertentu. Saat ini, monumen terkenal St. Petersburg, yang telah menjadi simbolnya, jarang menahan orang yang lewat yang terburu-buru di jalanan. Garis besar umum monumen, yang dapat dikenali sejak masa kanak-kanak, tetap ada dalam ingatan, tetapi seberapa sering Anda dapat melihat seseorang melihat monumen A.V. Suvorov, karya M.I. Kozlovsky? Bahkan para pelancong pun biasanya mendengarkan cerita tentangnya sambil memandang ke luar jendela bus. Siapa yang ingat relief apa saja yang ditempatkan pada alas Pilar Alexandria atau monumen Nicholas I? Namun lingkungan perkotaan tidak dapat dibayangkan tanpa karya-karya ini.

Dalam sebuah pameran museum, jarang juga terlihat pengunjung yang mengamati dengan cermat sebuah patung, mencoba melihatnya dari berbagai sudut. Namun patung itulah yang diulurkan tangan untuk disentuh dan dirasakan. Baik di museum dalam maupun luar negeri, patung paling banyak menimbulkan masalah bagi kurator. Cara memoles

kami memiliki banyak sentuhan monumen perunggu< скульптуры в парках! Дети всегда стремятся залезть на скульптурт изображения львов, стерегущих наш город. Не вдаваясь в рассужде^ ния о неприкосновенности памятников, отметим лишь сам факт есте ственного, органического стремления человека потрогать скульптуру руками, ощутить ее плоть. Одни подавляют в себе это желание, гие - нет, но какое удовольствие получают студенты в фонде скульп­туры музея, когда им разрешается взять в руки литую бронзовую hj гальванопластическую вещь, сравнить ее с другой по весу, по мате­риалу. Еще в документах русской православной церкви XVII века, ка­сающихся запрета скульптурных изображений в храмах, звучит четкс подмеченная особенность: «осязательство их рождается».

Patung itu secara organik dekat dengan manusia. Mainan pertama anak itu banyak sekali. Berhala orang-orang kuno dan jimat-jimat yang tergantung di leher mereka sangat banyak. Ingat mitos tentang penciptaan manusia yang dipahat dari tanah liat, atau tentang Pygmalion yang jatuh cinta pada karyanya.

Diketahui bahwa gagasan mistik dan keagamaan pertama manusia diwujudkan dalam bentuk materi. Sifat magis* terlihat pada pohon, batu, batu. Objek-objek ini dipilih dari seluruh dunia objektif karena sifat-sifat khusus yang melekat pada objek tersebut. bentuk awalnya, tidak biasa dan mengejutkan, atau menimbulkan rangkaian asosiasi tertentu sehubungan dengan fenomena dan peristiwa alam yang luar biasa dalam kehidupan suatu suku atau salah satu anggotanya | baru, dan juga karena kemiripan bentuk alam tak bergerak dengan | suatu bentuk kehidupan - oleh manusia itu sendiri, bagian dari tubuhnya, dengan seekor binatang.] Hal yang sangat mirip terjadi pada kita saat ini, ketika dari petualangan yang jauh kita membawa serta kerikil yang telah menarik perhatian kita, dan kita menjaganya. itu, kadang malah lupa, apa yang membuat kita tertarik padanya] pada awalnya.

Jika kita melihat pada mereka yang masih hidup Monumen kuno seni, maka menjadi jelas bahwa pengolahan utamanya adalah pra-; adalah upaya untuk mengidentifikasi kualitas-kualitas yang melekat pada diri mereka secara alami dan dilihat oleh seniman primitif. Beginilah cara para ahli kerajinan dari akar pohon sekarang bekerja, menghilangkan kelebihan, memperlihatkan bentuk alami di mana mereka dapat melihat sesuatu yang menyerupai manusia, burung, atau naga dalam dongeng. Banyak yang sama! jalur seorang master profesional yang sangat memahami dan merasakan kemungkinan materi. Proses kreativitasnya lebih dalam, jauh lebih kompleks, tetapi mempertinggi persepsi bentuk, yang dikembangkan oleh keterampilan dan pengetahuan profesional, pada pergantian sejarah baru: memungkinkan dia untuk mewujudkan ide-idenya, gambaran awal, mengembangkan rencananya, tunduk pada a rasa kesatuan yang alami dan organik dengan dunia bentuk-bentuk alami, ketika materi itu sendiri menentukannya 224

hukum. Sebagai analogi, kita dapat mengingat contoh-contoh dari bidang fiksi - pernyataan banyak penulis bahwa pahlawan mereka, yang diciptakan atas kehendak penulis, mulai melakukan tindakan yang tidak menuruti keinginannya. Begitu pula dalam seni pahat, terkadang sebuah fragmen yang ditambahkan pada satu bagian komposisi memerlukan penambahan pada bagian lain. Kebetulan tekstur kayu, yang terungkap selama pengerjaan, menentukan kebutuhan untuk menghilangkan sesuatu atau melestarikan dan bahkan mengembangkan apa yang tampak berlebihan. Dalam seni pahat, hubungan antara pencipta dan karya sangatlah kompleks. Sebuah lukisan, bahkan lukisan batu primitif, adalah dunia ilusi yang bersyarat. Patung adalah realitas material tiga dimensi. Bukan suatu kebetulan bahwa ketika melihatnya, pemirsa pada berbagai tingkat kesadaran mereproduksinya dalam dirinya sendiri dan mengidentifikasikannya. Di K..N. Batyushkov memiliki baris berikut: “Inilah Apollo yang ilahi, dewa puisi yang menakjubkan! Melihat karya seni yang luar biasa ini, saya teringat kata-kata Winckelmann: “Saya melupakan alam semesta, memandang Apollo: Saya sendiri mengambil posisi paling mulia untuk merenungkannya dengan lebih bermartabat.” (Batyushkov K..N. Prosa Terpilih. M., 1987.Hal.104).

Manusia adalah subjek utama gambar dalam seni pahat. Meskipun kebinatangan dan ornamen telah berkembang cukup luas dalam bentuk seni ini, melalui manusia, bentuk, gerakan, pose, gerak tubuh, dan ekspresi wajah patung menyampaikan gagasan terluas tentang dunia; dari yang paling spesifik hingga yang paling abstrak. “Ini adalah inspirasi yang kuat,” tulis D. Diderot, “tetapi diam dan penuh rahasia.”

Masalah dalam mendeskripsikan, menjelaskan dan menafsirkan karya patung sudah muncul di era Purbakala, sehingga memunculkan genre ekphrasis tertentu dalam sastra Helenistik. Cukuplah untuk mengingat deskripsi “Bacchae” Skopas oleh Kallistratus: “Skopas membuat patung bacchante dari marmer Parian; dia bisa tampak hidup: batu itu, meskipun tetap menjadi batu yang sama, tampaknya melanggar hukum yang terkait dengan sifat matinya. Yang ada di depan mata kita sebenarnya hanyalah sebuah patung, namun seni tiruannya membuatnya seolah-olah memiliki kehidupan. Anda bisa melihat bagaimana batu ini, yang sifatnya keras, meniru kelembutan feminin, menjadi seolah-olah ringan, dan menyampaikan kepada kita citra feminin ketika sifat femininnya penuh dengan gerakan tajam. Karena kehilangan kemampuan untuk bergerak, di bawah tangan sang seniman ia belajar apa artinya berlari dalam tarian Bacchanalian dan menjadi gema Tuhan yang turun ke dalam tubuh seorang Bacchante.” (Kallistrat. Patung. L., 1936.Hal.136).

Dalam karya peneliti dalam negeri tahun 1960-1980an O. Voronova, V.V. Ermonskaya, M.Ya. Libmana, J-A. Matsulevich, I.M. Schmidt, ditujukan kepada pembaca umum dengan tujuan menanamkan

dia dasar-dasar pemahaman seni patung, sifat volumetrik-spasial patut dicatat sebagai kualitas terpenting yang membedakannya dengan jenis seni rupa lainnya.

Wajar jika pada zaman Purbakala sudah lahir mitos-mitos tentang patung animasi, sedangkan dalam kaitannya dengan seni lukis, cerita tentang ilusi optik tersebar luas; tentang burung yang terbang menuju buah anggur yang digambarkan oleh seniman, atau tentang upaya untuk menyingkirkan tirai yang dicat, dll.: bentuk material dalam patung mengambil alih kehidupan nyata, lukisan menciptakan ilusi kehidupan. Dan hal ini sangatlah wajar, karena ekspresi plastis bentuk pahatan yang memasuki lingkungan nyata sangat ditentukan oleh perubahan fisik yang terjadi di dalamnya. Budaya Renaisans memberi kita banyak contoh perdebatan tentang keunggulan jenis seni ini; para ahli teori abad 17-18 mengembangkan perdebatan tersebut, menyoroti aspek-aspek baru, dan dengan demikian mengungkap kualitas spesifik lukisan dan patung. Pada abad ke-19, seni grafis mengambil tempat di antara seni bebas, menyatukannya sekaligus menonjolkan ciri khas setiap jenis seni rupa. Sifat figuratiflah yang membuat patung mirip dengan lukisan dan grafik, tetapi untuk mengungkap tema dan plot dalam kerangka genre umum, mereka menggunakan bahasa yang berbeda, atau lebih tepatnya, dialek bahasa seni. Komposisi, pola, ritme, cahaya dan bayangan, tekstur, dll. terwujud dalam jenis yang berbeda seni rupa dengan cara yang berbeda-beda.

Jika pelukis dan seniman grafis menyampaikan cahaya dalam karyanya, yang merupakan sarana ekspresi terpenting bagi mereka, maka pematung dengan caranya sendiri menggunakan kemungkinan nyata cahaya untuk menciptakan sebuah karya seni: proses kreatifnya dikaitkan dengan perwujudan bukan ilusi, tetapi bentuk material. Warna adalah kualitas lukisan yang paling penting; warna juga terdapat dalam seni pahat, tetapi memiliki fungsi lain. Patung marmer antik, gambar kayu orang suci dalam seni Rusia kuno, dan patung lilin abad ke-18 dilukis. Warna tidak hanya memberi mereka karakteristik ilusi, “kehidupan”, tetapi juga berkontribusi pada persepsi mereka yang lebih luas.

Patung dapat dipatenkan, disepuh, dicat, memiliki warna yang melekat pada bahannya (kayu, tanah liat, lilin, plester, batu, logam), yang menentukan sifat bentuk artistik karya dan proses kreatifnya. penciptaan, namun ciri utama patung adalah sifat spasialnya, volumenya, yang membawanya lebih dekat ke arsitektur. Kita sering berbicara tentang patung, plastisitas bentuk arsitektur dan pada saat yang sama tentang sifat tektonik patung, subordinasinya terhadap hukum statika. Terakhir, interaksi seni pahat dan arsitektur, sintesanya memunculkan suatu citra seni baru, baik berupa figur maupun tumpuan, 226

monumen di lingkungan arsitektur, patung kuda-kuda di bagian dalam, ansambel peringatan, relief pada fasad bangunan, mascaron atau kolom ibu kota. Berinteraksi dengan arsitektur, patung tidak hanya memperkayanya secara plastis, tetapi juga memperkenalkan kualitas yang paling penting - figuratif, yang pada gilirannya memperoleh fitur tambahan untuk ekspresi sepenuhnya dari kualitas ini, yang berkembang dalam ruang dan waktu.

Kategori-kategori ini, yang paling penting untuk seni pahat, sangat dalam, bernilai banyak dan harus ditafsirkan pada tingkat yang berbeda. Misalnya, konsep “ruang”, yang merupakan syarat penting bagi keberadaan seni pahat, dipertimbangkan dalam berbagai aspek dalam analisis sejarah seni rupa: lingkungan, ruang arsitektur, interior tempat karya ditempatkan, tempat yang ditempati. oleh patung, zona yang mengelilingi monumen dan dibentuk olehnya, ruang ilusi yang digambarkan dalam patung, dll. Konsep “waktu” dalam seni pahat adalah tahapan sejarah penciptaannya; waktu, peristiwa atau pahlawan yang menjadi objek gambar; sejarah monumen; waktu yang dihabiskan oleh pemirsa pada persepsinya. Contoh khas yang memungkinkan seseorang untuk dengan jelas menunjukkan hubungan antara kategori "ruang" dan "waktu" dalam seni pahat adalah monumen Kutuzov dan Barclay de Tolly di depan Katedral Kazan. Masing-masing, jika dipertimbangkan secara independen, memberikan alasan untuk berbicara tentang bagaimana, dalam batas-batas alami tubuh manusia, volume pahatan, berkat logika menempatkan sosok di atas tumpuan, pose, gerak tubuh, tidak menyampaikan gerakan itu sendiri, tetapi potensinya, menundukkan zona spasial tertentu, mengasimilasi lingkungan, mewujudkannya. Untuk sebagian besar, "zona monumen" ditentukan oleh ukuran dan materialnya, yang teksturnya membentuk ruang mikronya sendiri - lapisan tertipis pada batas permukaan bentuk. Namun, monumen-monumen ini juga memiliki ruang makro karena karakter ansambelnya. Komposisi, letak pada alun-alun, dan latar belakang arsitektur secara signifikan memperluas batas dampak monumen hingga puluhan bahkan ratusan meter. Mereka dirasakan dan “dibaca” saat bergerak di sepanjang Nevsky Prospekt di kedua arah. Skala gambar dan jarak yang memisahkannya memungkinkan untuk secara bersamaan hanya melihat pose dan gerak tubuh karakter. Dalam situasi ini, hubungan komposisi tokoh-tokoh pada tataran analisis rinci hanya dapat dipahami secara spekulatif. Monumen hanya dapat dilihat secara individual, berpindah dari satu ke yang lain, bergerak dalam ruang dan waktu.

Tidak hanya awal dan akhir, tetapi juga banyak aspek lain dari suatu fenomena
niya, interpretasinya yang bercabang dua, jadi ciri khas romansa Rusia
adalah- 227

tisme, perpaduan antara prinsip heroik, dinamis, memotivasi yang diungkapkan dalam patung Kutuzov, dan kelengkapan aksi, yang ditekankan oleh posisi tongkat dan seluruh setting sosok Barclay de Tolly - inilah yang mendasarinya. konstruksi gambar pahatan pelengkap ini. Setelah secara organik memasuki ansambel arsitektur, monumen-monumen tersebut memberinya makna sebuah peringatan, mengubah karakteristik spatio-temporalnya. Bukan kebetulan bahwa dalam kesadaran modern sehari-hari ada gagasan tentang Katedral Kazan sebagai monumen yang didirikan untuk menghormati kemenangan dalam Perang tahun 1812.

Kami hanya menyentuh aspek-aspek tertentu dari masalah “ruang dan waktu dalam seni pahat”. Dalam sistem kedua kategori utama ini, terdapat banyak faktor yang saling berinteraksi yang dapat mempengaruhi pembentukan citra artistik suatu karya patung dan menyesuaikannya pada berbagai tahapan proses kreatif seniman dan persepsi penonton.

Monumen yang sama dipersepsikan secara berbeda oleh orang yang sama tergantung pada waktu, sifat pencahayaan, jarak, transparansi udara, arus lalu lintas, belum lagi suasana hati penontonnya, keadaan jiwanya. Banyak fitur persepsi monumen kota yang diperhitungkan oleh pematung Rusia pada akhir abad ke-18 - awal XIX abad, membawa model monumen ke tempat yang ditentukan untuk memperjelas detail individu, hubungan proporsional antara gambar dan alas, dan warna patina perunggu. Para ahli teori seni pada masa itu juga menulis tentang ini: I.I. Vien, P.P. Chekalevsky dan lain-lain Saat ini, masalah-masalah ini dipelajari oleh para spesialis di berbagai bidang: eksperimen dan perhitungan yang relevan dilakukan. Misalnya, diketahui bahwa sifat persepsi bentuk volumetrik patung bergantung pada intensitas cahaya. Pada hari berawan, warna-warna tersebut menjadi halus secara visual; kelembaban tinggi dan kabut “menghitamkan” dan “memutihkan” patung. Salju, yang memantulkan lebih dari 90% cahaya, juga secara visual merusak fitur plastik monumen tersebut.

Dan betapa sulitnya memotret karya patung dan menyampaikan volumenya di atas pesawat! Belum lagi fakta bahwa fotografi binokular hampir tidak dapat diakses, fotografi hanya dapat menangkap satu dari banyak sudut gambar, hanya satu, bahkan efek pencahayaan yang paling sukses, sehingga mengecualikan kemungkinan persepsi yang memadai terhadap patung tersebut. Mungkin permukaan pahatan marmer yang dimodelkan secara halus sangat sulit untuk direproduksi secara fotografis. Bahkan banyaknya frame, berurutan, dalam lingkaran, merekam gambar tiga dimensi, tidak bisa mencerminkan realitas material potret F.I. Shubin, dengan korelasi unik dan saling ketergantungan semua parameter spasial. Kad-228

Sistem fotografi dan pembuatan film secara paksa membatasi kemampuan mata manusia, mengatur lintasan pandangan, dan dengan demikian menghilangkan kemungkinan persepsi independen terhadap monumen tersebut.

Hampir mustahil untuk mengajari seseorang melihat patung melalui reproduksi. Oleh karena itu, pada awal pengenalan anak sekolah dengan jenis seni ini, penting untuk langsung melihat karya tersebut: apakah itu monumen kota, patung kuda-kuda di pameran museum, di pameran atau di sanggar seniman, gips, dan baru kemudian menggunakan foto atau transparansi jika diperlukan.

Tugas pertama yang harus diselesaikan seorang guru sebelum mulai menganalisis suatu monumen adalah menyelaraskan persepsi penonton, memusatkan perhatian, dan membangkitkan minat. Hal ini dapat dicapai dengan berbagai cara: cerita pendahuluan, pertanyaan yang tidak terduga, perbandingan paradoks dengan sebuah karya terkenal, efek pencahayaan, perubahan latar belakang, usulan untuk berjalan-jalan, tugas untuk melihat karya tersebut sehingga kemudian dari ingatan Anda dapat mendeskripsikan atau membuat sketsa secara detail, mungkin, ambil pose patung. Dalam beberapa kasus, ketika ada kesempatan seperti itu, akan lebih baik jika seseorang dapat merasakan permukaan patung, memegangnya di tangan, yaitu menyadari kebutuhan alami manusia untuk menggunakan kemampuan organ sentuhan. “Lukisan hanya menarik bagi mata,” tulis D. Diderot, “patung ada baik untuk orang buta maupun yang dapat melihat.”

Cara menarik perhatian siswa terhadap pekerjaan yang dianalisis bisa berbeda-beda. Anda masing-masing akan menemukan sendiri, yang paling dapat diterima untuk diri Anda sendiri, tetapi penting untuk mulai menganalisis monumen hanya ketika penonton siap mendengar dan memahaminya, siap untuk beralih dari persepsi dasar tentang penampilan karya ke pertimbangan tempatnya dalam sistem genre pada zamannya, ciri-ciri tipologisnya, dan ciri-ciri material dan teknik pertunjukan, dll., dan ini hanya mungkin atas dasar gagasan yang sadar dan tetap dalam kesadaran. ​​patung sebagai bentuk visual kreativitas seni spasial tiga dimensi.

Ini adalah bentuk volumetrik plastik, yang dibatasi oleh “profil” (istilah Bourdelle), yang terutama dirasakan oleh pemirsa. Ialah pembawa citra artistik, yang dibentuk melalui sarana-sarana penting seperti struktur komposisi, bahan dan cara pengolahan permukaannya, ritme, struktur proporsional yang digunakan pengarang untuk mewujudkan tema. Sarana ekspresi artistik saling bergantung. Pada saat yang sama, penggunaan berbagai kemampuannya ditentukan oleh tahap sejarah perkembangan budaya, genre monumen, dan karakteristik kreatif individu penulis. Hal utama, op-

Arah yang menentukan evolusi bentuk pahatan selama berabad-abad dan ribuan tahun dapat dianggap sebagai jalur eksplorasi ruang angkasa, pembebasan dari massa material alam yang menghambat. Patung mengambil jalur ini dari simetri, imobilitas, dan bentuk terbatas menjadi balok batu atau kayu serupa. Mesir Kuno, Yunani Kuno, Rus Kuno. Dan hari ini, menurut pernyataan adil dari penulis buku “Sculpture and Space” N.I. Polyakova, “seperti halnya embrio manusia dalam proses rahim mengalami semua tahap evolusi spesiesnya, demikian pula patung modern dalam tahap pemrosesan, ia mempertahankan jejak evolusi spesiesnya di masa lalu" (Polyakova N.I. Patung dan ruang. M., 1982.Hal.22).

Patung tiga dimensi, yang merupakan kualitas terpentingnya, menentukan cakupan tema dan subjek gambar. Banyaknya karya pahatan, volumenya dalam ruang lingkungan perkotaan, interior atau bahkan “dunia mikro” meja memberikan dorongan awal pada persepsinya. Persepsi primer ini dilakukan pada tingkat emosi, seringkali tidak disadari, dan “pengenalan” terhadap suatu objek.

Ketika pemirsa pertama kali melihat karya asli, yang sebelumnya diketahuinya dari foto atau deskripsi, kesan pertama ini seolah-olah ditumpangkan pada gambar monumen yang telah ditetapkan sebelumnya, disesuaikan, dan penyesuaian ini membangkitkan sejumlah asosiasi, upaya pemahaman, keinginan untuk mempertimbangkan lebih detail, dan untuk ini - untuk melihat lebih dekat, dari sudut yang berbeda, berjalan-jalan. Seringkali, gagasan awal tentang ukuran monumen, tekstur permukaannya, dan gradasi warnanya ternyata salah, tetapi kemudian, dalam proses pemeriksaan yang cermat, pandangan terfokus pada pemodelan volumetrik bentuk. Jadi, setelah melihat “Pekerja dan Wanita Petani Kolektif” oleh VI untuk pertama kalinya di Moskow. Mukhina, penonton terkagum-kagum dengan skala raksasa monumen tersebut, memperhatikan proporsi gambarnya, memeriksa lapisan yang dibentuk dengan mengelas logam, dan baru kemudian pergi, kecewa, atau memulai, dengan kesiapan umum terbaik mereka, untuk membandingkan, menyandingkan, dan mengingat foto-foto kelompok ini yang pernah terlihat di paviliun pameran Soviet di Paris atau prototipe antik ikonografisnya - gambar Harmodius dan Aristogeiton.

Sebuah karya patung berbentuk lingkaran bahkan relief tidak dapat dilihat secara keseluruhan sekaligus. Saat Anda bergerak, kesan visual baru muncul dan gambaran visual terbentuk. Dari sinilah proses persepsi yang lebih utuh dimulai, termasuk analisis, yang didalamnya melibatkan pengetahuan yang ada tentang monumen, tokoh atau peristiwa yang digambarkan, analogi ditarik, dan secara paralel terjadi perkembangan spiritual, perasaan, pembiasaan terhadap sesuatu, mengasimilasinya, identifikasi diri. Akhirnya, sebagai hasil interaksi 230

pengetahuan, perasaan dan sensasi melahirkan suatu penilaian. Buah dari semua karya ini adalah gambaran artistik dari karya tersebut, yang terbentuk di benak pemirsanya. Penjelasan dari seorang profesional dapat membuat proses ini lebih dalam, lebih aktif, namun hasil akhir untuk setiap penonton tetap bersifat individual. Dan ini tidak hanya bergantung pada kesiapan persepsi yang berbeda, tetapi yang paling penting adalah fakta bahwa tidak hanya tindakan kreatif yang benar-benar unik, tetapi juga jalannya kreasi bersama, yang merupakan persepsi seni yang penuh emosi dan analitis. “Dalam seni pahat dan lukisan,” tulis Hegel, “ bagian dari seni hadir di hadapan kita sebagai hasil aktivitas artistik yang ada secara obyektif, namun bukan aktivitas itu sendiri sebagai kreativitas hidup yang nyata.” (Hegel G.W.F. Estetika. M., 1971.T.3.P.338).

Proses kreatif Pada tahap eksistensi sebuah karya sebagai realitas utuh yang diciptakan oleh pengarang dan diisolasi darinya, interpretasi artistiknya, serta proses persepsi penontonnya, menjadi terarah dan sangat ditentukan olehnya.

Citra artistik yang lahir pada penonton berubah seiring berjalannya waktu karena berbagai faktor obyektif. Terkadang sebuah karya yang dilihat dan bahkan dialami berkali-kali tidak lagi dianggap sebagai gambaran artistik dan menjadi semacam tanda. Kemudian patung kehilangan kualitas terpenting bagi seseorang - spasialitas dan dengan demikian menjadi terasing darinya. Persepsi kembali ke tataran pengenalan, namun hanya datar, tidak sesuai dengan hakikat seni patung. Hal ini terkadang terjadi bahkan dalam kaitannya dengan monumen yang luar biasa, seperti “Penunggang Kuda Perunggu” oleh E.M. Falcone atau “Minin dan Pozharsky” oleh I.P. Martos.

Proses menganalisis sebuah karya seni patung, yang pengenalannya tidak didahului dengan adanya informasi yang cukup tentang karya tersebut, penciptanya, ketika penilaian sebelumnya tidak diketahui, tampaknya lebih sulit. Benar, perlu dicatat bahwa fakta memasang monumen atau memamerkan patung di museum mengandaikan pengakuan atas benda tersebut sebagai karya seni, meskipun tidak menutup kemungkinan untuk berdiskusi tentang manfaat artistiknya.

Persepsi utama terhadap sebuah patung, fakta keinginan untuk melihatnya sudah mengandung penilaian, yang ditegaskan atau diubah ketika seseorang berjalan berkeliling, mengungkapkan kepada pemirsa kekayaan plastik bentuk tiga dimensi.

Monumen baru Peter karya M. Shemyakin yang muncul di Sankt Peterburg beberapa tahun lalu, langsung menimbulkan perbincangan cukup hangat. Penilaian heuristik pertama, yang menyimpulkan penerimaan atau penolakan terhadap monumen tersebut, namun tidak membuat penonton acuh tak acuh, sehingga mendorong mereka untuk melihat lebih dekat karya ini. Pada saat yang sama, menarik untuk ditonton oleh publik, saya berhenti

dengan dia. Pertama, semua orang melihatnya dalam tiga perempat belokan dari jalan, kemudian, semakin dekat, mereka melihatnya dari sudut yang sama, mereka semakin dekat untuk melihat detail dari depan, tetapi mereka jarang berjalan-jalan. Komposisi sosok itu sendiri, yang duduk di kursi secara frontal dan statis yang sangat mematikan, tidak mendorong hal ini. Namun perhatian utama penonton terfokus pada kepala dan tangan Peter, pada perbandingan proporsi sosoknya. Monumen dipandang dan dinilai sebagai potret.

Pose yang tampak tidak wajar, perubahan proporsi gambar, detail dan fragmen yang berlebihan terutama menarik perhatian pemirsa sebagai sesuatu yang melanggar korespondensi langsung gambar dengan gagasan yang sudah ada tentang karakteristik fisik seseorang. Berdasarkan hasil analisis, penggunaan teknik-teknik tersebut dibenarkan dan diterima oleh pemirsa atau menimbulkan penilaian negatif, namun dalam kedua kasus tersebut, pengembangan penilaian didahului dengan pemahaman, upaya untuk menemukan jawaban atas pertanyaan tersebut. mengapa penulis menafsirkan struktur komposisi dan proporsional karya dengan cara ini. Perbandingan muncul dalam pikiran, asosiasi muncul. Ketidakkonvensionalannya dalam konteks budaya Sankt Peterburg dan pada saat yang sama orientasinya yang langsung dan sengaja ditekankan terhadap “persona lilin” yang dilakukan oleh KB terlihat jelas bagi semua orang. Rastrelli berdasarkan gips yang diambil dari kepala, lengan dan kaki mendiang raja. Tugas menganalisis sebuah patung justru membuat proses persepsi selengkap dan sesadar mungkin.

Apa yang dapat dilihat pemirsa ketika melihat karya pahatan tersebut? Pertama, gambaran umum, ukuran, pose gambar, karena orangnya siapa subjek utama dan objek gambar dalam patung. Kemampuan komposisi patung, berbeda dengan lukisan dan grafis, sangat terbatas, terutama oleh ciri anatomi manusia dan hewan. Motif hias dan detail arsitektur terutama didasarkan pada bentuk tanaman yang distilisasi; patung, di sisi lain, beroperasi hampir secara eksklusif dengan gambar figuratif atau kebinatangan, yang menetapkan dalam imobilitas apa yang paling dinamis dalam alam yang hidup.

Kembali